Laurent Moulinat

Il s'initie au dessin et à la peinture de manière autodidacte autour de 2010 en parallèle de ses études universitaires en langues étrangères. Ensuite, il étudie l'histoire de l'art à la Sorbonne Paris IV. Après une licence et une première année de maîtrise, il s'éloigne de la recherche pour se rapprocher de la création. Il se consacre entièrement à sa pratique à partir de 2023.
Ses peintures sont montrées lors d'expositions à Paris et en Île-de-France au centre d'art contemporain l'Orangerie – espace Tourlière à Verrières-le-Buisson (91), ou encore à la galerie l'Atlas à Paris lors de l'exposition , curatée par .
Il est représenté par la Galerie Virginie Baro depuis 2025.

Laurent Moulinat peint des paysages et des figures. Il développe une peinture silencieuse, contemplative et mystérieuse où s'immisce des symboles discrets qui interrogent. Elle est le fruit d'observations de son environnement quotidien et de nombreuses prises de note sous forme photographique.
Son processus créatif commence par une lente imprégnation de son environnement. Lors de sessions de prises de vue régulières, il revient sur les mêmes lieux et capture de manière impulsive des éléments, formes et lumières qui l'invitent à la peinture. Que ce soit lors de scènes à la luminosité ambigüe ou en modifiant les paramètres de ses appareils, il s'amuse parfois à pousser à l'échec l'algorithme de son smartphone ou la chimie des films polaroids. Il préfère parfois jouer le jeu du réalisme. De ces étapes, naissent des images altérées par les flous, distorsions, grains et autres . Il trouve également son inspiration dans des captures d'écran de vidéos de mauvaise qualité et dans l'histoire de l'art. En affirmant ces accidents sur la toile et en acceptant de laisser place à ceux de la peinture, il tente d'amener l'image vers un ailleurs, une réalité parfois mystérieuse.

Il éprouve une attirance pour des paysages presque romantiques : les bords de mer de la côte normande, les grandes étendues de bord de route, les sous-bois… Ces paysages sont toutefois marqués, pour la plupart, par la trace humaine. Une trace qui interroge. C'est parfois elle qui illumine le paysage et se substitue à la lumière naturelle, comme une rivière de points lumineux à l'horizon d'une scène de crépuscule. Elle peut être trop imposante comme un container qui mange l'espace, ou discrète comme un bulldozer que l'on saurait à peine discerner derrière le rideau de la forêt.
Dans ces paysages, la figure humaine, quand elle n'est pas absente, est errante. Elle est souvent présentée sous forme de silhouette floue, voire spectrale ou dans le reflet d'une vitre. Elle peut être mangée par la lumière mais plus rarement sous forme physique et nette. La représentation du mouvement et du reflet devient chez le peintre un prétexte pour dépeindre le sentiment d'un monde où l'humain tend à s'effacer, d'une réalité qui nous échappe. D'une manière générale, ses travaux sont marqués par une tension entre présence et absence. Elle fait aussi bien écho à certains enjeux liés aux nouvelles technologies qu'à la fragilité de la vie.