The Flower does not know tomorrow, 2025

Max Skoblinsky  

Max Skoblinsky — Artiste, sculpteur, professeur d'art et voyageur ukrainien (né en 1966)

Dès mon plus jeune âge, j'étudie avec passion l'art et maîtrise professionnellement les techniques des maîtres anciens tels que Rembrandt, Da Vinci, Monet, Soutine et d'autres. Cette formation a posé les bases de mon parcours artistique, me permettant d'apprendre plusieurs « langages » de la peinture. Aujourd'hui, mes œuvres mêlent esthétique classique et mouvements artistiques contemporains.

Dans mes peintures et sculptures, je mélange des techniques académiques avec des matériaux modernes et des technologies du futur. Je travaille avec de l'huile et de l'acrylique, tandis que mes sculptures sont réalisées à partir de plâtre, de bronze et de bois (un clin d'œil à mes premiers travaux en tant que maître de netsuke). Travailler avec la sculpture m'a appris à comprendre pleinement le volume et les effets 3D, que j'intègre activement dans mes peintures à travers des coups de pinceau texturés et dynamiques, ressemblant à un travail au stylet.

Depuis plus de 15 ans, j'enseigne à des étudiants d'origines culturelles, de goûts et de niveaux de compétence divers. Cette interaction m'aide à rester flexible et à trouver de nouvelles approches, reflétées dans mes œuvres, où l'on peut souvent voir des expérimentations de styles et de techniques. Mon enseignement ne se résume pas seulement à un partage de connaissances, mais à un enrichissement mutuel. L'enseignement m'aide également à apprendre, à maintenir ma créativité en mouvement et en évolution constante.

En voyageant à travers le monde et en travaillant en plein air, je découvre des éléments visuels uniques qui m'inspirent et se retrouvent dans mes créations.

Mon art est comme une série de longs voyages à travers le monde des arts, à travers les siècles et les continents. Mais il n’y a pas de longs épisodes ou de saisons. Tout est dynamique mais pas chaotique ! À travers mon art, je vous parle dans un langage vernaculaire moderne et dans les différents dialectes du monde.

Thèmes et concepts dans mon travail

Introspection et résonance

À travers mes œuvres — en particulier les portraits d’hommes et d’enfants, ainsi que les figures féminines — je vous invite à regarder au-delà de la surface, révélant l’essence intérieure des objets et des personnes. Je vous invite à explorer vos propres émotions et expériences, créant ainsi un espace de découverte de soi.

À travers les personnages de mes œuvres, je vous incite subtilement à regarder vers l'intérieur, en explorant les questions d'identité, de vulnérabilité et de force. En utilisant des symboles profonds, des textures multicouches et des accents de couleur, je cherche à créer une résonance cognitive et émotionnelle, vous permettant non seulement de voir mais aussi de ressentir la dynamique interne de l'œuvre d'art. Remarquez où je mets l'accent pour un engagement maximal et où je laisse de l'espace au silence et à la contemplation, vous permettant de trouver vos propres significations et de vivre un voyage esthétique unique.

Dialogue entre les époques

En combinant des techniques traditionnelles, académiques et classiques à l'huile, à l'acrylique et à la sanguine avec des matériaux modernes, je construis un pont entre les époques. Mes œuvres démontrent que l'art classique peut rester pertinent et engageant aujourd'hui tout en interagissant de manière transparente avec les matériaux et les technologies contemporaines, créant ainsi un nouvel espace artistique.

Parallèlement, l’art moderne gagne en harmonie et en profondeur grâce aux méthodes classiques. Les technologies modernes me donnent la liberté d’expérimenter avec les matériaux, ce qui me permet de travailler de manière innovante avec les textures. En combinant l’huile avec des composés contemporains, je crée des effets visuels uniques. Cela transforme l’approche classique en un langage artistique dynamique et contemporain capable d’engager émotionnellement le spectateur et de transmettre un sens profond.

La simplicité comme profondeur

Le minimalisme et la concision dans mes œuvres mettent en valeur l'essentiel. Je m'efforce d'atteindre une esthétique où les moyens minimaux - une seule ligne, un accent de couleur ou une texture - peuvent créer une tension et un sens caché, permettant au spectateur de compléter le dialogue avec l'œuvre elle-même.

Interactivité et engagement

L'utilisation des technologies modernes renforce le sentiment de présence et fait du spectateur un participant actif dans l'interaction avec mes œuvres. Cela crée une expérience personnelle unique où chacun peut voir et ressentir quelque chose d'individuel.

L'harmonie par les contrastes

J'explore les contraires : simplicité et complexité, lumière et ombre, tradition et innovation. Ces contrastes aident à approfondir la compréhension de ce qui est vu et à découvrir des significations cachées. Chaque œuvre exige une approche unique : une peinture peut être dominée par des couleurs douces et atténuées et des transitions douces, créant une atmosphère de calme et de réflexion. Une autre peut présenter des nuances audacieuses et contrastées et des lignes nettes, soulignant le drame et le conflit intérieur.

Les textures varient également : parfois j’utilise des couches lisses, presque invisibles, pour concentrer l’attention sur la forme, tandis que d’autres fois j’utilise des surfaces rugueuses en relief pour renforcer la sensation de mouvement et d’énergie.

Mon art est un voyage qui commence par mon dialogue avec la toile et se poursuit dans les pensées et les cœurs des spectateurs. Je vous invite à prendre part à ce dialogue, à trouver vos significations et à vivre une expérience esthétique unique.