Henri Matisse

Considerado por unanimidad uno de los más grandes artistas del siglo XX, Henri Matisse desafía toda clasificación. Es, como Braque y Derain, uno de los promotores del fauvismo , pero, a partir de esta rebelión del color, su arte es una reflexión sobre la línea, sobre el equilibrio, sobre la síntesis de las formas.

Hijo de un comerciante de cereales de Le Cateau, Matisse inició estudios de derecho, se licenció en Derecho en París (1888) y empezó a ejercer la abogacía como pasante en un abogado en Saint-Quentin (1889); Inmovilizado durante un año por complicaciones de una apendicitis, descubrió el placer de pintar. Su madre, acuarelista aficionada, le regaló una caja de pinturas y, guiado por la lectura de un tratado de Frédéric Goupil, el joven se entretuvo copiando cromos. Su primer cuadro, Naturaleza muerta con libros (Museo Matisse, Niza), está fechado en junio de 1890. Matisse había encontrado su vocación y, abandonando el derecho, se inscribió en la Academia Julian para preparar el examen de ingreso en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. Exento de esto, gracias a la intervención de Gustave Moreau, en cuyo taller trabajó a partir de 1892, conservará siempre una profunda gratitud hacia este maestro, cuya enseñanza despierta los talentos sin constreñirlos. De este taller fueron alumnos Rouault, Charles Camoin (1879-1965), Henri Evenepoel (1872-1899), Henri Manguin (1874-1949) y pronto también Marquet, a quien Matisse conoció en las clases nocturnas de la Escuela de Artes Decorativas.

Estos años de estudio dan testimonio de una sabia investigación: copias en el Louvre (Fragonard, Delacroix, Chardin sobre todo), paisajes realizados al aire libre en compañía de Marquet y cuadros de estudio aceptados en el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, donde el Estado compró La joven lectora en 1896 para el castillo de Rambouillet (hoy Museo de Arte Moderno de Troyes). Pero, a partir de esta fecha, la revelación del impresionismo (encuentro en Belle-Île con un artista amigo de Claude Monet, John Russell [1858-1931]; descubrimiento del legado de Caillebotte en el Museo de Luxemburgo en 1897) y la maravilla de la luz del sur (estancia en Córcega, luego en Toulouse, de donde era originaria su joven esposa, Noémie Parayre) orientaron el arte de Matisse hacia nuevos intereses. Abandonó las Bellas Artes después de que el muy académico Fernand Cormon reemplazara a Moreau (?-1898) y asistió a la Academia Carrière, donde se hizo amigo de Derain, quien le presentó a Vlaminck. En 1899, la compra de Las Tres bañistas de Cézanne (que legó a la ciudad de París en 1936), una Cabeza de niño de Gauguin y un dibujo de Van Gogh revelaron sus predilecciones. En algunos cuadros, como El hombre desnudo (1900, colección Pierre Matisse, Nueva York), Matisse parece avanzar, como Rouault, hacia un expresionismo derivado de los estudios preparatorios de Moreau, tratados a cuchillo en grandes planos. Por otra parte, descubrió en su maestro una orgía de colores (Pasífae, acuarela, museo Gustave Moreau) que a su vez organizaría según sus dotes personales; "Simplificarás la pintura", predijo Moreau.

Sin embargo, antes de poder ser verdaderamente él mismo, todavía le queda un paso más por dar. Desde 1901 expone en el Salón de los Independientes, presidido por Paul Signac, cuyo texto publicado en 1899 en la Revue Blanche y dedicado al neoimpresionismo, sobre el que medita. Al reencontrarse con este artista, acompañado por Henri Edmond Cross (1856-1910), en Saint-Tropez en 1904, experimentó con el puntillismo. La obra más importante de este período, Luxe, calme et volupté (colección privada), se exhibió en el Salón de los Independientes en 1905, donde se realizaron retrospectivas de Seurat y Van Gogh. La revelación del genio que transciende un sistema en uno y niega toda restricción en el otro se completa durante el verano con la de los Gauguin de Tahití de Daniel de Monfreid (1856-1929), a quien Matisse y Derain visitan durante sus vacaciones en Collioure.

Asimilando todas estas influencias, el pintor se alejó del divisionismo: las pinceladas se ensancharon, los tonos se intensificaron, las líneas se volvieron más flexibles. Este desarrollo dio lugar a la violencia colorida de Mujer con sombrero (1905, colección privada, Estados Unidos) y La alegría de vivir (Fundación Barnes, Merion, Estados Unidos).

Sin embargo, los excesos elementales del fauvismo duraron poco para Matisse; Su matrimonio con el color fue pronto acompañado por un deseo esencial de organizar los tonos en el espacio. "Busco fuerzas, un equilibrio de fuerzas", apunta sobre el Aparador rojo (1908, Museo del Hermitage, San Petersburgo), que reúne toda la magia del arabesco, que se convertiría en una de las claves de su arte.

A diferencia de los impresionistas , Matisse, como los demás fauvistas, fue rápidamente aceptado por las galerías (Berthe Weill, 1902; Druet, 1903; Ambroise Vollard, 1904; Bernheim-Jeune, 1910). En 1908, Paul Cassirer en Berlín y Alfred Stieglitz en Nueva York le dedicaron exposiciones. Su fama rápidamente se hizo internacional. Entre sus primeros entusiastas había algunos franceses, como Marcel Sembat y Paul Jamot, otros estadounidenses, como los Stein (que compraron La mujer con sombrero en 1905). Sarah Stein, ayudada por el pintor Hans Purrmann, influido por Matisse desde su llegada a París, le animó a fundar una escuela donde, de 1907 a 1911, formó a brillantes estudiantes extranjeros: el noruego Per Krohg (1889-1965) y el sueco Nils Dardel (1888-1943). A partir de 1908, el comerciante ruso Sergei Ivanovich Shchukin compró treinta y cuatro cuadros de Matisse, entre ellos los paneles Danza y Música (1909-1910, en el Hermitage), y en 1911 viajó allí para supervisar su instalación.

Los viajes (Alemania, Italia, Marruecos, Rusia, Estados Unidos, etc.) aportaron a Matisse un enriquecimiento visual cada vez renovado. Desde la estancia en Biskra (1906), cuyo recuerdo está en el origen de su cuadro más expresionista (el Desnudo azul, 1907, Baltimore Museum of Art), hasta la estancia en Tahití (1930), cuyas impresiones transmutó en La danza de la Fundación Barnes en Merion, la revelación «le llegaba siempre de Oriente». Este gusto, despertado en 1903 por la exposición de arte musulmán en el pabellón Marsan de París, se irradió en las Odaliscas de 1921 a 1927. Pero, antes, el cubismo , cuyo nombre nació de uno de sus chistes, rozó el arte de Matisse, quien, licenciado, se encontró al comienzo de la guerra en Colliure, donde también se alojaba Juan Gris (1887-1927). El retrato de Yvonne Landsberg (1914, Museo de Arte de Filadelfia) ilustra este deseo de tonos neutros y geometría, pero las formas inscritas en diagramas ovoides son similares a las líneas de las estatuas negras, objetos de interés para Matisse desde 1906.

A partir de 1917, Matisse pasó el invierno en Niza, ocupado durante un tiempo en investigaciones más abstractas sobre el espacio y la musicalidad: la Lección de piano (1916 o 1917, Museo de Arte Moderno de Nueva York) parece así inmortalizar el tempo de un "moderato cantabile". Después de la guerra, su estilo mostró una relajación, un retorno a los deleites ornamentales a los que no fueron ajenas sus conversaciones con Renoir en 1918. Cuadros de intimidad donde el brillo de las flores y de los frutos compite con el de la carne femenina, las diversas Odaliscas deben mucho a las acuarelas de las Mujeres de Argel, porque Delacroix, como Ingres, es uno de los maestros a los que Matisse le gusta referirse. La Legión de Honor en 1925 y el Premio Carnegie en 1927 confirmaron el éxito del pintor. En éste se vuelve más riguroso a través de los recortes coloreados, que utiliza para preparar los grandes paneles de la Danza (1931-1933) encargados por el Dr. Barnes. La sobriedad se acentúa en el Desnudo rosa (1935, Museo de Arte de Baltimore). Una preocupación constante por la interpenetración no modelada de las figuras en el espacio, por el juego de colores y contornos sin espesor, da como resultado las diferentes versiones del Vestido de Rayas y de la Blusa Rumana.

A pesar de la guerra, la vejez y la enfermedad, el sentido de la invención plástica de Matisse permanece intacto, inspirándose en las curvas de un sillón rocalla, reconectando en los grandes Interiores de 1946-1948 con los paroxismos coloridos del fauvismo y buscando la simbiosis de todas las artes en el conjunto decorativo de la Capilla del Rosario de las Hermanas Dominicas en Vence (1951). Sin embargo, es a través de los grandes gouaches recortados, tremendamente evocadores, de danza o de descanso, de mujeres, de árboles o de flores, que Matisse consigue al final de su vida "aún más abstracción, aún más unidad".

Las mismas preocupaciones aparecen en sus esculturas , alrededor de setenta bronces que, sin embargo, abordan frontalmente los problemas de la expresión volumétrica (como en la serie de bustos de Jeannette, 1910-1913). Lo mismo ocurre con sus dibujos y grabados (muy numerosos), sus ilustraciones de libros: diecisiete en total, entre ellas las Poésies de Mallarmé (1932), las Lettres de la religieuse portuguese (1946) y el texto titulado Jazz, acompañado magistralmente por recortes de papel (1947). Además de las reflexiones incluidas en este último álbum, Matisse aportó diversos textos, incluidos en la colección Escritos y observaciones sobre el arte publicada en 1972.

A lo largo de su carrera prevalecen los mismos temas: ventanas abiertas, mujeres indolentes, un mundo de pereza totalmente antitético a su creador y, sobre todo, un pretexto para explorar el campo artístico. «El trabajo lo cura todo», decía Matisse. La obra del pintor, de aparente sencillez, «ese fruto de luz deslumbrante» tan apreciada por Apollinaire, nace de un trabajo incansable, que busca siempre dar testimonio de la sensación indescriptible que da título a uno de sus últimos cuadros: El silencio habitado de las casas.