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EM 2 L'A - Suite 04 M15,
2020
de Guillaume Moschini
Pintura : acrílico, tinta 65 x 46 x 2 cm 25.6 x 18.1 x 0.8 inch
2.113 €
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Acerca de la obra
Obra única
Obra Firmada A Mano
Vendido con el certificado de autenticidad de la galería
Factura de la galería
Pintura: acrílico, tinta
65 x 46 x 2 cm 25.6 x 18.1 x 0.8 inch Altura x Anchura x Profundidad
Sin enmarcar
Obra vendida en perfecto estado
Localización de la obra: Francia
Guillaume Moschini es un artista abstracto francés asesorado por los artistas de Supports/Surfaces reconocidos internacionalmente Claude Viallat, Patrick Saytour y Vincent Bioules.
Al igual que Helen Frankenthaler, el trabajo de Moschini depende del proceso: lienzo crudo sin imprimación, un pigmento diluido (tintas mixtas, acrílicos y diluyentes de pintura) y el fenómeno inconsciente que ocurre a través del proceso de creación artística.
En su estudio organizado, construye composiciones de color, transparencias, superposiciones y formas.
Los pigmentos líquidos se funden en el lienzo crudo con precaria intención.
Su estrategia es la meditación sobre las herramientas adecuadas, el equilibrio del color, la forma y el flujo del material.
La paleta de Moschini se reinventa por series, a veces vibrante y a veces apagada.
Conceptualmente, el trabajo de Moschini se hace eco del minimalismo de Kenneth Noland sin la restricción de la monotonía. Sus variaciones de transparencia dentro del campo de color y las superposiciones transparentes reinventan un enfoque contemporáneo y único. Moschini reflexiona sobre un momento de la historia de la pintura que cuestionó su definición.
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Al igual que Helen Frankenthaler, el trabajo de Moschini depende del proceso: lienzo crudo sin imprimación, un pigmento diluido (tintas mixtas, acrílicos y diluyentes de pintura) y el fenómeno inconsciente que ocurre a través del proceso de creación artística.
En su estudio organizado, construye composiciones de color, transparencias, superposiciones y formas.
Los pigmentos líquidos se funden en el lienzo crudo con precaria intención.
Su estrategia es la meditación sobre las herramientas adecuadas, el equilibrio del color, la forma y el flujo del material.
La paleta de Moschini se reinventa por series, a veces vibrante y a veces apagada.
Conceptualmente, el trabajo de Moschini se hace eco del minimalismo de Kenneth Noland sin la restricción de la monotonía. Sus variaciones de transparencia dentro del campo de color y las superposiciones transparentes reinventan un enfoque contemporáneo y único. Moschini reflexiona sobre un momento de la historia de la pintura que cuestionó su definición.
Sobre el vendedor
IdeelArt • Reino Unido
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Untitled Oct 0114
Guillaume Moschini
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Guillaume Moschini vive y trabaja en París, nació en Nîmes en 1970, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Nîmes y se benefició de la enseñanza de Claude Viallat y Patrick Saytour. Guillaume Moschini trabaja en torno a un gesto, un color, en un material siempre muy líquido, mezclando tanto como se quiera tintas, acrílicos y alcoholes metilados. Recuperando la cuestión de los límites del campo del color, su pintura se despliega según un conjunto de formas rectangulares, que ya no son zonas coloreadas sino huellas de una sola pincelada. Durante mucho tiempo, el artista prefirió marcos bastante estrechos, lo que facilitó la creación de esta traza original, cuya anchura está estrictamente determinada por la del pincel, en una perspectiva bastante similar a la de Niele Toroni. A través de una sucesión de correcciones de goteo inoportunas, estas formas a veces han invadido el lienzo para tender hacia el monocromo. Sentida como una obsesión, esta práctica fue un paso crucial en su nueva comprensión del gran formato, que ya caracterizó sus primeras obras, pintadas sobre lonas de seis metros de largo con escobas y en gran parte influenciadas por abstractos estadounidenses, esos, estos surgieron de un primera búsqueda de vastas extensiones de color y el deseo de entrar en el lienzo. Para trasladar su obra a grandes dimensiones, Moschini comenzó ensamblando dos marcos. Por lo tanto, pensó que sus cuadros ya no eran en altura sino en longitud, las posibilidades de su ordenamiento iniciaban nuevas relaciones de color, composición e incluso escala. Dentro de su casi monocromo, las formas reaparecen en reserva del lienzo, esta irrupción va acompañada de una transcripción de su pintura en dibujo, ofreciendo muchas variaciones alrededor de las cuales el artista se divierte. Habiendo logrado un cierto dominio de esta huella transformada en forma, supo desarrollarla en cualquier formato o soporte. La necesidad absoluta de nitidez excluyendo la repetición del pincel hacia adelante y hacia atrás, el artista utiliza pinceles industriales cada vez más grandes: la herramienta es importante, el método cuenta. Pero felizmente rompiendo la continuidad de la línea para ser menos literal, también continúa usando pinceles más pequeños. La historia de una forma se rastrea así, se vuelve a rastrear, cambiando la forma de producirla. La elección de la posición de la traza se hace solo a ojo y no de acuerdo con un diseño o dibujo específico. Atraviesa la web, no importa dónde. La única regla es la búsqueda del equilibrio entre las dos huellas, sin que tengan la misma dimensión. El gran formato le obligó a poner sus lienzos sobre una mesa y trabajar por los cuatro costados, en un intenso compromiso físico que, paradójicamente para este ultra perfeccionista, permite un control más evidente que en sus formatos más pequeños. Se levanta por medio de un pequeño banco para posar el pincel con la mayor delicadeza: si el gesto es el fundador del enfoque, sin embargo, se construye contra todos los gestos expresionistas. Asimismo, protege el primer rastro de las salpicaduras, algunas de las cuales se conservan, si contribuyen a la estabilidad de la pintura. Funcionan entonces como una escritura, un lavado, un accidente que podría decirse controlado obsesivamente, que incluso puede constituir el punto de partida de un cuadro. Y el artista para jugar con esta trampa, entre la gravedad y la ingravidez. En este trabajo basado en la demanda, el inconsciente también funciona: “mi pintura es orgánica”, declara Moschini. Trabaja en series, pero dentro de las cuales cada cuadro sigue siendo independiente y no necesariamente pretende ser presentado dentro de un conjunto preestablecido. Así, las piezas pueden funcionar de a tres, y su asociación o disyunción se determina al observarlas en sus relaciones espaciales y coloreadas. Si el trabajo sobre la forma es fundamental, es de hecho un pretexto para el color, un verdadero proyecto Moschini, cuyo objeto, como motivo, es la comunicación entre dos colores, la invención, el descubrimiento de un nuevo color.! Incluyendo eso, no perceptible a primera vista, resultado de estas asociaciones infinitamente variables ... Para que dos colores coincidan, esto requiere en primera instancia un justo equilibrio entre las formas, partiendo del postulado de que lo que no está pintado es tan importante como que es. La armonía lógica de los colores, a veces disonante, compromete luego la evolución de una serie o de la siguiente. Fascinado por la pintura repetitiva, Moschini desarrolló un gusto cada vez más pronunciado por el minimalismo y el radicalismo. En este afán de ir directo al grano siendo lo más ligero posible, los lienzos muchas veces no están preparados para recibir jugos a la vez que transparencia, en la continuación de los experimentos de Marc Devade. Y si cada vez hay menos tonalidades, el color no se pierde, sino al contrario cada vez más luminoso. El gesto de Moschini transmite una emoción y una tensión que solo surgen a través de juegos de equilibrios y desequilibrios entre formas y colores, excluyendo cualquier sistematismo. Si siempre ha existido una cuestión de estética en esta obra, no detectamos ningún esteticismo ya que difícilmente es la belleza de los colores lo que se apunta, sino su frágil equilibrio, dependiendo de los contextos de la exposición y del espectador que capta y capta. recrea los valores en cualquier momento. Aurélie Barnier, junio de 2014
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