A Man at the Desk, 2023

Kim Yoon Kyung  

Kim Yoon Kyung est une artiste coréenne née en 1977, qui vit et travaille à Daegu, en Corée du Sud. Elle a étudié la théorie de l'art à l'Université catholique de Daegu, puis obtenu une maîtrise en peinture occidentale à l'École supérieure de l'Université nationale de Kyungpook. En 2012, elle a reçu un MFA en beaux-arts de l'Université d'État de Californie et poursuit depuis lors une carrière artistique active. Ses récentes peintures à l'huile figuratives, intitulées « La Lune est le rêve du Soleil », s'inspirent de personnes choisies au hasard ou d'images parmi les innombrables disponibles sur Internet. Au sein de ce flux incessant d'images – constamment produites, consommées et diffusées –, celles qu'elle collecte révèlent une autre dimension de cette « circulation », à la manière d'une vanité contemporaine à l'ère où l'on attribue une conscience à l'intelligence artificielle. Son œuvre ne consiste pas en une reconstruction de l'enfance, mais explore les images floues et pourtant vives laissées par les sensations de cette époque, et la lumière qui renaît de ce qui a disparu. Les figures représentées ne sont pas des individus précis, mais plutôt l'évocation d'un état figé dans la mémoire. Les enfants, dans ces tableaux, demeurent suspendus dans un entre-deux, entre l'enfance et l'âge adulte. Leur regard silencieux nous fixe, suggérant un état, une origine, vers lesquels nous devons retourner. Les objets abandonnés, placés dans le cadre, portent eux aussi les traces du temps et de ce qui a disparu ; avec les figures dans l'obscurité, ils diffusent une lumière subtile, brouillant les frontières entre réalité et mémoire, présence et absence. Cette œuvre explore une contradiction : des choses qui ont manifestement existé mais ne sont plus là, et d'autres qui ont disparu persistent. C'est une tentative fragile, mais délibérée, de saisir non seulement les blessures individuelles, mais celles que nous partageons tous. De telles projections d'images évoquent les strates de l'inconscient. À l'instar de l'idée de l'âme habitant temporairement un corps, les figures de ces tableaux nous rapprochent peut-être d'un état plus fondamental – d'une forme d'être vers laquelle nous aspirons à revenir. Demeurant dans le cadre, imprégnées de lumière, elles n'appartiennent pas à la réalité, mais évoquent plutôt les rémanences du temps qui persistent en nous. En définitive, cette œuvre invite le spectateur à repenser l'acte même de voir, au point de rencontre entre la circulation des images et celle de l'existence. Ce qui importe ici n'est pas une scène précise, mais une exploration de la manière dont les temps et les événements disparus se reconstituent dans la sensation, comme des échos persistants d'êtres suspendus et dérivant dans le flux incessant d'images qui se créent et s'éteignent sans cesse. Le motif récurrent de la « lumière » révèle et efface la forme. Ce que nous croyons réel n'est perçu que comme le résidu de ce qui a déjà disparu ; pourtant, cette œuvre doit nous conduire vers une « origine future ». Bien qu'elle apparaisse comme une trace irréversible, elle est aussi liée au sentiment de récurrence – le retour au point de départ. Ainsi, plutôt que de présenter un récit, cette œuvre révèle la manière dont l'existence se perçoit elle-même — les conditions de la reconnaissance de soi qui se glissent continuellement au sein des structures de la lumière et de l'image, de la mémoire et de l'inconscient.