Dessin

Pareillement au dessin de nature morte ou de scène de vie, le portrait appartient véritablement à l’Histoire de l’Art. Depuis l’Antiquité, des portraits sont réalisés dans le cadre de rituels funéraires et religieux, ils ont pour but de « rendre présents ceux qui sont absents ». En Europe, c’est à la Renaissance que l’art du portrait se répand grâce aux peintres italiens et flamands. Comme à l’ère romaine, le portrait était souvent réservé aux figures importantes de la société; on traçait par exemple un portrait de femme pieuse et dévouée ou celui d’un valeureux guerrier pour faire ressortir sa bravoure au combat. Au XIVème siècle et au XVème siècle, les peintres produisent sur commande. Un art de cours se développe et très vite, les peintres esquissent des croquis préparatoires à main levée pour valider les commandes et entamer par la suite le travail de peinture à l’huileà l’époque, ou bien à l’ aquarelle plus récemment. Les traits sont parfois sublimés au dépend du réalisme et de l’expression mais certains artistes peintres se sont aussi démarqués par leur capacité à reproduire les expressions du visage avec une ressemblance presque photographique. Certains portraitistes fournissent les oeuvres de détails et d’autres préfèrent capturer l’essence d’une personne. A cette époque, le dessin portrait raconte non seulement une histoire mais il porte également un message de pouvoir, il permet de renvoyer une image bien contrôlée à la population et d’asseoir son autorité par la diffusion de ces images. Pour les élites florentines, le portrait est un excellent moyens de porter leur physique et leur statut social à la postérité. On retrouve ainsi dans les musées contemporains les visages de l’aristocratie et de la haute bourgeoisie européenne de l’époque, très modestement immortalisées par Léonard de Vinci et Rembrandt. L’effet obtenu en dessin va dépendre des outils et du matériel utilisé. La sanguine est très appréciée (surtout au début du XVIème siècle) pour représenter les traits du visage et la chaleur de la carnation de la peau. Le portrait au fusain, laisse lui une impression de lignes plus dures, quant au pastel sec, plus douces et colorées. Chaque artiste adapte ses techniques de dessin à ce qu’il souhaite représenter et à l’émotion qu’il veut créer (caricature, dessin à l’encre de Chine, dessin au crayon sur canson…). Une chose est sûre, comme chacun sait, le portrait est un art exigeant. Capturer les expressions du visage humain nécessite beaucoup de pratique. Dessiner un visage et ses moindres détails peut en effet prendre des heures pour obtenir le résultat escompté : une mâchoire saillante, la forme du crâne, des sourcils épais, des yeux rieurs ou bien des pupilles dilatées... Encore plus difficile, avez-vous déjà essayer de faire des portraits d’enfants? Ceux-ci s'impatientent vite et refusent de poser trop longtemps. Le dessinateur doit être assez habile pour parvenir à immortaliser ces modèles vivants pleins de vie. Peu à peu, les portraits dessinés ont évolué vers des oeuvres moins réalistes, mais plus surprenantes et colorées. Retrouvez sur Artsper les dessins de grands maîtres comme de jeunes artistes : Jean Cocteau, Julien Calot, Alice de Miramon, Philippe Pasqua, Sabine Danzé,Bahareh Navabi ou encore Stéphanie Stindel.

Le street art est un mouvement artistique contemporain qui regroupe toutes les formes d’art réalisées dans la rue ou et plus largement dans l’espace public. En français, on l’appelle « art de rue » ou « art urbain ». Au sein de ce mouvement, l’espace public est un moyen d’expression et de diffusion au plus grand nombre. Loin d’être une nouveauté dans l’histoire, le graffiti moderne marque les débuts du street art. Il naît dans les années 60 aux Etats-Unis, dans la ville de Philadelphie. Un habitant de la ville commence à écrire son nom sur les murs de la ville pour attirer le regard de celle qu’il aime. Il est par la suite imité par de nombreux autres citadins. A la fin des années 60, la pratique se diffuse et atteint New York, dans un contexte de densification des transports urbains et de bétonisation des villes, d’apparition des banlieues et d’omniprésence de la publicité. En parallèle, la commercialisation des bombes aérosol encourage également la propagation de la pratique. Les premiers pas du street art s’inscrivent ainsi dans un esprit vandale. Parmi les graffeurs les plus célèbres de l’époque, on trouve Quik, Futura 2000 ou encore Phase 2. Le graffiti peut lui même recouvrir plusieurs formes, comme le tag (signature) ou encore la fresque, oeuvre d’envergure où décors et motifs s’ajoutent au lettrage. Peu à peu, le street art se diffuse au monde entier, et de nouveaux modes d’expression urbains apparaissent, comme le pochoir ou le sticker. En France, le street art fait ses débuts à l’aube des années 70, mais ne s'épanouit que dans les années 80, avec des artistes comme Blek le rat et Jérôme Mesnager. De nouvelles dynamiques apparaissent, et notamment une pérennisation des oeuvres. Celle-ci s’explique par différents facteurs. De plus en plus d’artistes souhaitent conserver leurs oeuvres et créer plus sereinement, d’autant plus que la répression policière des artistes vandales se fait plus dure dans les années 80 et 90. Le street art suscite également l’intérêt des galeristes la première exposition d’oeuvres d’un graffeur ayant lieu dès 1972 à New York. Ainsi apparaît le dessin dans le street art. Les graffeurs laissent libre cours à leur imagination sur support papier au sens très large du terme. En effet, des artistes de rue s’approprient aussi bien la feuille canson que le papier journal et même des billets de banques comme par exemple Death NYC ou Philippe Sainte Fauste… Cette sortie de la rue pour entrer dans le marché de l’art questionne l’essence même du mouvement et divise les artistes, beaucoup craignant l'institutionnalisation. Aujourd’hui, beaucoup d’artistes allient et oeuvres de rue et oeuvres réalisées en atelier (à la bombe de peinture, aux crayons de couleur, à la craie ou au fusain). La rue devient ainsi un tremplin pour accéder à la reconnaissance. Les street artistes les plus cotés sur le marché de l’art continuent souvent leur pratique dans la rue de manière légale, sur des espaces autorisés. Les plus grands noms du street art actuel emploient donc ce medium : Jef Aérosol, Banksy ou encore Miss Tic. Alors pourquoi ne pas acheter un dessin street art sur Artsper? C’est l’occasion acquérir une oeuvre originale, moderne ou contemporaine. Toutes les possibilités y sont représentées, que ce soit par des artistes émergents ou reconnus. Aussi, ne passez pas à côté des œuvres de grands noms de l’art contemporain qu’est le street art, tels que JR, JonOne ou encore Shepard Fairley (Obey)!

L'aquarelle est une technique artistique qui consiste à mélanger des pigments de peinture avec de l'eau. Elle est appréciée pour son rendu flou, vaporeux et diffus que ne procurent pas d'autres liants comme l'œuf ou l'huile. La gouache est également une peinture à l'eau mais ses pigments sont bien plus adhérents et opaques. Appliquée sur papier, l'aquarelle prend souvent forme grâce aux légers traits de crayons.  Peu encombrante, elle a pour avantage de se travailler rapidement dès lors que la gestion du temps est maîtrisée par l'artiste car la diffusion des pigments est très particulière : ils se concentrent sur les rebords et se fixent au séchage. Toute en transparence, elle fait apparaître la luminosité du papier. Elle est appliquée selon deux techniques majeures : la technique sèche, où les fondations sont posées à l'aquarelle puis ornées de détails en diluant moins de pigments dans l'eau, et la technique dans le mouillé, ou le papier est humidifié dans un premier temps pour favoriser la saturation. Aussi facile que de gommer, la peinture aquarelle est également réversible! Le dessinateur peut aisément retravailler son œuvre en rediluant la peinture avec un peu d'eau directement sur papier dessin. Pour toutes ces raisons, l'aquarelle est une des pratiques artistiques privilégiées par les peintres du grand air notamment pour représenter des paysages ou des formes de nuages par exemple... Généralement, l'aquarelle s'emploie sur papier, on parle donc à juste titre de dessin aquarelle. Le grain fin ou gros, la résistance à l'humidité, la couleur du papier… vont jouer un rôle majeur dans le résultat final de la peinture. La feuille de papier adaptée à ce genre de technique artistique est fabriquée à base de chiffons de lin, de bois ou de paille. Certains artistes, comme l'illustrateur Oga Kazuo du Studio Ghibli, se servent de papier mouillé étendu sur du bois vernis; d'autres préfèrent le plexiglas en cette occasion : l'eau prend alors plus de temps à s'évaporer, donnant un rendu différent aux couleurs du dessin. Déjà utilisée pour les peintures rupestres et les enluminures, c'est à partir de la Renaissance que l'aquarelle se diffuse. Si l'Histoire de l'Art reconnaît la peinture à l'huile comme la technique la plus largement utilisée à l'époque, les maîtres de l'Europe du Nord tels que Albrecht Dürer jettent également leur dévolu sur l'aquarelle pour représenter des paysages. La technique est aussi parfaitement adaptée à la représentation des canaux par les artistes vénitiens… Quoi de mieux pour représenter l'eau que la peinture à l'eau ?! C'est en fait la peinture de genre et la peinture de paysages qui comptent parmi elles le plus d'aquarellistes. D'abord Claude Lorrain au XVIIe siècle, puis William Turner, Samuel Palmer et Richard Bonington au XIXème siècle, tous ont choisi l'aquarelle pour peindre les nuances du ciel, les flots de la mer et les sillons des champs. Au XXe siècle, les artistes comme Vassily Kandinsky, Jean Bazaine ou encore Raoul Dufy ont une utilisation de l'aquarelle abstraite. Découvrez les dessins à l'aquarelle des plus grands artistes peintres comme : Sylvia Baldeva, Vittoretti, Walasse Ting, Paul Jenkins et Philippe Pasqua, disponibles sur Artsper. Retrouvez ensuite nos autres sélections uniques de dessin à l'encre de Chine, de portraits réalistes au fusain, d'esquisses de scènes de vie aux crayons de couleurs, pastels secs et même à la craie.

Que choisiriez-vous entre un paysage estivale avec des pins parasols aux inspirations fauvistes ou un paysage enneigé aux teintes bleutées comme ceux des impressionnistes ? Vous aimez autant les deux ? Cela tombe bien, car notre collection de dessins de paysages regorgent d'atmosphères différentes. Avec de la sanguine, de l'encre, de l'aquarelle ou du charbon , tous les moyens sont bons pour dessiner le monde qui entoure nos artistes. Vous pouvez vous évader dans les dessins colorés de Hélène Duclos  ou dans les esquisses au fusain de Muriel Patarroni. Voici tous nos dessins de paysages ! 

Si vous aimez les animaux, vous allez adorer ces oeuvres ! Des dessinateurs contemporains se sont inspirés du royaume des animaux pour créer des oeuvres d'art uniques et originales. Des lions, des singes, des oiseaux, des créatures des fonds marins, il y a de tout dans cette thématique ; vous allez surement pouvoir repérer votre animal préféré et trouver votre bonheur.

On attribue souvent à Pablo Picasso et Georges Braque l’invention de la technique du collage dans les arts visuels. De 1908 à 1914, les deux artistes ont créé le cubisme, pour ce nouveau style ils inventent et une méthode de représentation d’espace et de perspective qui leur permet d’appréhender les objets sous plusieurs angles et ainsi offrir une vision plus complète de la réalité à travers la peinture et la sculpture. En 1912, ils font une nouvelle découverte, le collage. Pour obtenir leur composition voulue, ils utilisent des fragments de plusieurs images qu’ils assemblent pour construire des objets, c’est en suivant ce procédé qu’ils obtiennent l’oeuvre « Nature morte à la chaise cannée », premier collage. Ils abandonnent ce médium quelques années plus tard mais ont introduit la technique du collage, reprise dans un grand nombre de mouvements au XXème siècle, au plus grand bonheur du poète Charles Baudelaire qui souhaitait voir les artistes transformer des éléments du « magasin d’images et de signes » issus du réel. Les artistes surréalistes, dadaïstes et futuristes adoptent cette pratique et commencent donc à faire du découpage et à combiner plusieurs éléments : du papier journal, du carton (pour donner du relief), de vieux magazines (pour un collage vintage), plusieurs photos ou divers objets sont assemblés pour former une seule oeuvre. Les collages disparates marquent la fin du règne des matériaux nobles et de la peinture à l’huile et ouvrent le chemin de la déconstruction et de la reconstruction, d’alliages aléatoires et improbables. Louis Aragon, André Breton, Jacques Prévert et Pierre-Olivier Walzer commencent à diffuser la pratique dans la littérature avec une juxtaposition hétéroclite d’idées dans leurs textes, puis Edward Verral Lucas et George Morrow réalisent le premier livre de collage narrant l’histoire d’un dandy anglais à partir d’images d’un catalogue de grand magasin. Les dadaïstes précurseurs Raoul Hausmann, Hannah Hoch,Max Ernst et John Heartfield vont largement exploiter le collage, notamment pour interpréter l’actualité. Les artistes peintres tels que Paul Klee et Henri Matisse pratiquent aussi le collage artistique : Paul Klee en donnant une seconde vie et une seconde identité à d’anciennes oeuvres et Henri Matisse en découpant des gouaches pour faire des maquettes. Chaque artiste cherche un effet différent à travers le collage : Jean Dubuffet assemble ses propres peintures pour tracer des lignes sinueuses, Jiri Kolar fragmente ses collages pour créer une optique géométrique, Bernard Réquichot accumule des images d’un sujet pour provoquer le dégoût, les artistes du Pop Art reprennent les symboles de la société capitaliste dans les magazines… Quant à cet art du collage contemporain, il se manifeste par exemple dans des oeuvres de street art comme celles de l’artiste Madame. Retrouvez sur Artsper une grande variété d’oeuvres d’art de de collage : les oeuvres minimalistes de Philippe Garnier de la Baudinière, les collages exotiques et épurés de Bonnie and Clyde, les assemblages de photographies, de mots et de dessins de Matthew Rose, les histoires contées par Alexandre Taillandier dans des tableaux modernes…

Longtemps placées au bas de la hiérarchie des œuvres d'art, les natures mortes ont de nouveau la cote ! Certes magnifiques il est temps d'oublier l'illustration Nature morte avec fromages, artichaut et cerises de Clara Peeters ou la fameuse Raie de Chardin, pour aller vers des œuvres plus modernes ! En effet, passées sous le crayon de nos artistes les natures mortes sont méconnaissables ! Les bouquets de fleurs, les cerises et autres agrumes sont maintenant des esquisses de baskets ou des dessins au pochoirs de fruits tropicaux. Toujours plein d'imagination pour grandir et réinventer les petits objets de notre quotidien, les dessins de nature morte de nos artistes sont à ne pas manquer. 

Le début du XXème siècle est une époque extrêmement prometteuse pour les sociétés occidentales : il y a véritable essor technologique et industriel qui change les sociétés et fait évoluer le quotidien de l’ensemble de la population. Les deux guerres mondiales de la première moitié du XXème siècle vont bouleverser le monde et marquer les générations qui les subissent. Leur violence influence profondément les mouvements artistiques qui émergent à cette période. En art comme en littérature, les artistes vont se détacher de plus en plus de la raison. En art, cela va donner naissance à des mouvements transgressant totalement les règles séculaires de l’art : le surréalisme, le dadaïsme, l’art figuratif, l'expressionnisme, le cubisme mais aussi l’abstraction. Les premières tendances à l’abstraction sont perceptibles en Allemagne, où Wilhem Worringer justifie son usage de l’abstraction par un besoin de représenter ses angoisses. Il commence d’ailleurs à utiliser des formes géométriques pour y parvenir. Les artistes du fauvisme avaient déjà, à leur époque, utilisé des couleurs pures, qui envahissent la création abstraite. L’invention de la photographie change également la donne pour les artistes peintres, qui se soucient maintenant bien moins de représenter la réalité. Les origines du mouvement abstrait sont difficiles à délimiter car des initiatives et des tentatives se développent de manière sporadique, dans plusieurs pays en même temps, sans véritable concertation, spontanément. C’est une aquarelle de Vassily Kandinsky, figure de proue de l’abstraction, qui provoque le basculement pictural. Comme une musique cacophonique, des formes et des couleurs créent un mouvement sur ses peintures abstraites, suggérant une émotion très particulière. Dès lors, de nouveaux artistes vont s’évertuer à représenter une « contraction du réel », à simplifier ses formes, à n’en dessiner que son essence, son idée. Piet Mondrian va, lui, adopter des formes plus géométriques. Quant à Malévitch, il va mettre évidence l’invisible dans des toiles dotées d’une symbolique très puissante, et d’une grande spiritualité avec la plus connue “Carré Blanc sur fond blanc”. De son côté Jackson Pollock réalise près de 700 oeuvres d’art dont une grande quantité de tableaux modernes sur lesquels il ne pose que rarement son pinceau, utilisant la technique du pouring (coulage à partir d’un pot de peinture ou d’un bâton). Ainsi, le dessin abstrait dans la continuité de la peinture à l’huile ou de la sculpture abstraite peut revêtir de multiples formes. On trouve ainsi des oeuvres réalisées à l'encre, à la gouache, à l'aquarelle, au stylo, au fusain, au crayon à la mine fine ou au feutre toujours sur un support papier. Tout comme en peinture, le dessin abstrait peut mettre l'accent sur les formes, les textures, les lignes ou encore les couleurs. Quoi mettre en valeur est du ressort de l’artiste et dépend de son désir. Sur Artsper, retrouvez les dessins abstrait de l'expressionniste Paul Jenkins, Ellen Priest ou encore Abigail Lazkoz…. En savoir plus