Nací en Francia en 1955 y vivo y trabajo en Jerusalén desde 2015. Comencé a pintar con un amigo en un curso nocturno de bachillerato. A él le encantaba dibujar, a mí pintar. Ambos ingresamos en el Institut d'Arts Visuels de Orléans (1975/76), y después fui admitido en el Departamento de Arte de la Villa Arson – École Nationale Supérieure d'Arts de Niza – (1976/79). Tras graduarme, me formé como pintor de casas y luego estudié enfermería psiquiátrica (1980/83). Ya tenía cierta experiencia en hospitales y con sus pacientes, pues había trabajado allí cada verano como auxiliar de planta durante mis estudios en Bellas Artes. Al convertirme en enfermero psiquiátrico y luego en supervisor de enfermería en el Centro de Salud Mental Georges Daumezon de Loiret, combinaba la pintura y la psiquiatría casi a diario. Junto con la paternidad y el judaísmo, eran mi único y verdadero sustento.
En Orléans y Niza descubrí los inicios de la abstracción, la técnica de la superficie de apoyo, la pintura americana, pero también la pintura prehistórica —el nacimiento del arte según Bataille—, el Quattrocento y la pintura china.
Teníamos que saber "todo" sobre las obras que nos precedieron, y en particular las del siglo XX.
En cierto modo, teníamos que rendir cuentas ante ellos por nuestros actos. Teníamos a nuestra disposición todas las vías del arte contemporáneo. Un tanto a contracorriente, elegí la pintura en lugar de Duchamp.
Al comienzo de mis estudios de enfermería, también conocí a André Robillard. Vivía en el hospital, donde dibujaba, ensamblaba, apilaba y coleccionaba en lo que le servía tanto de hogar como de estudio.
Estaba descubriendo el arte en bruto de «hombres comunes en su trabajo», parafraseando a Dubuffet, pero también las expresiones de la locura, tal como las describieron Oury y Maldiney. Ya fuera en las obras, a menudo efímeras, de los pacientes: poemas, dibujos, confidencias, palabras, que brotaban de lo más profundo de su ser, o en los escritos de Antonin Artaud.
En 1984, tras un paréntesis en el paisaje, el bodegón y el autorretrato, retomé la pintura donde la había dejado. Es decir, en el corazón de una composición geométrica en forma de diamante creada en Niza en 1977. Volví a mi práctica: trabajar sobre una superficie plana, con líneas compositivas que excedían el formato del cuadro, alejándome del expresionismo y la inmediatez de mis inicios, con gestos lentos y colores transparentes y fluidos.
Comencé a trabajar a partir de principios compositivos extraídos de la historia del arte y la geometría (simetría circular, nudos borromeos, progresión armónica del cuadrado, construcción geométrica de la proporción áurea y, posteriormente, descomposición armónica del cuadrado, el rectángulo y la espiral de crecimiento armónico de Matila Ghyka).
Todo comienza de forma aleatoria, como al azar: la disposición de formas geométricas sobre el lienzo o el papel, según el principio de composición. Cada forma lleva consigo el diseño de las otras seis o siete que la componen: líneas y formas emergen de este entrelazamiento, que a su vez es fuente de muchas más. Gestos y líneas planas, blancas, negras o de colores, se anclarán, a su vez, a estas creaciones en la naturaleza imprevista de una forma de «libre asociación».
Cada elemento tiene su propia vida; primero se dibuja o pinta "en blanco" para imaginar y anticipar cuándo, dónde y cómo podría colocarse en el cuadro.
Las pinto ocultando su entorno y descubro, en retrospectiva, los patrones que surgen de su yuxtaposición. La aplicación de las capas se descompone con el tiempo, y la transparencia permite percibir los distintos estratos de la pintura. Sin bocetos ni trabajo preliminar, suelo trabajar en varias pinturas a la vez, a veces hasta cinco o seis. Cuantas más hay, más fácil me resulta olvidarlas y redescubrirlas con sorpresa.
Intervengo al menos una vez en cada sesión, sin remordimientos, en una parte de cada uno de ellos. Solo así logro apropiarme de su apariencia.
En 1989, en el párrafo titulado «Epifanías» de las «Notas» recopiladas para presentar la exposición de obras de la serie «Composiciones», escribí: «La fascinación que ejercían en mí los sutiles cambios producidos por la aplicación de una capa sobre el lienzo fue, sin duda, la fuerza motriz de esta práctica "repetitiva". El abandono de la repetición se produjo cuando, en el proceso, descubrí que su justificación no radicaba en el propósito que inicialmente le había asignado (producir colores únicos), sino más bien en la posibilidad de pintar con y sobre aquello que me fascinaba».
En esencia, esto sigue siendo cierto hoy en día.
Me sigue fascinando el desarrollo de la apariencia de la pintura: los primeros momentos de la pintura, la aparición inesperada de sus dibujos, el aumento gradual de su intensidad, y trato de pintar de tal manera que todos puedan vislumbrar este camino tanto como el paisaje al que se abre.
P. D.: Mis obras se han expuesto en Francia e Israel y aparecen en varias páginas web de arte contemporáneo y en galerías. Dos catálogos publicados por el Centre d'Art Contemporain de la Scène Nationale d'Orléans están dedicados a mi trabajo, con textos del pintor Christian Bonnefoi («La pose del tiempo») y del historiador del arte Tristan Trémeau («Pintar con moderación»). También he escrito extensamente sobre mi trabajo, así como sobre los talleres artísticos y proyectos culturales que he dirigido en hospitales.
Cofundadora del colectivo de artistas "Le Pays Où le Ciel est Toujours Bleu", también fui responsable de proyectos culturales en la EPSM Georges Daumezon desde el año 2000 hasta el 2015, en particular la creación de una residencia artística de "Arte y Arquitectura" en colaboración con el Frac Centre, pero también la creación de un rifle monumental con André Robillard como parte del centenario de la institución.
