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S'en Aller - 01,
2022
von Guillaume Moschini
Gemälde : Acryl, Tinte 81 x 65 x 2 cm 31.9 x 25.6 x 0.8 inch
2.808 €
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Über das Kunstwerk
Unikat
Kunstwerk von Hand signiert
Verkauft mit Echtheitszertifikat der Galerie
Rechnung der Galerie
Kunstwerk in einwandfreiem Zustand
Standort des Kunstwerks: Frankreich
Guillaume Moschini ist ein französischer abstrakter Künstler, der von den international anerkannten Supports/Surfaces-Künstlern Claude Viallat, Patrick Saytour und Vincent Bioules betreut wird.
Ähnlich wie bei Helen Frankenthaler hängt Moschinis Arbeit vom Prozess ab: ungrundierte, rohe Leinwand, ein verdünntes Pigment (gemischte Tinten, Acrylfarben und Farbverdünner) und das unbewusste Phänomen, das während des künstlerischen Schaffensprozesses auftritt.
In seinem organisierten Atelier konstruiert er Farbkompositionen, transparente Tönungen, Überlagerungen und Formen.
Flüssige Pigmente verschmelzen mit prekärer Absicht mit der rohen Leinwand.
Meditation über die richtigen Werkzeuge, das Gleichgewicht von Farbe, Form und Materialfluss ist seine Strategie.
Moschinis Palette wird für jede Serie neu erfunden, manchmal lebendig und manchmal gedämpft.
Konzeptionell spiegelt Moschinis Arbeit den Minimalismus von Kenneth Noland wider, ohne die Zurückhaltung der Flachheit. Seine Transparenzvariationen innerhalb des Farbfeldes und transparenten Überlagerungen erfinden einen zeitgenössischen und einzigartigen Ansatz neu. Moschini reflektiert eine Zeit in der Geschichte der Malerei, die ihre Definition in Frage stellte.
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Ähnlich wie bei Helen Frankenthaler hängt Moschinis Arbeit vom Prozess ab: ungrundierte, rohe Leinwand, ein verdünntes Pigment (gemischte Tinten, Acrylfarben und Farbverdünner) und das unbewusste Phänomen, das während des künstlerischen Schaffensprozesses auftritt.
In seinem organisierten Atelier konstruiert er Farbkompositionen, transparente Tönungen, Überlagerungen und Formen.
Flüssige Pigmente verschmelzen mit prekärer Absicht mit der rohen Leinwand.
Meditation über die richtigen Werkzeuge, das Gleichgewicht von Farbe, Form und Materialfluss ist seine Strategie.
Moschinis Palette wird für jede Serie neu erfunden, manchmal lebendig und manchmal gedämpft.
Konzeptionell spiegelt Moschinis Arbeit den Minimalismus von Kenneth Noland wider, ohne die Zurückhaltung der Flachheit. Seine Transparenzvariationen innerhalb des Farbfeldes und transparenten Überlagerungen erfinden einen zeitgenössischen und einzigartigen Ansatz neu. Moschini reflektiert eine Zeit in der Geschichte der Malerei, die ihre Definition in Frage stellte.
Über den Verkäufer
IdeelArt • Vereinigtes Königreich
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Guillaume Moschini lebt und arbeitet in Paris. Er wurde 1970 in Nîmes geboren. Er studierte an der School of Fine Arts in Nîmes und profitierte vom Unterricht von Claude Viallat und Patrick Saytour. Guillaume Moschini arbeitet mit einer Geste, einer Farbe, in einem Material, das immer sehr flüssig ist und so viel Tinte, Acryl und Brennspiritus mischt, wie Sie möchten. Ausgehend von der Frage nach den Grenzen des Farbfeldes entfaltet sich sein Gemälde nach einer Reihe rechteckiger Formen, die keine farbigen Bereiche mehr sind, sondern Spuren eines einzelnen Pinselstrichs. Lange Zeit bevorzugte der Künstler eher schmale Rahmen, was die Erstellung dieser Originalspur ermöglichte, deren Breite streng von der des Pinsels bestimmt wird, und zwar in einer Perspektive, die der von Niele Toroni sehr ähnlich ist. Durch eine Abfolge von vorzeitigen Tropfkorrekturen sind diese Formen manchmal in die Leinwand eingedrungen, um in Richtung Monochrom zu tendieren. Diese Praxis fühlte sich wie eine Obsession an und war ein entscheidender Schritt in seinem neuen Verständnis des Großformats, das bereits seine ersten Arbeiten charakterisierte - gemalt auf sechs Meter langen Planen mit Besen und weitgehend beeinflusst von amerikanischen Abstracts, die - diese entstanden aus a Suche zuerst nach riesigen Farbflächen und dem Wunsch, die Leinwand zu betreten. Um seine Arbeit auf große Dimensionen zu übertragen, montierte Moschini zunächst zwei Rahmen. Er dachte daher, seine Bilder seien nicht mehr in der Höhe, sondern in der Länge, und die Möglichkeiten ihrer Anordnung initiierten neue Beziehungen von Farbe, Komposition und sogar Größe. In seinem fast monochromen Stil tauchten die Formen in Reserve der Leinwand wieder auf, wobei diese Entstehung von einer Transkription seines Gemäldes in eine Zeichnung begleitet wurde, die viele Variationen bot, um die sich der Künstler amüsierte. Nachdem er eine gewisse Beherrschung dieser in Form verwandelten Spur erreicht hatte, konnte er sie auf jedem Format oder Medium entwickeln. Das absolute Bedürfnis nach Schärfe ohne wiederholtes Hin und Her des Pinsels, verwendet der Künstler immer größere Industriebürsten: Das Werkzeug ist wichtig, die Methode zählt. Glücklicherweise bricht er die Kontinuität der Linie, um weniger wörtlich zu sein, und verwendet weiterhin kleinere Pinsel. Die Geschichte einer Form wird so verfolgt, zurückverfolgt, indem die Art und Weise ihrer Herstellung geändert wird. Die Wahl der Position der Spur erfolgt nur mit dem Auge und nicht nach einem bestimmten Design oder einer bestimmten Zeichnung. Es überquert das Web, egal wo. Die einzige Regel ist die Suche nach einem Gleichgewicht zwischen den beiden Spuren, ohne dass sie dieselbe Dimension haben. Das große Format zwang ihn, seine Leinwände auf einen Tisch zu stellen und von allen vier Seiten zu arbeiten, und zwar in einem intensiven körperlichen Engagement, das paradoxerweise für diesen Ultra-Perfektionisten eine offensichtlichere Kontrolle ermöglicht als in seinen kleineren Formaten. Er erhebt sich mittels einer kleinen Bank, um den Pinsel mit größter Zartheit zu posieren: Wenn die Geste der Begründer des Ansatzes ist, ist sie jedoch gegen alle expressionistischen Gesten konstruiert. Ebenso schützt es die erste Spur vor Spritzern, von denen einige jedoch erhalten bleiben, wenn sie zur Stabilität des Gemäldes beitragen. Sie funktionieren dann wie eine Schrift, eine Wäsche, ein Unfall, den man als obsessiv kontrolliert bezeichnen könnte, der sogar den Ausgangspunkt eines Gemäldes bilden kann. Und der Künstler spielt mit dieser Falle zwischen Schwerkraft und Schwerelosigkeit. In dieser auf Nachfrage basierenden Arbeit arbeitet auch das Unbewusste: „Meine Malerei ist organisch“, erklärt Moschini. Er arbeitet in Serien, in denen jedoch jedes Gemälde unabhängig bleibt und nicht unbedingt in einem vorher festgelegten Satz präsentiert werden soll. Die Stücke können somit zu dritt funktionieren, wobei ihre Assoziation oder Disjunktion bestimmt wird, indem sie in ihren räumlichen und farbigen Beziehungen beobachtet werden. Wenn die Arbeit an der Form grundlegend ist, ist sie tatsächlich ein Vorwand für Farbe, ein echtes Moschini-Projekt, dessen Ziel als Motiv die Kommunikation zwischen zwei Farben ist, die Erfindung, die Entdeckung einer neuen Farbe.! Einschließlich dessen, auf den ersten Blick nicht wahrnehmbar, resultierend aus diesen unendlich variablen Assoziationen ... Damit zwei Farben übereinstimmen, ist zunächst ein ausgewogenes Verhältnis zwischen den Formen erforderlich, ausgehend vom Postulat, dass das, was nicht gemalt ist, genauso wichtig ist wie was ist. Die logische Harmonie von Farben, die manchmal dissonant ist, beeinflusst dann die Entwicklung der einen oder der nächsten Serie. Moschini war fasziniert von der sich wiederholenden Malerei und entwickelte einen zunehmend ausgeprägten Geschmack für Minimalismus und Radikalismus. In diesem Wunsch, so leicht wie möglich auf den Punkt zu kommen, sind die Leinwände in der Fortsetzung der Experimente von Marc Devade oft nicht darauf vorbereitet, Säfte und Transparenz zu erhalten. Und wenn es immer weniger Farbtöne gibt, geht die Farbe nicht verloren, sondern wird im Gegenteil immer leuchtender. Moschinis Geste vermittelt eine Emotion und eine Spannung, die nur durch Gleichgewichts- und Ungleichgewichtsspiele zwischen Formen und Farben entstehen, ohne jeglichen Systematismus. Wenn es in dieser Arbeit immer um eine Frage der Ästhetik ging, stellen wir keine Ästhetik fest, da kaum die Schönheit der Farben ins Visier genommen wird, sondern deren fragiles Gleichgewicht, abhängig von den Kontexten der Ausstellung und dem Betrachter, der und erfasst erstellt die Werte jederzeit neu. Aurélie Barnier, Juni 2014
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