Liza Petrova

Liza Petrova (n. 1993, Rusia) es una artista figurativa radicada en Belgrado que trabaja con pintura de técnica mixta, combinando técnicas tradicionales al óleo con materiales innovadores como tinta de alcohol sobre plástico. En su obra, busca capturar los paisajes emocionales y sociales de un mundo en constante transformación. Graduada del Instituto de Arquitectura de Moscú y ex urbanista, exploró diversas disciplinas visuales antes de dedicarse a la pintura contemporánea, incluyendo la ilustración y el diseño digital de personajes. Su práctica se ha centrado en el potencial transformador de los materiales, desde sus primeros experimentos con la dilución de gouache y acrílico hasta su uso actual de tinta de alcohol y aceite disuelto.

DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Mi formación es en urbanismo y arquitectura, y sigue influyendo en mi enfoque artístico. Me enseñó a pensar en sistemas de relaciones y escalas, en lugar de formas aisladas. Me interesa cómo lo personal, lo social, lo histórico y lo espacial confluyen en una misma imagen. Mi interés por la continuidad y los sistemas globales complejos se asemeja a la idea de Aby Warburg sobre la migración de imágenes, que concibe los motivos visuales como portadores móviles de memoria emocional que viajan a través del tiempo, el espacio y los medios, transformándose continuamente en nuevos contextos históricos y reflejando los cambios en la sociedad humana. Por eso trabajo con temas clásicos como el retrato, el desnudo o la figura en un paisaje: atemporales y en constante evolución, generan un diálogo entre artistas a lo largo de la historia.

Mi trabajo examina cómo el lenguaje del arte contemporáneo interactúa con los temas y materiales tradicionales, y los transforma. Trabajo con técnicas mixtas, principalmente combinando tinta de alcohol y óleo sobre plástico. A través de imágenes simbólicas, exploro cómo la mitología interior personal refleja contextos sociales e históricos más amplios. Mi obra parte de la tensión entre la persona y el espacio que la rodea. En mis retratos, la figura afecta el espacio circundante, distorsionándolo, extendiendo la personalidad más allá del cuerpo y reflejando su estado interior.

Más recientemente, mi interés de larga data en la relación entre el cuerpo y el espacio me ha llevado a una nueva cuestión formal: la plasticidad de la superficie pictórica. Me interesa preservar lo que Clement Greenberg identificó como la condición definitoria de la pintura —la planitud—, al tiempo que libero la obra de su relación fija con la pared. En lugar de reintroducir la profundidad ilusionista o tratar la pintura como escultura, busco que la superficie misma se doble, se pliegue y moldee la percepción como una estructura espacial.

En mi práctica, el material ocupa un lugar central. El material es, en sí mismo, portador de memoria cultural y emoción. El óleo y el lienzo son inseparables de la cultura europea. La tinta de alcohol funciona para mí tanto como material contemporáneo como referencia a antiguas prácticas de dibujo con tinta, mientras que el plástico marca una transformación irreversible de la naturaleza y la cultura. En mi proceso, gran parte del trabajo se entrega al material mismo. Este se expresa a través de la abstracción y un enfoque de accidentes controlados. Me gusta disolver y descomponer el material en sus partículas básicas. Lo experimento como una liberación del material y como una práctica de responsabilidad compartida con el universo. Por esta razón, el proceso es la parte central de mi trabajo.