William Mortensen

William Mortensen fue una auténtica oveja negra entre los fotógrafos estadounidenses del período de entreguerras. Fue famoso por sus fotografías oscuras y grotescas. Quería crear arte, no sólo fotografiar lo que tenía delante, por eso imitó las pinturas pictóricas del periodo romántico. Aunque era bastante gótico y espeluznante, su trabajo fue muy popular en su época, lo que le valió elogios de la crítica y publicaciones en revistas como Vanity Fair. El sexo y la violencia eran temas populares e intrigantes, tanto en el cine como en las películas.

Su enfoque técnico era muy diferente al de sus colegas de la época. Lo que todos buscaban eran imágenes claras y brillantes, donde pudieran mostrar cuán detallada podía ser la fotografía. Mortensen hizo exactamente lo contrario. Sus piezas presentan líneas borrosas y bordes desgastados, sombras oscuras y esquinas quemadas. La técnica de impresión fue bromoilage. El proceso del aceite de bromo dio un efecto suave y delicado, romántico y frágil, y fue muy popular entre los artistas pictóricos. Mortensen utilizó papel de bromuro de plata que blanqueó e imprimió. A menudo rayaba sus negativos, añadía líneas y dibujos y, al hacerlo, no sólo tomaba fotografías, sino que las creaba. Al agregar una solución de gelatina en la parte superior, se ocultaría el manejo y el trabajo adicionales, de modo que conservarían su delicada apariencia. Su método era diferente: suave y delicado, y su tema era diferente: violento y aterrador. Pero nunca fue vulgar. Todo lo que hizo lo hizo con gusto. Sus retoques y lavados químicos eran discretos y su apertura al mundo de la violencia y la brujería era flagrante. En sus fotografías hay mujeres semidesnudas, monstruos, fantasmas, violencia y lo grotesco. La razón por la que combinó sexo y morbosidad es porque el sexo era el tema de todo, pero la adición morbosa lo hizo más controversial, y es por eso que la gente quería ver su trabajo aún más.

En Hollywood todo estaba preparado, estaban los decorados, la escenografía, el pelo y el maquillaje. En las fotografías de Mortensen, todo también estaba preparado y alterado, pero con un propósito diferente. Quería resaltar las motivaciones religiosas, las pesadillas y todo aquello a lo que la gente tenía miedo. Durante la Gran Depresión en Estados Unidos, había una verdadera razón para tener miedo: la pobreza y el hambre. El odio era pues una emoción común que regía las relaciones humanas en aquella época. La gente luchaba por la comida, el refugio y el territorio. En ese momento, Mortensen se trasladó a otra dimensión para mostrar cómo este miedo vivía entre la gente. La morbilidad y lo grotesco no eran la causa de tan mala calidad de vida en aquella época, por lo que eran desconocidos, y sin embargo resultaban repulsivos e intimidantes. Lo repulsivo era al mismo tiempo atractivo, porque el instinto humano actúa de manera misteriosa. A la gente le gustaba tener miedo. Un fotógrafo popular de la época, Ansel Adams, que hacía fotografías nítidas y brillantes, lo opuesto a Mortensen, luchó contra sus métodos y su temática y logró empujarlo a lo más profundo de la clandestinidad, llamándolo diablo y percibiendo su arte como una obra satánica sin valor artístico. Cuando estalló la guerra, la violencia y el asesinato eran omnipresentes en los periódicos y la tortura se convirtió en algo cotidiano.

William Mortensen nació en Park City, Utah, en 1897. Antes de la Primera Guerra Mundial, estudió pintura, pero nunca continuó practicándola. Cuando se mudó a Hollywood en la década de 1920, comenzó a fotografiar a actores famosos como Rodolfo Valentino y Jean Harlow. También realizó numerosas imitaciones de retratos de personas reales, donde fotografió a personas comunes con disfraces y las vistió como Napoleón o Maquiavelo. Su obsesión por los rituales satánicos, la brujería y la hechicería proviene de su amor por la mitología y el simbolismo. Aunque vivió antes de la revolución social y sexual, por alguna razón sus fotografías han sido mostradas en exposiciones alrededor del mundo y su trabajo ha sido coleccionado por la Royal Photographic Society. La desnudez y la sangre eran algo que a la gente le encantaba ver y, por alguna razón, el público justificaba su fascinación por el trabajo de Mortensen. Como fotógrafo popular, publicó numerosos manuales de instrucciones de fotografía y mantuvo una columna de periódico semanal donde compartía su experiencia y conocimientos. Incluso enseñó en la Escuela de Fotografía Mortensen, que él mismo fundó. A pesar de su oscuridad, fue una estrella brillante de la fotografía en su época y sigue siendo uno de los artistas más creativos y distinguidos de ese período.

Lo que provoca una reacción instantánea es lo que la mente humana considera peligroso. Cuando nos enfrentamos al peligro, tendemos a producir diferentes hormonas y nuestro cerebro está programado para sentirse repelido y asqueado por escenas de violencia y dolor. Su interés en este tema era psicológico. Quería explorar el campo de la oscuridad donde todos los arquetipos se esconden y acechan. La psicología de Carl Jung y su teoría de los arquetipos y el inconsciente colectivo inspiraron su obra. La teoría de Jung sobre el inconsciente colectivo implica que existe un reino de nuestros primeros recuerdos del cual no somos conscientes y que ha sido moldeado por nuestros antepasados humanos. Por eso todos compartimos las mismas ideas y miedos, o virtudes. Siempre que vemos un símbolo que tiene un significado casi universal, hay un arquetipo detrás de él. Lo que William Mortensen eligió como símbolos fueron formas y figuras alarmantes que provocan miedo. Hay simetrías y proporciones geométricas que pueden manipularse para crear imágenes perturbadoras. Las diagonales, por ejemplo, activan mecanismos de defensa y este artista quiso integrarlas en su obra. Lo que también es universal para todos, además del miedo, es el sexo y la curiosidad. Les interesa lo desconocido y les atrae aún más lo sexual.

No había nada absurdo ni morboso en el personaje de Mortensen. En sus escritos, afirmó a menudo que todo lo que tememos tiene poder sobre nosotros y que al exponernos a las fuentes del miedo, perdemos el poder que éste tiene sobre nosotros. Utilizaba el arte para comunicarse y creía profundamente que el papel de la fotografía, o de cualquier otra expresión artística, es compartir una visión y un mensaje. Así, en lugar de mostrar lo que existe en el mundo, como hacían muchos de sus colegas de la época, quiso mostrar lo que existe en el mundo simbólico; sueños y maravillas, amor y erotismo, fama y gloria, pero también guerra y sacrificio. Lo que está dentro del alcance y radio de un concepto o idea artística son cosas físicas y materiales, y son accesibles a todos, por lo que no podía ver la razón por la que el artista las comunicaba. Lo que quería comunicar eran conceptos crudos y originales que no estuvieran al alcance de lo visible. En 1936 publicó un libro titulado Monsters & Madonnas en el que defendía su tema y figura frente a las acusaciones de ser un fotógrafo purista y realista. No sólo estaba interesado en lo oculto por razones psicológicas; Estaba interesado en los mecanismos de la imaginación y la creatividad. Lo mecánico y lo científico eran parte de todo lo que un artista necesitaba saber sobre la parte técnica del proceso y eso era el Monstruo. Toda la creatividad e inspiración vinieron de la Virgen, el símbolo universal de la fertilidad y el nacimiento.

Su otro libro, The Command to Look, describe el proceso técnico de creación de una buena imagen. Utilizó un proceso de abrasión para eliminar la pintura de las impresiones, mezcló sus propios productos químicos y realizó la posproducción como lo haríamos ahora en nuestra era moderna. Aplicó productos químicos y mezcló sus tonos para obtener el color del negativo en blanco y negro. Todo lo que hacía lo publicitaba y lo ponía en los kits de los fotógrafos, así que vendió sus patentes y sus herramientas. Fue un maestro popular y un artista erudito, pero a través de una serie de acontecimientos desafortunados y egoístas, sus colegas lucharon contra su reconocimiento. Era querido y admirado por quienes lo rodeaban. Su primer trabajo en Hollywood fue con el director Ferdinand Pinney Earle. Con él siempre estuvo su prometida y su hermana menor quien también fue la estrella de muchas de sus fotos. Su figura joven e inocente contrastaba perfectamente con los demonios y monstruos. Sin embargo, la polémica en torno a este artista ya había comenzado y todas sus fotografías fueron destruidas. Después de eso, comenzó la colaboración con Cecil B DeMille y Mortensen trabajó como diseñador de vestuario y fotógrafo de escenarios. Sus intereses en la antropología y los estudios culturales se desarrollaron y realizó numerosas máscaras tribales, joyas étnicas y adornos para la cabeza de papel maché y los utilizó como accesorios en muchas de sus obras privadas.

Rodeado de hermosas mujeres de la época dorada del cine, estaba acostumbrado a todo el concepto de la bella y la bestia. Lo que fue desconcertante y chocante fue el pobre y desafortunado destino de tales bellezas y su incapacidad para protegerse de las pruebas y el sufrimiento. Despertando lo primate o inconsciente, mezcló lo que sabía de la elegancia del arte europeo y la estética kitsch y brillante del cine americano. Su mundo era completamente imaginario y quería escapar hacia donde estaban escondidas las ideas. Conoce y se hace amigo de Manly P Hall, un filósofo esotérico canadiense, con quien discute diversos temas míticos e incluso científicos. Durante esta amistad se tomaron algunas de sus fotografías más famosas, muchas de las cuales nunca fueron vistas ni exhibidas hasta la exposición William Mortensen: American Grotesque en la Galería Stephen Romano. En nuestra época actual de vida acelerada y de capacidad de documentarlo todo, hemos perdido la capacidad de sorprendernos fácilmente. Hay imágenes de guerra, violencia y desnudez casi en todas partes donde vamos. Así pues, el tema de las fotografías de Mortensen ya no nos choca, sino que nos resulta fascinante y atractivo. En la exposición American Grotesque, los espectadores pudieron comprobar la riqueza de su obra; Allí podrás encontrar desde accesorios fotográficos, poesía y combinación de textos con fotografías, hasta trabajos de postproducción.

Un grupo de fotógrafos llamado Grupo f/64 luchó contra el estilo pictorialista y mostró con orgullo sus fotografías puras, modernas y nítidas. Ansel Adams fue uno de ellos, y a lo largo de su carrera nunca apoyó a Mortensen y su estilo único. Tras su paso por Hollywood, continuó haciendo fotografías, pero el grupo purista de artistas y personas poderosas en la cima del imperio del espectáculo lograron dejarlo de lado y llevarlo a una profunda soledad. Tenía más de 3.000 estudiantes en su escuela de Laguna Beach, pero nunca logró cautivar al público en general. Durante la década de 1980, el interés por su obra comenzó a crecer. Casi todo el mundo en el mundo del arte quería saber más sobre este fotógrafo misterioso y extraordinariamente talentoso. Dos de sus libros han sido reimpresos recientemente y, además de su tema y asunto, la gente admira su técnica. Era la época de la fotografía sencilla, donde era posible representar de forma sencilla lo que había, como hacían los puristas con sus fotografías de paisajes. Sin embargo, este artista trajo lo misterioso a la realidad. Su libro The Command to Look: A Master Photographer's Method for Controlling the Human Gaze fue reeditado en 2014 y contiene muchas de sus impresiones, así como sus consejos e instrucciones sobre cómo tomar una buena fotografía.

Todo lo que hizo, lo hizo con pasión y dedicación. Nunca le había gustado dejar las cosas como estaban, insistiendo siempre en añadir algo más, ya fuera una capa extra de pintura o una nueva dimensión de realidad alterada. Era pintor de formación y por eso quiso crear sus imágenes, para demostrar que la fotografía no es sólo su pasión sino también su meta. Le gustaba añadir descripciones originales a sus obras, pero nunca apeló directamente al público. Dedicó gran parte de sus escritos a otros artistas que no trabajaban por la fama, la gloria y el dinero, sino que, como él, trabajaban por la pasión y el significado. Para él, la lente fotográfica era una máquina mística capaz de leer los símbolos del mundo invisible. Bromeó que para él es lo mismo si ve una modelo bonita o una cabra frente a la cámara, sólo ve el potencial de la historia que se puede contar al tomar y crear una imagen. Lo que el artista y la modelo tenían que compartir era entusiasmo, pasión e interés, y tenían que trabajar juntos para crear un entorno vivo que pudiera modificarse, desarrollarse, mejorarse y refinarse. Éste era el interés que le generaba la fotografía y le gustaba compartir esta experiencia en sus libros o en su columna semanal. Aunque no figuraba en los libros de texto escolares ni en los museos, era el fotógrafo más reconocido y respetado de Estados Unidos.