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Peinture : acrylique, résine · 116 x 89 x 2 cm 45.7 x 35 x 0.8 inch · Prête à accrocher
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Type
Peinture : Œuvre unique
État
Œuvre vendue en parfait état, non encadrée, prête à accrocher
avec châssis
Authentification
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Facture de la galerie
Signature
Oeuvre signée à la main
Dimensions ( cm • inch )
116 x 89 x 2 cm 45.7 x 35 x 0.8 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Galerie d'art
Références
Vendeur certifié depuis 2017 • Top Seller
Cette œuvre d'art, marquée par sa complexité texturale et sa palette monochrome, s'articule autour d'un motif répétitif de bandes verticales. À première vue, elle semble être constituée d'une série de lignes parallèles qui alternent entre des teintes sombres et claires. L'utilisation dominante de nuances de noir et de gris crée une impression de profondeur et donne une dimension presque tridimensionnelle à l'ensemble, malgré la planéité du support. La régularité apparente du motif est brisée par des variations subtiles dans l'épaisseur et la densité des lignes, tantôt plus espacées, tantôt plus condensées. Ces irrégularités ajoutent un dynamisme discret mais puissant, invitant le spectateur à explorer chaque infime détail. On est constamment attiré par les petites imperfections, les interruptions et les variations qui semblent révéler un processus artistique méthodique mais intrinsèquement humain. Les contrastes de lumière jouent un rôle crucial, offrant à l'œuvre une riche gamme de nuances. Certaines parties des bandes semblent presque se fondre dans l'obscurité tandis que d'autres, baignées de lumière, émergent avec une clarté saisissante. Cela confère à l'œuvre une certaine dualité, une lutte constante entre l'ombre et la lumière, entre l'ordre et le chaos. L'ensemble évoque des références tant industrielles, rappelant les machineries et les structures métallurgiques, que naturelles, telles des traces érosives ou des motifs géologiques. Cette juxtaposition renforce le caractère unique de l'œuvre, invitant à la fois à la contemplation visuelle et à la réflexion intellectuelle. En résumé, cet artwork incarne une maîtrise technique et une sensibilité artistique remarquables. Il oscille avec finesse entre répétition et variation, simplicité apparente et complexité sous-jacente, créant ainsi une expérience visuelle riche et profondément captivante.
La peinture comme une plénitude de la couleur
Peignant jusqu'alors dans un style semis figuratif, c'est en 2012 suite à son installation en Bourgogne que s'opère une véritable renaissance dans le travail de Laurent Prudot.
La forme disparaît alors complètement de ses préoccupations, et c'est à la fin de cette année 2012 que son intérêt pour l'abstrait devient le centre de ses recherches
En contradiction totale avec ses précédentes oeuvres, Laurent Prudot envisage désormais la vie comme une explosion de lumière et de couleurs.
Une abstraction “géométrique"
C'est à cette époque que l'utilisation de ses "Monotamprientes", mélange de monotype, d'empreinte, et de tampon, qu'il fabrique lui-même, refont surface.
Cette abstraction qu'il qualifie de “géométrique" prend la forme de carrés réguliers et autres lignes-signes verticaux, avec une idée de répétition et de ressassement assumé très présente dans l'ensemble de son œuvre.
Il explore les différentes variations possibles et joue entre l'intensité des couleurs et le blanc du support, ce qui donne à sa démarche toute sa singularité.
Du style semis figuratif de ses débuts, l'artiste a évolué vers un art plus net, plus architecturé, plus construit.
Une expérience émotionnelle
On pourrait aisément prêter les propos de Paul Valéry à Laurent Prudot : “Rien n'est plus dangereux que faire parler la peinture. La peinture se regarde."
Ainsi, grâce à l'importance du rythme entre formes et espace, son oeuvre s'exprime par elle-même et réussit à engager son public dans une véritable expérience poétique.
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