Burn Them Up O’Connor, 2022

Kim Yoon Kyung  

Kim Yoon Kyung ist eine 1977 geborene koreanische Künstlerin, die in Daegu, Südkorea, lebt und arbeitet. Sie studierte Kunsttheorie an der Katholischen Universität Daegu und erwarb später einen Master-Abschluss in westlicher Malerei an der Graduiertenschule der Kyungpook National University. 2012 schloss sie ihr Studium der Bildenden Kunst mit einem MFA an der California State University ab und arbeitet seither aktiv als Künstlerin. Ihre jüngsten Ölgemälde mit Figuren, wie beispielsweise „Der Mond ist der Traum der Sonne“, basieren auf zufällig ausgewählten Personen oder einem der unzähligen Bilder aus dem Internet. Im endlosen Bilderstrom unserer Zeit – Bilder, die ständig produziert, konsumiert und verbreitet werden – offenbaren die von ihr gesammelten Bilder eine weitere Ebene der „Zirkulation“, vergleichbar mit einer zeitgenössischen Vanitas-Darstellung in einem Zeitalter, das an die Selbstwahrnehmung von KI glaubt. Ihre Arbeit ist keine Rekonstruktion einer vergangenen Kindheit, sondern handelt von den verschwommenen, aber dennoch lebendigen Bildern, die die Empfindungen jener Zeit hinterlassen haben, und vom Licht, das aus dem Verschwundenen wieder aufsteigt. Die dargestellten Figuren sind keine konkreten Individuen, sondern vielmehr ein Zustand der Erinnerung. Die Kinder in den Gemälden verharren in einem Zustand des Nicht-Erwachsenwerdens und sind gleichzeitig bereits erwachsen. Ihr stiller Blick deutet auf einen Zustand oder Ursprung hin, zu dem wir zurückkehren müssen. Die im Bildausschnitt platzierten weggeworfenen Gegenstände tragen ebenfalls Spuren der Zeit und des Verschwundenen; zusammen mit den Figuren im Dunkeln bergen sie ein subtiles Licht, das die Grenzen zwischen Realität und Erinnerung, Anwesenheit und Abwesenheit verwischt. Dieses Werk thematisiert einen widersprüchlichen Zustand: Dinge, die einst existierten, aber nicht mehr da sind, und Dinge, die verschwunden sind, bleiben zurück. Es ist ein fragiler und doch bewusster Versuch, nicht nur die Wunden eines Individuums, sondern jene, die wir alle teilen, festzuhalten. Solche Bildprojektionen rufen Schichten des Unbewussten hervor. Ähnlich der Vorstellung der „Seele“, die vorübergehend einen „Körper“ bewohnt, mögen die Figuren in diesen Gemälden einem fundamentaleren Zustand näher sein – vielleicht einer Seinsform, zu der wir uns sehnen. Indem sie im Bildausschnitt verbleiben und Licht einfangen, gehören sie nicht der Realität an, sondern verweisen auf die Nachbilder der Zeit, die in uns fortleben. Letztlich fordert dieses Werk den Betrachter auf, den Akt des Sehens selbst neu zu überdenken, an dem Punkt, an dem sich der Kreislauf der Bilder und der Kreislauf der Existenz überschneiden. Es geht hier nicht um eine bestimmte Szene, sondern um die Erforschung, wie vergangene Zeiten und Ereignisse in der Sinneswahrnehmung neu entstehen, als Nachhall von Wesen, die im unaufhörlichen Strom der Bilder, die ständig entstehen und vergehen, verweilen und treiben. Das altbekannte Motiv des „Lichts“ enthüllt und löscht zugleich die Form. Was wir für real halten, nehmen wir nur als Rest des Vergangenen wahr; dennoch muss sich dieses Werk auf einen „zukünftigen Ursprung“ für uns zubewegen. Obwohl es als unumkehrbare Spur erscheint, ist es auch mit dem Gefühl der Wiederkehr verbunden – der Rückkehr zu dem Punkt, von dem wir einst aufgebrochen sind. Anstatt also eine Erzählung zu präsentieren, enthüllt dieses Werk die Art und Weise, wie die Existenz sich selbst wahrnimmt – die Bedingungen der Selbsterkenntnis, die sich ständig in die Strukturen von Licht und Bild, Erinnerung und Unbewusstem einfügen.