Alain Alquier

Ein Gemälde, das sich nicht auf den ersten Blick erschließt.

Auf einem nuancierten grauen Hintergrund interagieren prägnante Linien in Anthrazit oder Pastell mit wenig Farbe. Ein nervöses, präzises grafisches Design bestätigt bereits die Zukunft der Leinwand. Die Linien verflechten und schlüpfen unter transparente und leuchtende Farbflächen in gemessenen Tönen und umarmen sie; ungenaue weibliche Körper tauchen in der Langsamkeit des Blicks auf, sie sind fließend, unfühlbar, im Schmerz, in ihrem Fall gestoppt.

„Man muss sich Zeit nehmen, um es zu entdecken. Ich möchte, dass der Blick anhält und nach dem Ausschau hält, was evoziert, aber nicht dargestellt oder dargestellt wird. Ich lege großen Wert auf diese Komplexität beim Lesen“, präzisiert Alain Alquier. Der Körper erscheint in seiner ganzen Zerbrechlichkeit: „Er zeigt sich nicht auf den ersten Blick, ein Körper in der Schwebe, verknotet, gespannt, verdreht, der nach Erhebung strebt, sich durch einen Tanz der Demut angesichts der Naturgewalten dem Licht zuzuwenden", analysiert der Galerist Johan Demessine.

„Ich drücke aus, was ich bin und was ich fühle“, präzisiert Alain Alquier: die Zerbrechlichkeit des Lebens. Das Leben ist hart, auch wenn es schöne Momente gibt. Ich drücke dies aus. Meine Körper sind suspendiert. Entweder versuchen sie aufzusteigen, in den Himmel zu fliegen, auch wenn wir es nicht glauben! Entweder sie fallen, sie fallen". So koexistieren auf derselben Oberfläche zwei Muster und zwei Behandlungen: einerseits kühne und starke schwarze Grafiken, die stark an natürliche Elemente erinnern und an ein altes Muster erinnern (aus dem „ Bois de Vie"-Serie in Verbindung mit dem Rebstock), andererseits farbige Glasuren, Transparenzeffekte, bei denen ein weiblicher Körper auf grauem Hintergrund zu erahnen ist. „Durch seine Neutralität findet er das Motiv nicht. Es erlaubt mir, die Farbe für sich zu arbeiten, die nüchtern und lokalisiert bleibt und Transparenz hat. Es hinterlässt einen Raum, der letztendlich breiter und größer ist als die Leinwand“.

Die aktuelle Arbeit ist das Ergebnis einer langsamen Reflexion, bei der sich der Maler nach und nach vom ursprünglichen Motiv des Weinstocks entfernte, indem er den weiblichen Körper einführte, eine andere Wahrnehmung des Holzes des Lebens. Der Wunsch, zum Wesentlichen zu gehen, erschließt sich neu Horizonte.