Untitled, 2024
Peinture : techniques mixtes · 65 x 50 x 0.1 cm 25.6 x 19.7 x 0 inch
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Avis vérifiés : 9.6/10
À propos de l'œuvre
Type
Peinture : Œuvre unique
État
Œuvre vendue en parfait état, non encadrée
Authentification
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Facture de la galerie
Signature
Oeuvre signée à la main
Technique et Support
Dimensions ( cm • inch )
65 x 50 x 0.1 cm 25.6 x 19.7 x 0 inch Hauteur x Largeur x Profondeur
Vendue par
Galerie d'art
Références
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Description
Technique mixte sur papier Canson 300 g
L'œuvre sera expédiée enroulée dans un tube
Cette œuvre évocatrice brouille magistralement les frontières entre le tangible et l'abstrait, entraînant le spectateur dans un espace contemplatif où la forme et la couleur fusionnent dans une profonde harmonie. La composition est dominée par la silhouette abstraite d'une figure énigmatique, rendue par des traits audacieux de noir et des nuances de gris. Cette figure, indistincte mais convaincante, semble naviguer dans un paysage de rêve aux couleurs vibrantes et aux teintes fluides. L'arrière-plan est un jeu fascinant de lavis d'aquarelle, allant des bleus et violets profonds aux éclats de rose et aux touches de jaune. Ces couleurs cascadent et se mélangent, créant une toile de fond dynamique qui se déplace et se transforme, suggérant le mouvement et le passage du temps. Le contraste entre la silhouette sombre et l'environnement lumineux, presque éthéré, est saisissant, soulignant l'isolement et l'introspection de la forme centrale. Les éléments de texture ajoutent de la profondeur et de la complexité à l'œuvre, avec des coups de pinceau et des gouttes superposés qui suggèrent des couches d'émotions et d'histoires sous la surface. La nature abstraite de l'œuvre invite à des interprétations infinies, encourageant les spectateurs à projeter leurs propres sentiments et récits sur la scène. Cette œuvre témoigne du pouvoir de l'abstraction pour transmettre l'essence de l'expérience humaine, en utilisant la couleur et la forme pour invoquer une réponse émotionnelle profonde. Son mélange unique de fluidité et de structure, ainsi que sa palette riche et émotive, font de cette œuvre une œuvre d'art contemporain captivante et résonnante.
Présentation
Doina Vieru est une artiste equatorienne d'origine moldave née en 1978 qui vit et travaille à Paris en France. Elle a toujours préféré pas/pas/passionnément l'image à la parole et tout cela malgré des crises de Bartlébysme. Entre « I would prefer not to », crayons, papiers, PVC ou métal et d'autres instruments pointus, le jeu reste son éternel préféré. Après des études à l'Académie d'arts de Chisinau et à l'ENSBA Paris, elle quitte l'Europe pour l'Équateur où elle développe son langage artistique propre entre montagnes et jungle. Son retour en 2019 à Paris est marqué par un accrochage-événement à la galerie de Nesle où elle présentera des dessins sur les trois niveaux de la galerie. Son travail qui a été exposé régulièrement en Équateur, au Mexique, en France, en Roumanie et en Moldavie traite toujours de l'indicible.
C'est une sorte de jeu au cache-cache, de dire et de taire. Sa production est sérielle : elle peint sur elle-même, sur ses grossesses, au rythme de l'Opus 35 de Tchaïkovski ou à la recherche mélanomaniaque du noir. Dans la dernière série de dessins il s'agit de cacher et détruire de la poésie en jouant librement sur des grands papiers photographiques avec des couches-histoire – des palimpsestes - superposées où l'écriture inintelligible se mêle au fusain, à l'encre, aux acryliques blancs et à la pierre noire. C'est la ré-écriture du désastre, référence directe à l'œuvre de Maurice Blanchot : « Quand tout est dit, ce qui reste à dire est le désastre, ruine de parole, défaillance par l'écriture, rumeur qui murmure : ce qui reste sans reste. »
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