En haut à gauche : portrait d'Hervé Descottes © Photo Studio Dubuisson; projets Hervé Descottes, en haut à droite : Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki © Benoit Pevelli, en bas à droite : LUMA Arles, Arles © Hervé Descottes, en bas à gauche : exposition Les Lalanne au Musée des Arts Décoratifs, Paris © Manolo Yllera fourni par Peter Marino Architect

Hervé Descottes est un concepteur d'éclairage français de renommée internationale. Fondateur de la société de conception d'éclairage L'Observatoire International située à New York et en France, il est aussi l'auteur du livre Ultimate Lighting Design et il a travaillé sur de nombreux projets de grande envergure, notamment au Louvre et à la Fondation Louis Vuitton à Paris, ainsi qu'à la High Line à New York. Rejoignez-nous pour un échange brillant avec Hervé sur sa carrière, ses expériences autour de l'art, et ses projets rêvés !

1. Bonjour Hervé ! Merci de prendre le temps de discuter avec nous. Peux-tu nous parler de la façon dont tu as fondé ton propre studio de conception d'éclairage ? Pourquoi as-tu décidé de le fonder à New York ?

En 1993, j'étais déjà impliqué dans la conception d'éclairage en France. J'ai eu la chance de participer à la rénovation de l'aile Richelieu lorsque I. M. Pei concevait la pyramide du Louvre, et supervisait la rénovation des galeries à l'intérieur du musée. Lorsque le ministère a été déplacé à Bercy, la supervision a été assurée par Jean Michel Wilmotte et sous la direction de I. M. Pei, il s'agissait donc d'une collaboration entre une équipe américaine et une équipe française. De plus, je suis passé de la province à Paris. C'était déjà un défi, mais j'en voulais un peu plus, et la culture américaine était beaucoup plus cool et ouverte d'esprit. Lorsque je suis arrivé au début des années 1990, j'ai senti que c'était la ville pour moi, plus rock'n'roll, plus stimulante et avec une grande énergie. C'est la ville où j'ai rencontré ma première femme, une architecte, et où nous avons terminé le projet pour I. M. Pei. La culture de la modernité était séduisante et beaucoup des grands architectes qui m'ont inspiré s'y trouvaient, comme Richard Meier, Steven Holl, Philip Johnson, Frank Gehry... J'ai donc appelé leur bureau avec mon petit portefeuille de projets institutionnels et quelques bonnes idées. Ce n'était pas facile, mais NYC est au carrefour de tous les chemins. C'est une source constante d'idées et de créativité.

2. Tu as travaillé sur plusieurs grands projets internationaux. Lequel d'entre eux a particulièrement marqué ou influencé ta pratique selon toi ?

Tout d'abord, un projet est comme un enfant et il est impossible d'avoir un enfant préféré. Chaque projet est un voyage unique et le fruit de collaborations étonnantes et à long terme. Par exemple, je travaille avec Steven Holl depuis longtemps, mais toujours de façon très différente. Travailler sur la chapelle Saint-Ignace à Helsinki a été un voyage incroyable. Nous avons beaucoup parlé d' art abstrait, d'éclairage abstrait, de lumière invisible et visible. Nous avons également terminé récemment le Museum of Fine Arts de Houston (MFAH), qui a été très instructif. J'entretiens également une relation de longue date avec Frank Gehry, et nous avons travaillé sur un éclairage plus théâtral en accord avec la grande architecture de la Fondation Louis Vuitton et du LUMA Arles.

Un autre projet important de ma carrière est la High Line à New York, un projet qui a duré 12 ans. L'idée du projet était de cacher les sources de lumière, et de ne jamais être aveuglé par l'une d'entre elles, comme si on pouvait voir les étoiles dans le ciel en marchant sur un tapis de lumière. On était déjà au-dessus de la pollution lumineuse, à l'intérieur d'un canyon d'immeubles.

Projets Hervé Descottes, à gauche : Chapelle Saint-Ignace, Seattle © Liao Yusheng, à droite : la High Line, New York © Halkin Mason Photography

3. Tu as travaillé avec des musées et des galeries d'art de renom. Comment as-tu réussi à mettre en valeur les œuvres d'art tout en préservant leur intégrité ?

Travailler pour une exposition d'art dans des institutions nécessite d'accorder le maximum d'honnêteté au cadre. Cela ne veut pas dire qu'il ne doit pas être beau et génial, mais il doit être honnête. Le niveau de lumière dans un musée est 10 fois inférieur à celui d'une galerie. Une lumière plus forte rendra tout plus beau, mais vous altérerez la durée de vie des œuvres d'art. Il est très important de tenir compte de ces restrictions techniques afin de révéler chaque œuvre d'art et ses différences dans l'espace. La lumière est la clé de l'uniformité et du bon équilibre entre l'art et son contexte spatial. Notre travail consiste à créer ce dialogue subtil. Avec une galerie privée, c'est légèrement différent car il y a un aspect commercial, nous devons donc chorégraphier comme un conservateur dans un musée. La méthode d'exposition peut donc être plus théâtrale, comme le projet que nous avons réalisé avec la Guild Gallery ou avec Hauser and Wirth.

4. Un aspect important de ta pratique consiste à améliorer la relation entre l'espace, l'architecture et l'émotion. Cet équilibre te vient-il naturellement, ou est-ce quelque chose que tu as développé tout au long de ta carrière ?

J'ai toujours eu un instinct naturel, mais tout au long de ma carrière, j'ai développé une façon de le faire de manière appropriée. Par exemple, j'ai appris à accorder l'harmonie entre les différentes sources de lumière pour apporter de l'émotion. Je crois que les grandes idées viennent aussi du fait de ne pas avoir de connaissances. Si on en sait trop, on peut limiter les possibilités et les rêves qu'on peut réaliser. Je ne veux pas que les restrictions techniques altèrent les émotions. Il s'agit donc à nouveau de trouver un équilibre. Plutôt que d'éclairer l'espace, j'intègre la lumière dans l'espace.

5. Tu as récemment partagé une œuvre du Caravage sur ton compte Instagram. L'inspiration des beaux-arts trouve-t-elle souvent son chemin dans ta pratique du design ? Si oui, y a-t-il des artistes qui t'ont particulièrement marqué ?

Absolument, les grands maîtres apportaient la lumière dans leurs tableaux de différentes manières. Le Caravage est le maître de l'éclairage théâtral avec de grands contrastes, mais je suis également inspiré par George de La Tour, qui est passé maître dans l'art de cacher les sources de lumière afin de révéler les émotions. Je suis également un fan des peintres néerlandais tels que Vermeer. J'ai eu la chance de travailler pour le Louvre, et de rester à l'intérieur pendant les heures de fermeture du musée. C'était une expérience magique. Une autre grande inspiration pour moi est Bob Wilson, qui apportait la lumière dans ses spectacles. J'étais un fan du grand directeur de la photographie Henri Alekan. Quand j'étais jeune, j'ai acheté un de ses livres qui a déclenché beaucoup d'idées sur l'importance de la lumière dans une caméra mais aussi dans notre vie quotidienne.

Projets Hervé Descottes, à gauche : Hauser & Wirth Gallery, Zurich © Hauser & Wirth, à droite : Guild Gallery, New York © Adrian Gaut

6. Tu as donné de nombreuses conférences tout au long de ta carrière. Si tu pouvais donner un conseil de conception à un concepteur d'éclairage en herbe, quel serait-il ?

Comme je l'ai dit, la chose la plus importante est de suivre vos sentiments, pas votre technique. En tant que concepteurs d'éclairage, nous avons une pratique artistique, mais nous ne sommes pas des artistes, donc nous devons savoir où est notre place. Un mauvais projet est un projet sur lequel on peut remarquer qu'un concepteur d'éclairage y a travaillé. Un bon projet est un projet où l'on peut sentir la lumière, sans la voir.

7. Enfin, si tu pouvais travailler sur le projet de design de tes rêves sans aucune contrainte, quel serait-il et où serait-il ?

Mon projet de rêve serait d'éclairer la première base humaine sur la lune. En tant qu'humain né et élevé sur terre, j'adorerais explorer les possibilités d'éclairage dont les humains auraient besoin sur la lune.