La lithographie est une technique d’impression qui permet la création et la reproduction en plusieurs exemplaires d’un tracé à l’encre ou au crayon sur une pierre calcaire. Apparue à la fin du 18ème siècle en Allemagne, elle connaît un succès rapide partout en Europe au 19ème siècle. Elle est encore aujourd’hui une technique d’actualité, bien qu’elle aie connu des évolutions, dans ses supports comme dans ses usages. La technique d’impression lithographique est basé sur un procédé chimique, basé sur l'antagonisme entre l’eau et les matières grasses. Le sujet à imprimer est dessiné directement sur la pierre, à l’encre ou au crayon gras, ou « reporter » d'après un dessin par un calque. La pierre calcaire est ensuite humidifiée, puis recouverte d’encre grasse. Hydrophobe, cette dernière n’adhère qu’aux traits du dessin, tandis qu’elle est repoussée sur toutes les zones humides. Il ne reste plus qu’à apposer le papier sur la pierre et à passer le tout sous presse. Peu à peu, cette technique à été appliquée à d’autres supports que la pierre, comme le zinc et l’aluminium. Au XIXème siècle en particulier, la lithographie a recouvert plusieurs usages et débouchés. Très utilisée dans les dessins de presse pour sa rapidité d’exécution grâce à la rotative, si nécessaire pour couvrir l’actualité brûlante; elle possède également une utilité commerciale (étiquettes, impression de partitions de musique) et bien sûr artistique. C’est cette dernière fonction qui nous intéresse évidemment. Elle se divise en deux utilisations distinctes. La première est pour ainsi dire un médium artistique : des artistes comme Henri de Toulouse-Lautrec s’en servent pour créer des oeuvres originales en plusieurs exemplaires, tandis que d’autres l’utilisent pour la reproduction de leurs travaux. Très à la mode à l’époque, on trouve encore aujourd’hui de nombreuses lithographies d’inspiration art nouveau et art déco. La lithographie permet le développement rapide de la création typographique et par suite artistique. Elle permet d’obtenir un dessin original très facilement. Elle laisse libre cours à la fantaisie et permet l’obtention d’oeuvres aux styles infinis. Au XXème siècle, la lithographie est très répandue pour créer notamment des produits dérivés et des affiches d’exposition, d’ailleurs souvent créées par les artistes eux-mêmes. A titre d’exemple, Miro et Picasso ont eu une production abondante d’affiches réalisées grâce à cette technique. Aujourd’hui, seule la lithographie artistique subsiste. Comme la photographie ou encore la gravure, cette dernière a la particularité d’être une oeuvre d’art multiple. Sa valeur sur le marché est ainsi fonction de la cote de l’artiste et de la qualité de l’impression, mais aussi et surtout du nombre d’exemplaires auxquels elle est éditée. L’information clé pour l’acheteur est par conséquent le numéro de l’exemplaire et celui du tirage total, ce que l’on appelle la « justification du tirage » qui évite l’imitation vulgaire et rassure sur l’authenticité. Parmi les incontournables d’Artsper, vous retrouverez les lithographies des grands maîtres du 20e siècle (Niki de Saint Phalle, Andy Warhol,Roy Lichtenstein,Jean Cocteau, Victor Vasarely, Salvador Dali, Zao Wou-Ki...) mais également d’artistes contemporains reconnus comme Hervé Télémaque, Yan Pein Ming et bien d’autres. Il faut savoir que toute lithographie vendue sur le site est sélectionnée avec soin, il s’agit toujours d’une édition à un tirage limitée à 300 exemplaires ou bien signée de la main de l’artiste. L’une des techniques les plus employées sera ici l’eau forte sur papier.

Comme son nom l'indique, le street art (“art urbain" ou “art de de rue" en français) recouvre tous les types d'oeuvres d'art contemporain réalisées dans la rue dans un esprit éphémère et souvent contestataire. Il peut prendre la forme de tags signatures comme de fresques murales monumentales, collages, stickers, pochoirs et même installations. Bien que de plus en plus populaire, les premiers graffitis naissent dès les années 60 aux États-Unis dans la ville de Philadelphie et amorcent ainsi les débuts du street art moderne. Allan Kaprow voit dans cette nouvelle technique pictural le “déplacement de l'objet spécialisé en galerie vers l'environnement urbain réel". Atteignant rapidement la ville de New York dont les artistes s'accaparent la “jungle de béton", les panneaux publicitaires et particulièrement le métro, le street art finit par se diffuser en Europe au début des années 80. Avec l'explosion de la pratique et de la vente de bombes de peinture, les lois se durcissent aussi et très vite le street art est considéré comme un art vandale et rebelle. Les plus grands noms de l'époque restent évidemment : Quik, Futura 2000 ou encore Phase 2… En France, Blek le rat et Jérôme Mesnager se font connaître. Depuis une vingtaine d'années maintenant, le street art évolue et arrive paradoxalement dans les musées et les galeries. La rue est un espace de création infini qui donne un à l'artiste un lieu de passage quotidien lui permettant de décupler son public et de fait son message. Le goût du risque motive le graffeur, cependant il l'oblige à travailler dans la précipitation avec la possibilité d'être interrompu à tout moment. Suscitant de plus en plus l'intérêt des collectionneurs, certains artistes acceptent d'exposer dans des lieux fermés privés qui leur offre un processus de création plus serein et appliqué. La première exposition consacrée au street art a lieu à New York en 1972 et ouvre ainsi la voie aux plus grands musées d'art moderne et contemporain du monde; le Palais de Tokyo à Paris, la Tate Modern à Londres... Cette véritable entrée du street art dans le marché de l'art divise les artistes, certains refusant tout vernissage et questionnant l'essence même du mouvement. Une partie d'entre-eux craint l'institutionnalisation de leur art (qui se veut par nature résolument non officiel) et par la même occasion la perte de l'interaction qu'ils recherchent avec le public. Un équilibre se crée néanmoins et nombreux sont les artistes qui combinent les supports; la rue et l'atelier. La rue devient souvent le tremplin vers la reconnaissance. Les artistes les plus côtés sont aussi parfois autorisés à travailler sur l'espace public. Découvrez sur Artsper les éditions des grands maîtres du graffiti mais également des jeunes artistes émergents de la scène artistique mondiale actuelle. Aussi soyez assurés de la qualité des oeuvres à acquérir. Artsper est très exigeant envers ses galeries partenaires et demandent d'elles qu'elles n'ajoutent sur le catalogue virtuel que des éditions en série limitées à 300 exemplaires, ou bien signées et numérotées par l'artiste lui-même. Des précurseurs aux talents prometteurs, ils sont tous sur le site : Banksy, Shepard Fairey (Obey), JR, Jef Aérosol, Miss Tic, JonOne et bien d'autres...

Bien qu'apparu dans les années 50s au Royaume-Uni, le pop art continue d'inspirer mondialement les artistes et le public, toujours aussi friands des sérigraphies en couleurs.Pop art vient de “popular art" et reste l'un des mouvements artistiques charnières du 20e siècle. Il se caractérise tant par les sujets traités dans les œuvres que dans les techniques pour réaliser celles-ci.Les figures représentées ne sont pas nobles. On peint et dépeint la culture de masse, la société de consommation et les idoles populaires. On place d'ailleurs souvent le pop art en opposition à l'expressionnisme abstrait, style très en vogue à l'époque, pour déposséder les élites de l'exclusivité en matière artistique.Le pop art est multiple et touche toutes les sphères créatives: la peinture, la mode, les arts plastiques (sculpture, collage…). Il répond à certains critères esthétiques au niveau pictural permis grâce aux innovations industrielles, la sérigraphie notamment. Il s'agit d'un processus d'imprimerie impliquant l'utilisation d'un pochoir pour reproduire plusieurs fois la même image sur la toile.Comme bien souvent dans l'histoire de l'art, ces prouesses techniques n'eurent guère de succès à leurs débuts et furent méprisées par la intelligentsia. Il faut attendre l'arrivée sur la scène artistique de deux précurseurs de génies, figures majeures du mouvement artistique : Andy Warhol et Roy Lichtenstein. Grâce à eux, la peinture contemporaine prend un virage à 180°. La valeur ne s'estime plus à la rareté de la pièce et au choix élaboré du sujet.On estime souvent que les deux hommes ont été influencés par l'exposition de 1960-1961 des artistes de l'avant-garde européenne exposés à New York. Ils produisent cette année-là des œuvres inspirées des comics dont Look Mickey, œuvre phare de Lichtenstein. Néanmoins, leurs styles évoluent vite et ils empruntent tous deux des chemins très différents.Tandis que Roy Lichtenstein persiste dans le genre de la planche de bande-dessinée qu'il s'approprie, Andy Warhol annonce les débuts de l'art contemporain post-moderne en utilisant les objets du quotidien pour modèle.Ayant commencé sa carrière dans la publicité, il s'émancipe en tant qu'artiste en reprenant les codes et les produits américains vulgaires de base et en les sublimant. On pense évidemment aux conserves Campbell's Soup, aux canettes de Coca-Cola, au Ketchup Heinz… La critique assumée et souvent amusée de la société de consommation par le pop art se poursuit aussi avec la représentation des acteurs et chanteurs élevés au rang d'idoles auxquelles on voue un culte absolu. Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor...Toutes les grandes stars des années 60 sont immortalisées dans des couleurs vives et des formats rappelant l'esthétique des affiches publicitaires plus ou moins kitch.À l'image du dadaïsme de Duchamp avant-lui, le pop art est porté par une volonté de désacralisation de l'art ou du moins de renverser la vision qu'on pouvait en avoir jusqu'alors. Il devient accessible au commun des mortels, reprenant les fétiches qu'il maîtrise déjà.Retrouvez des éditions Pop Art des plus grands artistes contemporains de Andy Warhol à David Hockney, en passant par Roy Lichtenstein, Takashi Murakami, et Keith Haring mais aussi des œuvres de jeunes talents.

La sérigraphie est une technique d'édition, traditionnellement sur soie pour les plus anciennes. En effet, sa pratique remonte à la dynastie Song, en Chine, mille ans avant Jésus-Christ. La méthode consiste à imprimer un motif à l'aide d'un pochoir en tissu. Le dessin est d'abord fait sur papier, puis la forme est découpée, appliquée sur le support final sur lequel l'artiste peint pour ne laisser l'encre qu'à l'intérieur de la forme. L'imprimerie peut se faire sur du papier, mais aussi sur du textile, du carton ou encore du métal… Lorsqu'on imprime un sujet dessiné sur la pierre, il s'agit alors d'une lithographie. La sérigraphie ne s'exporte pourtant qu'au début du XXème siècle alors que l'émigration chinoise aux Etats-Unis est à son apogée. Dès son introduction aux USA, elle connaît un grand succès et est à la fois utilisée par l'industrie mais aussi par les artistes. C'est d'ailleurs un groupe d'artistes américains qui, en 1930, a commencé à employer le terme « sérigraphie » pour désigner les oeuvres n'ayant pas de but commercial. Elle parvient ensuite jusqu'en Europe, lors de la Seconde Guerre mondiale, car les Américains s'en servent pour marquer la signalétique et les véhicules. Avec sa diffusion et sa démocratisation, la sérigraphie connaît de nouvelles évolutions : la soie est peu à peu remplacée par le nylon (matériel plus accessible), le rouleau - utilisé pour étendre l'encre - est remplacé par le racloir et l'encre UV fait son apparition offrant davantage de précision. La sérigraphie étant particulièrement adaptée à la production industrielle, la publicité et à la production de textiles imprimés, il est normal que les artistes du Pop Art jettent leur dévolu sur cette technique qui offre des couleurs très vives et opaques. Andy Warhol, notamment, l'utilise pour ses célèbres portraits de Marilyn Monroe. En Europe, ce sont les artistes modernes qui vont utiliser la sérigraphie, Matisse par exemple, pour son oeuvre « Composition sur fond bleu ». Elles vont également être répandues en Mai 68 pour créer des affiches. Elles se multiplient au XXème et au XXIème en conservant leur esprit contestataire comme dans certaines oeuvres de Street Art : Shepard Fairey, par exemple, en confectionne pour son affiche « Hope » représentant Obama. Remarquons qu'aujourd'hui la sérigraphie connaît des emplois multiples : sérigraphie textile, sérigraphie industrielle, sérigraphie numérique que ce soit pour des impressions de grands formats, ou de petits. Avec l'impression sérigraphique, on crée des cartes de visite, des t-shirts, des autocollants et des objets publicitaires en tout genre, sur tous supports comme des oeuvres d'art graphique. Cette polyvalence s'explique notamment par le fait qu'un sérigraphe peut imprimer presque sur tous les supports, le bois, le plastique, le métal, le verre, le carton, le textile. Sur Artsper, retrouvez les sérigraphies d'Andy Warhol et de Shepard Fairey mais aussi du street artiste JonOne, les skateboards de Boom Art, les éditions abstraites de Sonia Delaunay, les compositions graphiques de Victor Vasarely, les sérigraphies colorées de Kiki Kogelnik, Damien Hirst, Takashi Murakami, Cy Twombly, François Morellet …

On retrouve depuis la Préhistoire et l’Antiquité, des gravures, c’est-à-dire des dessins creusés ou en relief. Ils permettaient, à l’époque, d’appréhender le monde encore si mystérieux aux yeux des hommes. On en trouve en haute altitude, pour analyser le cosmos, et dans les terres pour dépeindre le quotidien. Sa pratique est ancestrale : les gravures sont présentes dans la Bible et dans des poèmes dès le VIIIème siècle avant Jésus Christ. Si la gravure était une oeuvre en soit à cette ère, elle s’est répandue au Moyen- ge en tant que technique d’impression pour obtenir des éditions. C’est à partir de la Renaissance, au moment de l’invention de l’imprimerie, que la gravure se propage en Europe. Sa pratique devient indispensable à la diffusion des idées et des connaissances sur des livres et des illustrations. La gravure d’art permet aussi à cette époque de garantir l’authenticité d’une oeuvre pour éviter les contrefaçons. Si l’Italie est au centre de l’attention pendant la Renaissance, c’est en Europe du Nord que les artistes ont su donner son importance à la gravure dans l’art avec Albrecht Dürer et Rembrandt, qui utilisent principalement la technique de gravure dans la taille-douce. Cette technique consiste à creuser le dessin sur une plaque métallique, il s’agit souvent de gravure sur cuivre. L’encre est ensuite déposée sur le creux gravé. On la distingue de la gravure en taille d’épargne, ou le graveur doit vider la matière pour faire apparaître un dessin en relief. Il s’agit dans ce cas souvent de gravure sur bois, sur métal, et sur linoléum qui est plus souple et donc plus facile à travailler (la linogravure). Pour graver, ils utilisaient soit un outil : le burin ou encore la pointe sèche, soit un mordant tel que l’eau-forte, appréciée pour la simplicité de son apprentissage, ou enfin la gravure à plat, c’est à dire la lithographie (l’impression de dessins avec une encre ou un crayon gras sur du calcaire), la sérigraphie (l’impression grâce à un tissu à maille tendu dans un cadre), et enfin le monotype (l’impression sur papier, peinte sur planche de cuivre). La gravure moderne se manifeste à travers la lithographie, qui réapparaît avec Aloys Senefelder, permettant de contourner les techniques difficiles à adopter de la gravure. La gravure artistique se répand en Europe avec les travaux de Thomas Bewick qui représente des animaux, Charles Thompson qui utilise la gravure pour la presse ou encore Héliodore Pisa, François Pannemaker et Hippolyte Lavoignat pour des illustrations. Elle disparaît peu à peu à l’invention de la photographie. Mais d’autres artistes modernes en produisent aussi : l’école de Barbizon, dont Millet et Corot qui pratiquent la gravure à l’eau forte mais aussi les impressionnistes tels que Manet, Gauguin, Cézanne et Renoir et enfin les modernes comme Picasso et Matisse qui travaillent le Linoléum. Enfin, la gravure contemporaine est pratiquée par des artistes comme Philippe Mohlitz ou bien Mario Avati et Philippe Favier. Les éditions de gravure disponibles sur Artsper sont idéales pour se procurer des oeuvres des plus grands artistes tels que Man Ray, René Magritte, Alexander Calder, Edvard Munch, Niki de Saint Phalle, Robert Combas, Miss Van et Antoni Tapies.

Dater la naissance de l'art abstrait de façon précise semble impossible. Les théoriciens parlent généralement d'une période proche des années 1910 avec notamment Vassily Kandinsky et de son “Tableau avec cercles". À la fois peintre et auteur, Kandinsky est indéniablement l'un des pères fondateurs de l'art abstrait. Néanmoins, parallèlement à son travail, on retrouve d'autres grands maîtres qui, chacun de leur côté, produisent également des oeuvres non figuratives, à peu près à la même période : Piet Mondrian, François Kupka, Kasimir Malevitch… Il faut aussi noter l'impact des époux Robert Delaunay et Sonia Delaunay sur l'évolution de l'abstraction. Apollinaire qualifie leur art d'Orphisme, enchanté par les couleurs vives et tous les cercles de leurs compositions. Même si l'art abstrait peut s'apparenter à une véritable révolution comparativement à ce qui a été fait avant; on note qu'il constitue tout de même une suite naturelle à l'histoire de l'art lorsqu'on observe la tendance des décennies précédentes. D'ailleurs, certains experts estiment que l'art abstrait peut remonter à Monet et Whistler. Ces derniers accentuaient en effet plus certaines sensations visuelles que les objets représentés. Le fauvisme a aussi permis d'appréhender le pouvoir des couleurs, tandis que le cubisme a commencé à s'aventurer sur le terrain de la géométrie. De même, donner une seule définition à l'art abstrait n'a pas beaucoup de sens tant il s'avère complexe. Le point commun entre tous les partisans de cette mouvance réside dans le fait qu'ils pensent que la réalité est subjective. Ils ne peignent pas des modèles, des choses, des gens mais utilisent des formes, des couleurs et des lignes dans leurs tableaux. Il existe des niveaux d'abstraction. L'abstraction géométrique et l'abstraction lyrique constituent l'abstraction pure et totale. On ne reconnaîtra pas le sujet si on ne dispose d'aucune information sur le tableau. En revanche, les artistes utilisent aussi l'abstraion partielle dans des oeuvres d'art figuratif. Il ne faut cependant pas sous-estimer le rôle du contexte historique dans l'émergence de nouveaux mouvements artistiques. L'art abstrait a connu deux âges d'or : la première dans l'entre deux guerres pendant la Grande Dépression, la seconde entre 1947 et 1970. Pourquoi ? En quelques mots : la misère humaine. Lorsque l'artiste ne sait plus comment évoquer l'horreur de la guerre et transmettre la douleur des événements vécus, il doit innover, chercher de nouveaux procédés et faire appel à la mémoire subjective des individus. On comprend ceci dans la formule d'Adorno : “Écrire un poème après Auschwitz est barbare". L'art abstrait connaît son apogée entre 1950 et 1970 à New York avec notamment l'expressionnisme abstrait avec Mark Rothko, Jackson Pollock, Willem de Kooning… Mais il existe bien d'autres mouvements qui possèdent des caractéristiques de l'art abstrait : le surréalisme, le fauvisme, le cubisme, le bauhaus, le futurisme,… Avec l'avènement des nouvelles technologies, le XXIe siècle a vu apparaître de nouveaux mouvements contenant de l'abstraction mais certains artistes produisent encore de l'art abstrait pur. Pour ne nommer que quelques peintres et sculpteurs : Anish Kapoor, Ben Berlow, Christian Rosa… L'art abstrait ne disparaît pas, il se réinvente constamment et s'adapte à la société dans laquelle il évolue. Sur Artsper, découvrez toutes les éditions abstraites des plus grands artistes modernes et contemporains comme Zao Wou-Ki, Pablo Picasso,Victor Vasarely, Joan Miro ainsi que de jeunes artistes émergents.

L'art du portrait en tant que genre a une histoire longue et variée, allant des peintures murales de l'ancienne Égypte aux peintures commandées de la royauté européenne, en passant par la photographie de mode hautement stylisée. Aujourd'hui, les artistes perpétuent la tradition artistique du portrait en créant des éditions de portraits ! L'expressivité et la personnalité innées du visage humain en font le sujet idéal pour de nombreux artistes. Qu'il s'agisse d'interprétations abstraites minimalistes, de photographies vintage de célébrités emblématiques ou de pièces créatives inspirées de l'histoire de l'art, les artistes ont été inspirés pour interpréter les éditions de portraits d'une variété infinie de façons, ce qui signifie qu'il y en a pour tous les goûts artistiques ! Vous voulez peut-être un portrait de votre artiste préféré, mais vous ne pouvez pas vous permettre de payer le prix d'une peinture originale ? Une édition de portrait est une excellente option pour posséder une œuvre d'artistes tels que David Hockney ou Pablo Picasso. Découvrez des centaines de nouveaux visages grâce à la sélection d'éditions de portraits d'Artsper !

A l'origine considéré comme un art pour les fous, l'art brut a obtenu une place dans le monde de l'art grâce à Jean Dubuffet. Dès lors les œuvres ont connu un véritable engouement par les collectionneurs. Hervé Di Rosa ou Paul Richard Mason, tous les artistes d'art brut sont dans notre sélection d'éditions. Découvrez les toutes.