Escultura Bronce
Dibujo : papel · 100 x 70 x 0.1 cm 39.4 x 27.6 x 0 inch
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Obra Firmada A Mano
Dimensiones ( cm • inch )
100 x 70 x 0.1 cm 39.4 x 27.6 x 0 inch Altura x Anchura x Profundidad
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Referencias
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En el centro de "No Rush" hay una mujer joven sentada en posición de loto sobre la concha de un caracol gigante. Esta escena imposible se crea a través del lenguaje del surrealismo, donde los símbolos revelan ideas que la realidad por sí sola no puede expresar completamente.
En esta obra de arte, el caracol se convierte en un símbolo de las personas que eligen la atención plena sobre la velocidad. Su movimiento pausado nos recuerda que el valor de un viaje no se mide por lo rápido que nos movemos, sino por lo verdadero que se siente ese ritmo para nosotros. A veces, elegir no apresurarse requiere la mayor fuerza interior.
La mujer no impulsa al caracol hacia adelante. En cambio, abraza su ritmo como propio. Sentada en posición de loto, una de las posturas de meditación más reconocibles en el yoga, ella encarna el equilibrio interior, la atención plena y la armonía. Su postura sugiere que la verdadera fuerza no siempre se encuentra en la velocidad, sino a menudo en la capacidad de permanecer centrada mientras la vida continúa moviéndose a nuestro alrededor.
Flotando de sus brazos hay largas telas blancas de yoga aéreo. Estos no son meros trozos de tela sino elementos simbólicos inspirados en el yoga aéreo, una práctica que combina movimiento, equilibrio, confianza y conciencia interior. Aunque flotan libremente por el aire, también revelan silenciosamente que el caracol se está moviendo. Incluso a su ritmo más lento, el movimiento crea una suave brisa. Las telas se convierten en un sutil recordatorio de que la lentitud no es la ausencia de movimiento, es simplemente movimiento experimentado de manera diferente.
Un bonsái acompaña la composición como otro elemento simbólico. Un bonsái no se define por su tamaño sino por los años de paciencia, cuidado y cultivo consciente que le permiten florecer. Representa la armonía, el equilibrio, la resiliencia y la comprensión de que el crecimiento significativo no se puede apresurar. Como el caracol, nos recuerda que el tiempo no es un obstáculo sino una parte esencial del devenir.
Una característica definitoria de la serie At My Own Pace es el uso de acentos de color que emergen dentro de composiciones predominantemente monocromáticas. En esta obra de arte, el bonsái está representado en verde vibrante. El verde ha estado asociado durante mucho tiempo con la tranquilidad, el equilibrio, la renovación, la sanación y una profunda conexión con la naturaleza. Psicológicamente, evoca calma y estabilidad emocional, reforzando el mensaje de la obra de arte de que la paz se puede encontrar cuando nos permitimos movernos a un ritmo que se siente auténtico.
Aunque surrealista en forma, esta obra de arte está arraigada en la observación de personas reales. Los personajes de mi serie no son ficticios, existen a nuestro alrededor. Son personas que eligen no medir sus vidas por la velocidad, sino por la presencia. Nos recuerdan que vivir despacio no significa estar quieto.
"No Rush" es un tributo a aquellos que han encontrado el coraje de moverse por la vida sin competir constantemente contra el tiempo. Esta obra de arte no anima a la gente a ir más despacio, simplemente nos recuerda que cada ritmo de la vida merece igual respeto, siempre y cuando nos permita mantenernos fieles a nosotros mismos.
Y en última instancia, deja al espectador con una simple pregunta que perdura mucho después de que se haya visto la obra de arte:
"¿Es este mi ritmo?"
Serie At My Own Pace
Esta serie explora a las personas y los diferentes ritmos en los que viven. Cada pintura investiga una forma distinta de experimentar la vida, recordándonos que no hay un tempo correcto o incorrecto. Algunas personas se sienten atraídas por el movimiento constante, mientras que otras encuentran consuelo en la lentitud y la quietud. Cada ritmo conlleva su propia belleza, valor y fuerza.
La serie At My Own Pace se crea para ayudar a los espectadores a reconocerse en las obras. En estas pinturas, el personaje principal no es la figura representada, sino el espectador mismo. A través de imágenes animales simbólicas, exploro los ritmos de vida humanos sin juicio ni jerarquía. No hay una forma universalmente correcta de vivir, solo un ritmo personal en el que una persona se siente alineada consigo misma.
Kateryna Kostyk (n. 2002, Ucrania) es una artista que trabaja con grafito y carboncillo. El arte la ha acompañado desde la infancia, pero su verdadera trayectoria artística comenzó tras el inicio de la guerra, cuando el dibujo se convirtió en un medio de expresión emocional y fortaleza interior. En 2025, decidió dedicarse por completo a la creación de obras originales que reflejan su visión personal del mundo.
Su filosofía artística se basa en la sencillez, la autenticidad y la naturalidad. A través de sus obras, Kateryna busca retratar la vida más allá de las imágenes idealizadas de las redes sociales: una vida que ofrece espacio para la calma, la conexión con la naturaleza y la apreciación de los pequeños momentos que brindan una felicidad genuina. Su objetivo es recordar a la gente que la armonía y la alegría no dependen de la riqueza material, sino que nacen del interior.
Kateryna trabaja principalmente con grafito y carboncillo, creando composiciones en blanco y negro donde el foco no está en el color, sino en la emoción, el pensamiento y la esencia de la obra. Si bien domina diversas técnicas artísticas, el dibujo sigue siendo su principal forma de expresión. Sus obras varían en formato —desde pequeñas piezas íntimas hasta composiciones de gran formato— según la idea que inspira cada una.
Sus obras de arte forman parte de colecciones privadas en Ucrania, Eslovaquia, Italia y Alemania.
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