Green woman, 2020

Liza Petrova  

Liza Petrova (née en 1993 en Russie) est une artiste figurative basée à Belgrade. Son travail pictural, qui utilise des techniques mixtes, associe la peinture à l'huile traditionnelle à des matériaux innovants comme l'encre à alcool sur plastique. Elle cherche à saisir, à travers son œuvre, les dimensions émotionnelles et sociales d'un monde en pleine mutation. Diplômée de l'Institut d'architecture de Moscou et ancienne urbaniste, elle a exploré diverses disciplines visuelles avant de se tourner vers la peinture contemporaine, notamment l'illustration et la création de personnages numériques. Sa pratique artistique s'articule autour du potentiel transformateur des matériaux, depuis ses premières expérimentations avec la dilution de la gouache et de l'acrylique jusqu'à son utilisation actuelle de l'encre à alcool et de l'huile dissoute.

DÉCLARATION DE L'ARTISTE

Ma formation en urbanisme et en architecture continue d'influencer ma manière d'aborder l'art. Elle m'a appris à penser en termes de systèmes de relations et d'échelles, plutôt qu'en formes isolées. Je m'intéresse à la façon dont les dimensions personnelles, sociales, historiques et spatiales se rencontrent au sein d'une même image. Mon intérêt pour la continuité et les systèmes globaux complexes se rapproche de l'idée d'Aby Warburg sur la migration des images, qui conçoit les motifs visuels comme des vecteurs mobiles de mémoire émotionnelle voyageant à travers le temps, l'espace et les médias, se transformant sans cesse dans de nouveaux contextes historiques et reflétant les mutations de la société humaine. C'est pourquoi je travaille avec des sujets classiques tels que le portrait, le nu ou la figure dans un paysage : intemporels et en perpétuelle évolution, ils instaurent un dialogue entre les artistes à travers l'histoire.

Mon travail explore comment le langage de l'art contemporain interagit avec ces sujets et matériaux traditionnels et les remodèle. Je travaille en techniques mixtes, combinant principalement encre à alcool et huile sur plastique. À travers une imagerie symbolique, j'explore comment la mythologie intérieure personnelle reflète des contextes sociaux et historiques plus larges. Mon travail prend naissance dans la tension entre une personne et l'espace qui l'entoure. Dans mes portraits, la figure influence l'espace qui la borde, le distord, prolongeant la personnalité au-delà du corps et reflétant son état intérieur.

Plus récemment, mon intérêt de longue date pour la relation entre le corps et l'espace m'a conduit à une nouvelle question formelle : la plasticité de la surface picturale. Je souhaite préserver ce que Clement Greenberg identifiait comme la condition essentielle de la peinture – la planéité – tout en affranchissant l'œuvre de son rapport fixe au mur. Plutôt que de réintroduire une profondeur illusionniste ou de traiter la peinture comme une sculpture, je souhaite que la surface elle-même se plie, se déforme et façonne la perception comme une structure spatiale.

Dans ma pratique, la matière occupe une place centrale. Elle est déjà porteuse de mémoire culturelle et d'émotions. L'huile et la toile sont indissociables de la culture européenne. L'encre à alcool fonctionne pour moi à la fois comme un matériau contemporain et comme une référence aux pratiques ancestrales du dessin à l'encre, tandis que le plastique symbolise une transformation irréversible de la nature et de la culture. Dans mon processus créatif, une grande partie du travail est confiée à la matière elle-même. Elle s'exprime à travers l'abstraction et une approche fondée sur des accidents maîtrisés. J'aime dissoudre et décomposer la matière en ses particules élémentaires. Je perçois cela à la fois comme une libération de la matière et comme une pratique de responsabilité partagée avec l'univers. C'est pourquoi le processus est au cœur de mon travail.