Escultura Bronce
Pintura : acrílico · 120 x 80 x 4 cm 47.2 x 31.5 x 1.6 inch · Lista para colgar
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Obra Firmada A Mano
Dimensiones ( cm • inch )
120 x 80 x 4 cm 47.2 x 31.5 x 1.6 inch Altura x Anchura x Profundidad
Artista independiente
Referencias
Vendedor certificado desde 2025
La obra plasma una relación en su estado final e irreversible: dos figuras entrelazadas pero fundamentalmente desalineadas. Sus cuerpos se superponen y se entrelazan en una estructura geométrica fragmentada, sugiriendo una larga historia de intentos por encajar a pesar de las fracturas subyacentes. Están físicamente cerca, casi inseparables, pero divididas por líneas afiladas que las atraviesan, enfatizando la desconexión que subyace en su interior.
Sus ojos cerrados denotan retraimiento emocional, una resignación silenciosa más que confrontación. Los tonos fríos —azules y grises apagados— evocan rutina, distancia y una especie de resistencia apática, mientras que el fondo negro austero los aísla en su mundo compartido pero que se desmorona.
En el centro de la ruptura emocional se encuentra el ojo fragmentado sobre ellos. De él, cae una sola gota de vino tinto. No es un simple derrame, sino una fusión de visión y emoción. El ojo, ya roto, sugiere que la percepción misma se ha dañado: la forma en que se ven, la forma en que entienden la relación, se ha fracturado con el tiempo. El vino, otrora símbolo de intimidad o momentos compartidos, ahora se vuelve indistinguible de una lágrima. Gotea como el dolor: lento, inevitable y manchante.
La copa de vino en su mano añade una sutil tensión. Permanece erguida, intacta, casi imperturbable, mientras que sobre ella el derrame ya se ha producido. Este contraste sugiere una relación que, aunque aparentemente sigue funcionando externamente, se ha roto internamente. El colapso no es explosivo; es sutil, retardado y profundamente sentido.
En conjunto, la obra habla de una relación que tropezó repetidamente, mantenida unida por la desalineación y la tensión, hasta que finalmente se fracturó, no en un único momento dramático, sino por un daño acumulado que alteró la forma en que se veía y se sentía el amor mismo. Un espejo negro fracturado se convierte en el escenario de un amor deshecho. En esta composición surrealista geocubista, una pareja emerge de fragmentos angulares y rotos, sus formas construidas a partir de planos geométricos afilados que hacen eco de la superficie rota que los encierra. El hombre, situado a la izquierda, se aparta de la mujer con un rostro marcado por la conmoción y la silenciosa angustia; sus rasgos están fragmentados, como si la verdad misma lo hubiera atravesado. A la derecha, la mujer permanece de pie con los ojos cerrados, suspendida en un momento de retraimiento o negación, su expresión indescifrable pero cargada de silencio.
Entre ellos, aunque inclinado hacia ella, el hombre sostiene una rosa: una ofrenda que se siente a la vez tierna e incierta, atrapada en la misma realidad fragmentada que sus cuerpos. No es un gesto de resolución, sino de vacilación: el amor sigue presente, pero desestabilizado. Los pétalos, como todo lo demás, parecen existir en pedazos, como si incluso el acto de dar se hubiera roto.
El espejo negro no refleja, sino que revela. Su geometría fragmentada une a las figuras a la vez que las separa, transformando su relación en un mosaico de desconexión, mentiras y ruptura emocional. Dentro de estos fragmentos reside una silenciosa contradicción: el deseo de recuperar lo perdido, que choca con la imposibilidad de confiar tras el engaño, la manipulación y la traición. La mirada perdida del hombre se convierte no solo en expresión de dolor, sino también de conflicto interno: atrapado entre el anhelo de recuperar el amor y el rechazo al recuerdo de lo que lo destruyó.
Cada fragmento guarda una parte de su historia, pero ningún ángulo por sí solo ofrece una visión completa; solo la tensión de algo que anhela ser reparado, pero que ya no sabe cómo.
Nacido en un pequeño pueblo del noreste de España, Alex Carr descubrió su pasión por el arte a temprana edad, utilizando colores vibrantes y formas audaces para expresarse. Con una grave displasia de cadera congénita que limitaba su movilidad, encontró consuelo en la creatividad, recurriendo al arte como vía de escape y medio de comunicación.
En los años noventa y principios de los dos mil, Alex vivió en Nueva York, donde expuso su obra y desarrolló el Geocubismo, un estilo innovador que fusiona la fragmentación cubista con el surrealismo, incorporando formas geométricas y circulares para explorar temas psicológicos, emocionales y sociales. Su arte invita al espectador a adentrarse en el subconsciente, combinando estructura y fluidez para reflejar la complejidad de la experiencia humana.
De vuelta en su ciudad natal, Alex sigue expandiendo los límites del surrealismo geocubista, utilizando su obra para desafiar la percepción y provocar la reflexión. Su trayectoria —desde superar limitaciones físicas hasta exponer internacionalmente— encarna el poder transformador de la resiliencia y la creatividad. A través de su arte, invita a los espectadores a explorar la profundidad y las complejidades de la mente humana y el mundo que les rodea.
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