Ocule, 2024

Stefano Mazzolini   Nouveaux artistes à découvrir

Stefano Mazzolini est né à Parme en 1968. À l'âge de neuf ans, il est nominé pour le prix « Design et Ville » organisé par la municipalité de Parme. En 1989, il obtient un Master of Art en décoration picturale à l'Institut Paolo Toschi de Parme. Il se consacre pendant plusieurs années à la restauration et à la conservation de peintures murales. En 1990, il vit d'abord à Londres puis s'installe à New York pour une courte période. Il manifeste son style graphique de manière gestuelle et immédiate, la ligne dynamique crée des gouttes d'acrylique sur papier. Les taches pilotées sont bien gérées sans suivre les dessins et les projets, remplaçant ainsi le pinceau par des ampoules et une spatule. Des portraits intrigants, des environnements de contes de fées et des animaux mythologiques se forment, avec des figures fantastiques animant un chaos contrôlé. Il crée des silhouettes de sujets androgynes, utilisant des collages de papier pour assembler et coller des couches de visages toujours cachés et minimaux. Avec des couleurs acryliques et des émaux mélangés, il obtient des tissus et des peaux colorées qu'il applique sur la toile, en enveloppant l'œuvre de greffes métalliques et de l'application de divers éléments. Les sujets sont toujours volontairement ambigus et libres d'interprétation, fournissant des apports pour atteindre nos rêves. En coupant la toile et en la superposant, il construit le tableau en sculpture. Il manipule le tissu du tableau, amenant l'image à la tridimensionnalité. Tandis que sur la toile avec de l'huile, il exprime sa vision du caché avec des fonds de couleurs évanescentes nuancées par des transparences mais précises dans la représentation d'objets, de personnes et de choses intrinsèques, formés par une structure très complexe comme tout ce qui vit et se forme. Des allusions à des villes, des paysages entre nature et animaux qui interagissent avec empathie avec des objets détaillés, des scénarios convulsifs de plans et de perspectives néo-modernes, où la vision de l'homme est absente mais toujours riche de son humanité en toute circonstance. Avec la sculpture, il renforce l'identité artistique, inventant une nouvelle représentation tridimensionnelle, une invention exclusive de la sculpture en lycra. La résine, un tissu synthétique traité et consolidé, propose une nouvelle conception de la sculpture avec des figures humaines et extraterrestres, des silhouettes stylisées, toujours suspendues entre le sacré et le profane, des draperies qui forment des personnages du passé et revisités dans une tonalité moderne. Dans sa production la plus récente, l'ombre semble gagner sur la lumière. La luminescence est le dénominateur commun qui transfigure le visible en chaque forme, traçant une mémoire aux contours d'impulsions éblouissantes comme pour révéler l'âme que chaque forme vivante et non vivante génère la même matière. Elles surgissent comme autant de décharges électriques, traces que la détérioration du temps entraîne à la désintégration de la matière elle-même, créant des trous d'absence, des décalages dans le tissu qui, entre les textures de la composition physique, génère une sorte de mémoire du sujet, racontant ainsi les véritables origines du sujet représenté. Personnages, natures mortes, inventions, corps et objets sont représentés dans une expressivité inquiète comme s'ils passaient à travers un scanner de mémoire, une plaque du passé dans laquelle il vivait de sa propre énergie, et aujourd'hui avec la dégradation du temps, l'aura de la mémoire demeure. Un cosmos de choses et de faits reste en équilibre entre figuration et abstraction.