Sculpture Bronze
HP13-0306, 2013
Peinture : acrylique · 76 x 61 cm 29.9 x 24 inch · Prête à accrocher
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À propos de l'œuvre
Type
Peinture : Œuvre unique
État
Œuvre vendue en parfait état, non encadrée, prête à accrocher
Authentification
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Signature
Oeuvre signée à la main
Dimensions ( cm • inch )
76 x 61 cm 29.9 x 24 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Vendue par
Galerie d'art
Références
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Description
Cette œuvre est issue de la série Halftone Paintings, qui sont réalisées avec une surface d'impression spécialisé qui laisse une matrice de points minuscules formants des motifs semblable à une photographie en demi-teinte.
La demi-teinte est la méthode utilisée dans l'impression commerciale pour traduire le ton continu de l'émulsion photographique en un champ de points minuscules de taille variable.
Ces peintures en demi-ton ressemblent quelque peu à des agrandissements fragmentés de ce genre d'image.
La demi-teinte est la méthode utilisée dans l'impression commerciale pour traduire le ton continu de l'émulsion photographique en un champ de points minuscules de taille variable.
Ces peintures en demi-ton ressemblent quelque peu à des agrandissements fragmentés de ce genre d'image.
Présentation
Stephen Maine (né en 1958) est un peintre abstrait, écrivain, conservateur et professeur américain. Il est membre de l'American Abstract Artists et rédacteur pour Artcritical.com. Il vit et travaille à Brooklyn, New York. Maine obtient sa licence en peinture de l’université de l'Indiana à Bloomington. Il obtint sa maîtrise en Arts Visuels à la faculté des Beaux Arts du Vermont en 2014. De 2006 à 2016, il a enseigné les beaux arts à l'École des Arts Visuels de New York. Il enseigne actuellement à l’école de Design Parsons et à l'Université d'Etat de New York à Purchase.
Ses peintures éveillent et présentent des idées contemporaines sur la couleur, la composition, la surface et le processus.La couleur elle-même, et les propriétés matérielles de la peinture en tant que couleur intégrée, fournissent à Maine sa principale inspiration. Ses méthodes de production ouvertes et intentionnellement imprécises donnent des résultats qu’il est impossible de prévoir avec précision. L’artiste a déclaré « Ce travail m'a donné un moyen concret de penser à la compositionnalité, à la sérialité, à l'improvisation, à la présentation et à la psychologie de la perception visuelle ».
Dans un processus qui s’apparente étroitement à la gravure en relief, Maine utilise des surfaces texturées pour appliquer de la peinture acrylique fluide indirectement sur une toile préparée. Il fabrique ces surfaces ou « plaques », dont certaines sont assez grandes, à partir de matériaux communs tels que le contreplaqué, la mousse extrudée, le plastique et la colle.
Dans un article de 2015 dans The Brooklyn Rail, l'artiste et écrivain Tom McGlynn a décrit le travail de Stephen Maine comme suit :
« Maine a un contrôle formel évident sur sa palette, en raison d'une longue enquête sur la couleur, la translucidité et l'influence de la couleur sur la tectonique en mouvement quasi permanent de « l'espace de peinture »... C'est une clé de sa pratique. La couleur peut engager directement le mécanisme physiologique de l'œil tout en initiant simultanément une chaîne de logique associative dans la mémoire aléatoire »
L’œuvre de Maine a été présentée dans de nombreuses expositions individuelles à New York, et expositions collectives à travers les États-Unis, ainsi qu'en Europe et au Mexique. Son travail fait partie de collections permanentes de plusieurs institutions importantes, y compris celle du Metropolitan Museum of Art, de la bibliothèque publique de New York…
Ses peintures éveillent et présentent des idées contemporaines sur la couleur, la composition, la surface et le processus.La couleur elle-même, et les propriétés matérielles de la peinture en tant que couleur intégrée, fournissent à Maine sa principale inspiration. Ses méthodes de production ouvertes et intentionnellement imprécises donnent des résultats qu’il est impossible de prévoir avec précision. L’artiste a déclaré « Ce travail m'a donné un moyen concret de penser à la compositionnalité, à la sérialité, à l'improvisation, à la présentation et à la psychologie de la perception visuelle ».
Dans un processus qui s’apparente étroitement à la gravure en relief, Maine utilise des surfaces texturées pour appliquer de la peinture acrylique fluide indirectement sur une toile préparée. Il fabrique ces surfaces ou « plaques », dont certaines sont assez grandes, à partir de matériaux communs tels que le contreplaqué, la mousse extrudée, le plastique et la colle.
Dans un article de 2015 dans The Brooklyn Rail, l'artiste et écrivain Tom McGlynn a décrit le travail de Stephen Maine comme suit :
« Maine a un contrôle formel évident sur sa palette, en raison d'une longue enquête sur la couleur, la translucidité et l'influence de la couleur sur la tectonique en mouvement quasi permanent de « l'espace de peinture »... C'est une clé de sa pratique. La couleur peut engager directement le mécanisme physiologique de l'œil tout en initiant simultanément une chaîne de logique associative dans la mémoire aléatoire »
L’œuvre de Maine a été présentée dans de nombreuses expositions individuelles à New York, et expositions collectives à travers les États-Unis, ainsi qu'en Europe et au Mexique. Son travail fait partie de collections permanentes de plusieurs institutions importantes, y compris celle du Metropolitan Museum of Art, de la bibliothèque publique de New York…
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