William Mortensen

William Mortensen war unter den amerikanischen Fotografen der Zwischenkriegszeit ein wahres schwarzes Schaf. Er war berühmt für seine düsteren und grotesken Fotografien. Er wollte Kunst schaffen und nicht nur das fotografieren, was vor ihm lag, weshalb er die malerischen Darstellungen der Romantik imitierte. Obwohl sein Werk ziemlich gotisch und gruselig war, erfreute es sich damals großer Beliebtheit und brachte ihm Anerkennung bei den Kritikern sowie Veröffentlichungen in Zeitschriften wie Vanity Fair ein. Sex und Gewalt waren sowohl im Film als auch in Bildern beliebt und faszinierend.

Sein technischer Ansatz unterschied sich stark von dem seiner damaligen Kollegen. Alle waren auf der Suche nach klaren, hellen Bildern, die zeigen konnten, wie detailliert Fotografie sein kann. Mortensen hat genau das Gegenteil getan. Seine Stücke zeichnen sich durch verschwommene Linien und abgenutzte Kanten, dunkle Schatten und verbrannte Ecken aus. Die Drucktechnik war die Bromölung. Das Bromölverfahren erzeugte einen weichen und zarten, romantischen und fragilen Effekt und war bei piktorialistischen Künstlern sehr beliebt. Mortensen verwendete Silberbrompapier, das er bleichte und bedruckte. Er ritzte seine Negative oft ein, fügte Linien und Zeichnungen hinzu und schuf auf diese Weise Fotografien, statt sie nur aufzunehmen. Durch das Hinzufügen einer Gelatinelösung obenauf wird die zusätzliche Handhabung und Arbeit verborgen, sodass das zarte Aussehen erhalten bleibt. Seine Methode war anders – sanft und feinfühlig, und sein Thema war anders – gewalttätig und beängstigend. Aber es war nie vulgär. Alles, was er tat, tat er mit Geschmack. Seine Retuschen und chemischen Waschungen waren diskret und seine Offenheit gegenüber einer Welt der Gewalt und Hexerei war eklatant. In seinen Fotos finden sich halbnackte Frauen, Monster, Geister, Gewalt und Groteske. Der Grund, warum er Sex und Morbidität kombinierte, liegt darin, dass Sex das Thema von allem war, aber die morbide Ergänzung es noch kontroverser machte, und deshalb wollten die Leute seine Arbeit noch mehr sehen.

In Hollywood war alles inszeniert: es gab die Kulissen, die Bühnenbilder, die Haare und das Make-up. Auch in Mortensens Fotografien war alles inszeniert und verändert, allerdings zu einem anderen Zweck. Er wollte religiöse Motive, Albträume und alles, wovor die Menschen Angst hatten, in den Vordergrund stellen. Während der Großen Depression in Amerika gab es einen echten Grund zur Angst: Armut und Hunger. Hass war daher eine weit verbreitete Emotion, die die menschlichen Beziehungen jener Zeit prägte. Die Menschen kämpften um Nahrung, Unterkunft und Territorium. Zu dieser Zeit begab sich Mortensen in eine andere Dimension, um zu zeigen, wie diese Angst unter den Menschen lebte. Morbidität und Groteske waren damals noch nicht der Grund für die geringe Lebensqualität und daher unbekannt. Dennoch wirkten sie abstoßend und einschüchternd. Das Abstoßende war zugleich anziehend, denn der menschliche Instinkt geht auf mysteriöse Weise vor. Die Leute hatten gern Angst. Ansel Adams, ein populärer Fotograf der Zeit, der im Gegensatz zu Mortensen scharfe, helle Fotos machte, kämpfte gegen dessen Methoden und Themen und schaffte es, ihn tief in den Untergrund zu drängen, indem man ihn einen Teufel nannte und seine Kunst als satanisches Werk ohne künstlerischen Wert wahrnahm. Als der Krieg ausbrach, waren Gewalt und Mord in den Zeitungen allgegenwärtig, und Folter gehörte zur Tagesordnung.

William Mortensen wurde 1897 in Park City, Utah, geboren. Vor dem Ersten Weltkrieg studierte er Malerei, setzte diese jedoch nie fort. Als er in den 1920er Jahren nach Hollywood zog, begann er, berühmte Schauspieler wie Rudolph Valentino und Jean Harlow zu fotografieren. Er fertigte auch viele Imitationen von Porträts echter Menschen an, indem er gewöhnliche Menschen in Kostümen fotografierte und sie als Napoleon oder Machiavelli verkleidete. Seine Obsession mit satanischen Ritualen, Hexerei und Zauberei rührt von seiner Liebe zur Mythologie und Symbolik her. Obwohl er vor der sozialen und sexuellen Revolution lebte, wurden seine Fotografien aus irgendeinem Grund in Ausstellungen auf der ganzen Welt gezeigt und seine Werke wurden von der Royal Photographic Society gesammelt. Nacktheit und Blut waren etwas, das die Leute gern ansahen, und aus irgendeinem Grund rechtfertigte das Publikum seine Faszination für Mortensens Arbeit. Als gefragter Fotograf veröffentlichte er zahlreiche Fotohandbücher und unterhielt eine wöchentliche Zeitungskolumne, in der er seine Erfahrungen und sein Fachwissen weitergab. Er unterrichtete sogar an der von ihm gegründeten Mortensen School of Photography. Trotz seiner Unbekanntheit war er zu seiner Zeit ein strahlender Stern der Fotografie und ist noch heute einer der kreativsten und profiliertesten Künstler dieser Zeit.

Was eine sofortige Reaktion hervorruft, ist das, was der menschliche Verstand als gefährlich erachtet. Bei Gefahr neigen wir dazu, andere Hormone auszuschütten und unser Gehirn ist darauf programmiert, Szenen der Gewalt und des Schmerzes abstoßend und ekelhaft zu empfinden. Sein Interesse an diesem Thema war psychologischer Natur. Er wollte das Feld der Dunkelheit erkunden, wo alle Archetypen sich verstecken und lauern. Seine Arbeit wurde sowohl von der Psychologie Carl Jungs als auch von seiner Theorie der Archetypen und des kollektiven Unbewussten inspiriert. Jungs Theorie des kollektiven Unbewussten geht davon aus, dass es einen Bereich unserer frühesten Erinnerungen gibt, dessen wir uns nicht bewusst sind und der von unseren menschlichen Vorfahren geprägt wurde. Aus diesem Grund haben wir alle dieselben Vorstellungen und Ängste oder Tugenden. Immer wenn wir ein Symbol sehen, das eine nahezu universelle Bedeutung hat, steckt ein Archetyp dahinter. Als Symbole wählte William Mortensen alarmierende Formen und Figuren, die Angst auslösen. Es gibt Symmetrien und geometrische Proportionen, die manipuliert werden können, um verstörende Bilder zu erzeugen. Diagonalen aktivieren beispielsweise Abwehrmechanismen und dieser Künstler wollte sie in seine Arbeit integrieren. Was neben der Angst auch universell für alle Menschen ist, sind Sex und Neugier. Sie interessieren sich für das Unbekannte und fühlen sich noch mehr zum Sexuellen hingezogen.

Mortensens Charakter hatte nichts Absurdes oder Krankhaftes an sich. In seinen Schriften brachte er oft zum Ausdruck, dass alles, wovor wir Angst haben, Macht über uns hat, und dass wir diese Macht über uns verlieren, wenn wir uns den Ursachen der Angst aussetzen. Er nutzte die Kunst zur Kommunikation und war davon überzeugt, dass die Rolle der Fotografie oder jedes anderen künstlerischen Ausdrucks darin besteht, eine Vision und eine Botschaft zu vermitteln. Anstatt also zu zeigen, was in der Welt existiert, wie es viele seiner damaligen Kollegen taten, wollte er zeigen, was in der symbolischen Welt existiert. Träume und Wunder, Liebe und Erotik, Ruhm und Ehre, aber auch Krieg und Opfer. Was innerhalb des Rahmens und Radius eines künstlerischen Konzepts oder einer Idee liegt, sind physische und materielle Dinge, und diese sind für jeden zugänglich, sodass er keinen Grund erkennen konnte, warum der Künstler sie mitteilte. Was er vermitteln wollte, waren rohe und originelle Konzepte, die sich der Reichweite des Sichtbaren entzogen. 1936 veröffentlichte er ein Buch mit dem Titel „Monsters & Madonnas“, in dem er sein Thema und seine Thematik gegen den Vorwurf verteidigte, er sei ein puristischer und realistischer Fotograf. Er interessierte sich nicht nur aus psychologischen Gründen für das Okkulte; Er interessierte sich für die Mechanismen der Vorstellungskraft und Kreativität. Das Mechanische und das Wissenschaftliche gehörten zu allem, was ein Künstler über den technischen Teil des Prozesses wissen musste, und das war das Monster. Alle Kreativität und Inspiration ging von der Madonna aus, dem universellen Symbol der Fruchtbarkeit und Geburt.

Sein anderes Buch „The Command to Look“ beschreibt den technischen Prozess der Erstellung eines guten Bildes. Er verwendete ein Schleifverfahren, um die Farbe von den Drucken zu entfernen, mischte seine eigenen Chemikalien und führte die Nachbearbeitung auf eine Weise durch, wie wir es auch heute noch tun würden. Er verwendete Chemikalien und mischte deren Töne, um die Farbe des Schwarzweißnegativs zu erhalten. Er machte für alles, was er tat, Werbung und packte es in Fotografen-Kits, also verkaufte er seine Patente und seine Werkzeuge. Er war ein beliebter Lehrer und gelehrter Künstler, aber aufgrund einer Reihe unglücklicher und selbstsüchtiger Ereignisse kämpften seine Kollegen gegen seine Anerkennung. Er wurde von den Menschen in seiner Umgebung geliebt und bewundert. Sein erster Job in Hollywood war beim Regisseur Ferdinand Pinney Earle. Mit ihm waren immer seine Verlobte und seine jüngere Schwester, die auch der Star vieler seiner Fotos war. Ihre junge und unschuldige Figur bildete den perfekten Kontrast zu den Dämonen und Monstern. Allerdings hatte die Kontroverse um diesen Künstler bereits begonnen und alle seine Fotografien wurden vernichtet. Danach begann die Zusammenarbeit mit Cecil B. DeMille und Mortensen arbeitete als Kostümbildner und Bühnenfotograf. Sein Interesse an Anthropologie und Kulturwissenschaften entwickelte sich und er fertigte zahlreiche Stammesmasken, ethnischen Schmuck und Kopfschmuck aus Pappmaché an und verwendete sie als Requisiten in vielen seiner privaten Arbeiten.

Umgeben von wunderschönen Frauen aus dem goldenen Zeitalter des Kinos war er an das Konzept von „Die Schöne und das Biest“ gewöhnt. Rätselhaft und schockierend war das armselige und unglückliche Schicksal dieser Schönheiten und ihre Unfähigkeit, sich vor Qualen und Leiden zu schützen. Er weckte das Primat oder Unterbewusstsein und vermischte sein Wissen über die Eleganz der europäischen Kunst mit dem Kitsch und der brillanten Ästhetik des amerikanischen Kinos. Seine Welt bestand nur aus Fantasie und er wollte dorthin fliehen, wo seine Ideen verborgen waren. Er lernt Manly P. Hall kennen, einen kanadischen esoterischen Philosophen, und freundet sich mit ihm an. Er diskutiert mit ihm verschiedene mythische und sogar wissenschaftliche Themen. Während dieser Freundschaft entstanden einige seiner berühmtesten Fotografien, von denen viele bis zur Ausstellung „William Mortensen: American Grotesque“ in der Stephen Romano Gallery nie gesehen oder ausgestellt wurden. In unserer heutigen Zeit der Schnelllebigkeit und der Möglichkeit, alles zu dokumentieren, haben wir die Fähigkeit verloren, so leicht schockiert zu sein. Fast überall, wo wir hingehen, sind wir mit Bildern von Krieg, Gewalt und Nacktheit konfrontiert. Das Thema von Mortensens Fotografien schockiert uns also nicht mehr, sondern wir finden es faszinierend und anziehend. Bei der Ausstellung „American Grotesque“ konnten die Zuschauer den Reichtum seines Werkes bewundern. Dort finden Sie alles von Fotozubehör über Lyrik und das Kombinieren von Texten mit Fotos bis hin zu Nachbearbeitungsarbeiten.

Eine Gruppe von Fotografen namens „Group f/64“ kämpfte gegen den piktorialistischen Stil und zeigte stolz ihre reinen, modernen und scharfen Fotografien. Ansel Adams war einer von ihnen, und während seiner gesamten Karriere hat er Mortensen und seinen einzigartigen Stil nie unterstützt. Nach seiner Zeit in Hollywood fotografierte er weiterhin, doch die puristische Gruppe von Künstlern und mächtigen Leuten an der Spitze des Showbiz-Imperiums schaffte es, ihn in tiefe Einsamkeit zu drängen. An seiner Schule in Laguna Beach hatte er über 3.000 Schüler, doch beim breiten Publikum kam er nie richtig an. In den 1980er Jahren begann das Interesse an seiner Arbeit zu wachsen. Fast jeder in der Kunstwelt wollte mehr über diesen mysteriösen und außergewöhnlich talentierten Fotografen erfahren. Zwei seiner Bücher wurden kürzlich neu aufgelegt und die Leute bewundern neben seinem Thema und Gegenstand auch seine Technik. Es war die Zeit der einfachen Fotografie, in der es möglich war, einfach das darzustellen, was da war, wie es die Puristen mit ihrer Landschaftsfotografie taten. Doch dieser Künstler hat das Geheimnisvolle in die Realität umgesetzt. Sein Buch „The Command to Look: A Master Photographer's Method for Controlling the Human Gaze“ wurde 2014 neu aufgelegt und enthält viele seiner Drucke sowie seine Tipps und Anleitungen zum Aufnehmen eines guten Fotos.

Alles, was er tat, tat er mit Leidenschaft und Hingabe. Er hatte es nie gemocht, die Dinge so zu lassen, wie sie waren, und immer darauf bestanden, etwas hinzuzufügen, sei es ein zusätzlicher Anstrich oder eine neue Dimension veränderter Realität. Er war von Beruf Maler und wollte mit seinen Bildern zeigen, dass die Fotografie nicht nur seine Leidenschaft, sondern auch sein Ziel ist. Er fügte seinen Stücken gerne originelle Beschreibungen hinzu, wandte sich jedoch nie direkt an das Publikum. Er widmete einen Großteil seiner Schriften anderen Künstlern, die nicht für Ruhm, Ehre und Geld arbeiteten, sondern wie er aus Leidenschaft und mit Sinn. Für ihn war das fotografische Objektiv eine mystische Maschine, die die Symbole der unsichtbaren Welt lesen konnte. Er scherzte, dass es für ihn dasselbe sei, wenn er ein hübsches Model oder eine Ziege vor der Kamera sehe. Er sehe nur das Potenzial der Geschichte, die durch das Aufnehmen und Erstellen eines Bildes erzählt werden könne. Was der Künstler und das Modell teilen mussten, waren Begeisterung, Leidenschaft und Interesse. Gemeinsam mussten sie eine lebendige Umgebung schaffen, die verändert, weiterentwickelt, verbessert und verfeinert werden konnte. Darin lag sein Interesse an der Fotografie und er gab diese Erfahrungen gerne in seinen Büchern oder in seiner wöchentlichen Kolumne weiter. Obwohl er weder in Schulbüchern noch in Museen auftauchte, war er Amerikas bekanntester und angesehenster Fotograf.