William Mortensen

William Mortensen était un véritable mouton noir parmi les photographes américains de l'entre-deux-guerres. Il était célèbre pour ses photographies sombres et grotesques. Il voulait créer de l'art, pas seulement photographier ce qui se trouvait devant lui, c'est pourquoi il a imité les peintures picturales de la période romantique. Même s'il était assez gothique et effrayant, son travail était très populaire à l'époque, ce qui lui a valu des critiques élogieuses et des publications dans des magazines tels que Vanity Fair. Le sexe et la violence étaient populaires et intrigants, tant au cinéma qu'en image.

Son approche technique était très différente de celle de ses collègues de l'époque. Ce que tout le monde recherchait, c'était des images claires et lumineuses, où ils pourraient montrer à quel point la photographie pouvait être détaillée. Mortensen a fait tout le contraire. Ses pièces présentent des lignes floues et des bords vieillis, des ombres sombres et des coins brûlés. La technique d'impression était le bromoilage. Le procédé à l'huile de brome donnait un effet doux et délicat, romantique et fragile, et était très apprécié des artistes pictorialistes. Mortensen utilisait du papier au bromure d'argent qu'il blanchissait et imprimait. Il grattait souvent ses négatifs, ajoutait des lignes et des dessins, et ce faisant, il créait des photographies, pas seulement les prenait. En ajoutant une solution de gélatine dessus, il masquerait les manipulations et les travaux supplémentaires, afin qu'ils préservent leur aspect délicat. Sa méthode était différente – douce et délicate, et son thème était différent – violent et effrayant. Mais cela n'a jamais été vulgaire. Tout ce qu'il faisait était fait avec goût. Ses retouches et lavis chimiques étaient discrets, et son ouverture au monde de la violence et de la sorcellerie était flagrante. Dans ses photos, il y a des femmes à moitié nues, des monstres, des fantômes, de la violence et du grotesque. La raison pour laquelle il a combiné sexe et morbidité, c'est parce que le sexe était le sujet de tout, mais l'ajout morbide le rendait plus controversé, et c'est pour cela que les gens voulaient encore plus voir son travail.

À Hollywood, tout était mis en scène, il y avait les décors, les décors, la coiffure et le maquillage. Dans les photographies de Mortensen, tout était également mis en scène et modifié, mais dans un but différent. Il voulait mettre en avant les motivations religieuses, les cauchemars et tout ce dont les gens avaient peur. Durant la Grande Dépression en Amérique, il y avait une véritable raison de craindre : la pauvreté et la faim. La haine était donc une émotion courante qui régissait les relations humaines à cette époque. Les gens se battaient pour la nourriture, le logement et le territoire. À cette époque, Mortensen passait à une autre dimension pour montrer comment cette peur vivait parmi le peuple. La morbidité et le grotesque n'étaient pas la raison d'une si mauvaise qualité de vie à l'époque, ils étaient donc inconnus, et pourtant ils étaient repoussants et intimidants. Ce qui était repoussant était en même temps attrayant, car l'instinct humain fonctionne de manière mystérieuse. Les gens aimaient avoir peur. Un photographe populaire de l'époque, Ansel Adams, qui faisait des photographies nettes et lumineuses, à l'opposé de Mortensen, s'est battu contre ses méthodes et son thème et a réussi à le pousser profondément dans l'underground, en le traitant de diable et en percevant son art comme une œuvre satanique sans valeur artistique. Lorsque la guerre éclata, la violence et les meurtres étaient omniprésents dans les journaux, et la torture devenait un phénomène quotidien.

William Mortensen est né à Park City, dans l'Utah, en 1897. Avant la Première Guerre mondiale, il étudia la peinture mais ne continua jamais à la pratiquer. Lorsqu'il s'installe à Hollywood dans les années 20, il commence à photographier des acteurs célèbres tels que Rudolph Valentino et Jean Harlow. Il a également réalisé de nombreuses imitations de portraits de personnes réelles, où il a photographié des gens ordinaires en costumes et les a déguisés en Napoléon ou en Machiavel. Son obsession pour les rituels sataniques, la sorcellerie et la sorcellerie provient de son amour pour la mythologie et la symbolique. Même s'il a vécu avant la révolution sociale et sexuelle, pour une raison quelconque, ses photographies ont été présentées dans des expositions dans le monde entier et son travail a été collectionné par la Royal Photographic Society. La nudité et le sang étaient quelque chose que les gens aimaient regarder et, pour une raison quelconque, le public justifiait sa fascination pour le travail de Mortensen. En tant que photographe populaire, il a publié de nombreux manuels d'instructions pour la photographie et tenait une chronique hebdomadaire dans un journal où il partageait son expérience et son expertise. Il a même enseigné à la Mortensen School of Photography qu'il a fondée. Peu importe l'obscurité, il était une étoile brillante de la photographie à l'époque et reste toujours l'un des artistes les plus créatifs et les plus distingués de cette période.

Ce qui provoque une réaction instantanée est ce que l'esprit humain considère comme dangereux. Face au danger, nous avons tendance à produire différentes hormones et notre cerveau est programmé pour être repoussé et révolté par les scènes de violence et de douleur. Son intérêt pour ce sujet était psychologique. Il voulait explorer le champ des ténèbres où se cachent et se cachent tous les archétypes. La psychologie de Carl Jung et sa théorie des archétypes et de l'inconscient collectif ont toutes deux inspiré son travail. La théorie de Jung sur l'inconscient collectif implique qu'il existe un domaine de nos premiers souvenirs dont nous n'avons pas conscience et qui a été façonné par nos ancêtres humains. C'est la raison pour laquelle nous partageons tous les mêmes idées et les mêmes peurs, ou vertus. Chaque fois que nous voyons un symbole qui a une signification presque universelle, il y a un archétype qui se cache derrière lui. Ce que William Mortensen avait choisi pour les symboles, ce sont des formes et des figures alarmantes qui déclenchent la peur. Il existe des symétries et des proportions géométriques qui peuvent être manipulées afin de créer des images angoissantes. Les diagonales, par exemple, activent des mécanismes de défense, et cet artiste souhaitait les intégrer dans son travail. Ce qui est également universel pour tous, outre la peur, c'est le sexe et la curiosité. Ce qui n'est pas familier les intéresse, et ce qui est sexuel les attire encore plus.

Il n'y avait rien d'absurde ni de morbide dans le personnage de Mortensen. Dans ses écrits, il a souvent déclaré que tout ce qui nous fait peur a un pouvoir sur nous, et qu'en nous exposant aux sources de la peur, nous perdons le pouvoir qu'il a sur nous. Il utilisait l'art pour communiquer et croyait profondément que le rôle de la photographie, ou de toute autre expression artistique, est de partager une vision et un message. Ainsi, au lieu de montrer ce qui existe dans le monde, comme le faisaient beaucoup de ses collègues de l'époque, il a voulu montrer ce qui existe dans le monde symbolique ; rêves et émerveillement, amour et érotisme, renommée et gloire, mais aussi guerre et sacrifice. Ce qui se trouve dans l'étendue et le rayon d'un concept artistique, ou d'une idée, sont des choses physiques et matérielles, et elles sont accessibles à tous, de sorte qu'il ne pouvait pas voir la raison pour laquelle l'artiste les communiquait. Ce qu'il voulait communiquer, ce sont des concepts bruts et originaux qui n'étaient pas à la portée du visible. Il publie un livre intitulé Monsters & Madonnas en 1936 dans lequel il défend son sujet et son thème contre les accusations d'un photographe puriste et réaliste. Il n'était pas seulement intéressé par l'occulte pour des raisons psychologiques ; il s'intéressait aux mécanismes de l'imagination et de la créativité. Le mécanique et le scientifique faisaient partie de tout ce qu'un artiste devait savoir sur la partie technique du processus et c'était le Monstre. Toute la créativité et l'inspiration sont venues de la Madone, le symbole universel de la fertilité et de la naissance.

Son autre livre The Command to Look décrit le processus technique de création d'une bonne image. Il a utilisé un processus d'abrasion pour enlever la peinture des impressions, il a mélangé ses propres produits chimiques et a effectué la post-production d'une manière que nous ferions maintenant à notre époque moderne. Il a appliqué des produits chimiques et mélangé leurs tons pour obtenir la couleur du négatif noir et blanc. Tout ce qu'il faisait, il en faisait la publicité et le mettait dans les kits du photographe, il vendait donc ses brevets et ses outils. C'était un professeur populaire et un artiste érudit, mais à la suite d'une série d'événements malheureux et égoïstes, ses collègues se sont battus contre sa reconnaissance. Dans son entourage, il était aimé et admiré. Son premier emploi à Hollywood fut avec le réalisateur Ferdinand Pinney Earle. Avec lui, il y avait toujours sa fiancée et sa sœur cadette qui était également la star de plusieurs de ses photos. Sa silhouette jeune et innocente contrastait parfaitement avec les démons et les monstres. Cependant, la polémique autour de cet artiste avait déjà commencé et toutes ses photographies furent détruites. Après cela, la collaboration avec Cecil B DeMille a commencé et Mortensen a travaillé comme costumier et photographe de décors. Ses intérêts pour l'anthropologie et les études culturelles se sont développés et il a fabriqué de nombreux masques tribaux, bijoux ethniques, ornements de tête en papier mâché et les a utilisés comme accessoires dans plusieurs de ses œuvres privées.

Entouré de femmes magnifiques de l'âge d'or du cinéma, il était habitué à tout le concept de la belle et de la bête. Ce qui faisait s'interroger et ce qui choquait, c'était le sort pauvre et malheureux de telles beautés et leur incapacité à se protéger du calvaire et de la souffrance. Éveillant le primat ou l'inconscient, il a mélangé ce qu'il savait de l'élégance de l'art européen et de l'esthétique kitsch et brillante du cinéma américain. Son monde était complètement imaginaire et il voulait s'évader là où les idées étaient cachées. Il rencontre et se lie d'amitié avec Manly P Hall, un philosophe ésotérique canadien, avec qui il discute de divers sujets mythiques et même scientifiques. Au cours de cette amitié, certaines de ses photographies les plus célèbres ont été réalisées, et bon nombre d'entre elles n'ont jamais été vues ni exposées jusqu'à l'exposition William Mortensen: American Grotesque à la Stephen Romano Gallery. À notre époque actuelle de vie trépidante et de capacité à tout documenter, nous avons perdu la capacité d'être facilement choqués. Il y a des images de guerre, de violence et de nudité presque partout où nous allons. Ainsi, le sujet des photographies de Mortensen ne nous choque plus, mais nous le trouvons fascinant et attrayant. Lors de l'exposition American Grotesque, les spectateurs ont pu constater la richesse de son œuvre ; on y trouve tout, depuis les accessoires photo, la poésie et la combinaison de textes avec des photos, jusqu'au travail de post-production.

Un groupe de photographes appelé Group f/64 s'est battu contre le style pictorialiste et a fièrement montré ses photographies pures, modernes et nettes. Ansel Adams était l'un d'entre eux et, tout au long de sa carrière, il n'a jamais soutenu Mortensen et son style unique. Après son séjour à Hollywood, il a continué à faire des photographies, mais le groupe puriste d'artistes et de personnes puissantes au sommet de l'empire du showbiz a réussi à le mettre à l'écart, dans une solitude profonde. Il avait plus de 3 000 élèves dans son école de Laguna Beach, mais il n'a jamais réussi à toucher le grand public. Au cours des années 1980, l'intérêt pour son travail commence à croître. Presque tout le monde dans le monde de l'art voulait en savoir plus sur ce photographe mystérieux et extraordinairement talentueux. Deux de ses livres ont été réimprimés récemment et, outre son thème et son sujet, les gens admirent sa technique. C'était l'époque de la photographie simple où il était possible de simplement représenter ce qui était là, comme le faisaient les puristes avec leur photographie de paysage. Pourtant, cet artiste a amené le mystérieux dans la réalité. Son livre The Command to Look: A Master Photographer's Method for Controlling the Human Gaze a été réédité en 2014 et contient plusieurs de ses tirages ainsi que ses conseils et instructions sur la façon de prendre une bonne photo.

Tout ce qu'il faisait, il le faisait avec passion et dévouement. Il n'avait jamais aimé laisser les choses telles qu'elles étaient, il insistait toujours pour ajouter quelque chose en plus, qu'il s'agisse d'une couche de peinture supplémentaire ou d'une nouvelle dimension de réalité altérée. C'était un peintre de formation, et c'est la raison pour laquelle il a voulu créer ses images, pour montrer que la photographie n'est pas seulement sa passion mais aussi son objectif. Il aimait ajouter des descriptions originales à ses pièces, mais il ne faisait jamais appel directement au public. Il a consacré une grande partie de ses écrits à d'autres artistes, qui ne travaillaient pas pour la gloire, la gloire et l'argent, mais qui, comme lui, travaillaient pour la passion et le sens. Pour lui, l'objectif photographique était une machine mystique capable de lire les symboles du monde invisible. Il a plaisanté en disant que c'est la même chose pour lui s'il voit un joli modèle ou une chèvre devant la caméra, il ne voit que le potentiel de l'histoire qui peut être racontée en prenant et en créant une image. Ce que l'artiste et le modèle devaient partager, c'est l'enthousiasme, la passion et l'intérêt, et ils doivent travailler ensemble afin de créer un décor vivant qui peut être modifié, développé, amélioré et raffiné. C'était pour lui l'intérêt de la photographie, et il aimait partager cette expérience dans ses livres, ou dans sa chronique hebdomadaire. Même s'il ne figurait pas dans les manuels scolaires ni dans les musées, il était le photographe le plus reconnu et respecté d'Amérique.