Station 6 2016, 2021

Aline Isoard  

Durante los inevitables viajes casi diarios para salir de mi pueblo en los Alpes, he guardado desde mi infancia el recuerdo de este juego que consiste en acomodar la agudeza de la mirada sobre los diferentes planos de los paisajes. Así se formó parte de la impronta del ADN de mi obra.

Cuando me dejo conducir, el vehículo con sus múltiples aberturas / ventanillas se convierte en mi estudio móvil transparente colocado sobre planos de seguimiento gigantes, volteados hacia la vida transportada y transportada que acepta lo imprevisto, lo irracional y a veces lo absurdo. Desde este espacio restringido, mis instantáneas tomadas sobre la marcha fijan momentos de este espacio-tiempo febril como testigos de recuerdos fugaces de un espacio público en nuestra memoria colectiva.

Frente a mis fotografías, es posible observar el trabajo manual en la superficie del papel, equilibrio entre la imagen impresa y la única imagen restaurada. Sin adición, sin pegar, sin edición. En la capa de pigmento, se ven el arrepentimiento de las herramientas, la suciedad, los rastros de gestos. Sin embargo, si mis intervenciones pueden evocar el registro del dibujo, también modifican los colores y materiales de la tinta pigmentada. Este proceso de despigmentación fotográfica despoja la epidermis del papel fotográfico de su pigmento para enriquecerla con el blanco de su alma que a su vez puede ser luz, color, espacio. En la estabilidad del formato cuadrado, simplifico, clasifico, opongo, arquitectura. El lento trabajo del cirujano plástico borra los elementos anecdóticos y se fusiona con la instantánea dada.

Cada imagen pertenece a una serie que explota las diversas formas de detalle: cortes en el paisaje, imágenes en la imagen creadas por reflejos o desde la parte inferior de cubiertas, partes, cuerpos u objetos, vistos dentro de los compartimentos de pasajeros, los fuera de la vista de la cabina del camión, el total producido por los cepillos de limpieza, pero también la fragmentación y ampliaciones de la propia impresión.

Antes de trabajar en papel fotográfico de esta manera, realicé durante varios años esculturas abstractas en láminas de vidrio pintado o espejos rayados, jugando con la libertad que ofrece la pintura de estar en el espacio, sin marco, sin fondo. Las tramas de los espejos y sus reflejos trajeron imágenes en movimiento. Luego agregué fragmentos de mis imágenes impresas como imágenes fijas volviendo a la práctica de la fotografía.

Así, trabajando en volumen y en planta, la fotografía se ha revelado compuesta de materiales cuya acción de despigmentar desvía los orígenes realistas de la imagen y abre la imagen sobre el desorden entre ilusión e intención.