In the shade, 2026

Alisa Gorelova  

Le corps humain est le thème principal de l'art d'Alisa Gorelova. Bien qu'il ait fait l'objet d'études d'anatomistes et de peintres au cours des cinq derniers siècles, il semble inhabituel, fascinant, mystérieux dans ses peintures. L'image est vivante, respire et s'effondre, atteint les frontières où elle risque de se briser en éclaboussures de couleur ou de perdre l'intégrité compréhensible, de devenir quelque chose comme une fleur ou une flamme. Vous ne trouverez pas ici deux figures identiques : elles s'entremêlent en une seule chaîne, remplissent à ras bord des toiles étroites et se tendent l'une vers l'autre en transmettant une impulsion apparue pour la première fois dans le toucher des doigts du Dieu et d'Adam sur le Plafond de la Chapelle Sixtine. Tout comme dans l'acte de création, les corps des œuvres de Gorelova sont libres de toute opinion politique ou de toute préférence gustative, tous leurs traits distinctifs sont en eux-mêmes. Chaque tableau se déroule pour le spectateur comme une danse de formes et de couleurs ; le peintre doit beaucoup à Matisse mais sa chorégraphie est plus moderne et davantage dédiée aux opportunités physiques d'un être humain. En dehors des conventions sociales, culturelles ou autres, "l'homme nu sur le sol nu" dont rêvent les philosophes requiert doublement un regard artistique attentif capable de capter jusqu'au battement absolument imperceptible sous la surface de la peau qui en modifie le relief et la couleur. La ressource plastique inépuisable que représente le corps humain ne peut être remplacée par aucune des créations du progrès technologique. Contrairement aux expériences du docteur Frankenstein, les œuvres de Gorelova révèlent l'attention affectueuse que son pinceau et son crayon confèrent au virage de chaque modèle. Le peintre rassemble à nouveau l'homme mis en pièces par l'art et l'histoire modernistes du XXe siècle ou du moins nous donne l'espoir qu'une telle recréation est possible.

Le cœur de l'exposition est constitué de quatre grandes œuvres en trois parties créées en 2022. Toutes développent une intense vie de formes et de couleurs flottant d'une figure à l'autre et donnant son propre côté émotionnel à chaque pièce. Les toiles verticales étroites sont devenues une caractéristique distinctive de l'art de Gorelova, tout comme les diagonales de composition longues et traînantes ne laissant pas le spectateur partir, le menant impérieusement, se concentrant sur chaque triceps et chaque tension musculaire. Son talent se décline dans un éventail large et résolument moderne, évoluant librement entre l'Antiquité, le Maniérisme et le XXe siècle. Aujourd'hui, Gorelova fait de plus en plus appel à des Italiens du XVIIe siècle capricieux et sûrs d'eux : le plafond de la Chapelle Sixtine de Michel-Ange et la galerie du Palais de Fontainebleau du Rosso Fiorentino deviennent la ressource plastique.

Choisissant le meilleur de la Renaissance, dépeçant le corps dans l'expressionnisme ou le déconstruisant dans le surréalisme, le peintre est toujours en quête de nouveauté. L'art de Gorelova peut être caractérisé par le caractère collectif postmoderne des images : les peintures peuvent montrer un bras ou une jambe absolument naturel d'un personnage de la Renaissance traité avec l'acidité du surréalisme pour atteindre la pureté. La fluidité des formes graphiques peut être comparée aux vagues personnages enchanteurs de Leonora Carrington ainsi qu'à l'anatomie féminine des couleurs de Georgia O'Keeffe. Les pieds et les mains s'amincissent, s'allongent, se multiplient, commencent à vivre par eux-mêmes contrairement à tout ce qui est réel. Le mouvement se décompose en plusieurs étapes mais ces personnages nus ne descendent pas les escaliers, bien au contraire, ils montent agonistiquement les uns sur les autres. On ne peut s'empêcher de se demander où tout cela se passe, peut-être dans l'Enfer de Dante ?

Fasciné par la structure des corps et le mouvement de la peinture sur toile, l'artiste résout involontairement le problème compliqué de l'expression qui est obligatoire dans l'art moderne, en particulier pour les créateurs travaillant avec des médiums traditionnels et classiques. Les personnages de ses peintures sont si étroitement liés qu'ils tirent littéralement le long des concepts sociologiques de masse et de foule. La corporéité qui est devenue l'un des principaux enjeux et thèmes de l'art au cours des dernières décennies atteint sa plus haute expression. Les émotions sont désormais insupportablement fortes et véhiculées dans leur intégralité non pas par l'individualité des visages mais plutôt par des corps dépersonnalisés. La plastique compliquée scrupuleusement élaborée par l'artiste est capable de donner naissance à des formules rhétoriques naturelles connues du baroque. Gorelova les extrait de couches de mémoire culturelle trouvées à proximité dangereuse de la surface de l'existence humaine et séparant la vie de l'oubli. Ce ne sont pas seulement les profondeurs subconscientes dont les surréalistes étaient si friands, c'est la fine ligne qui sépare un homme d'une bête intérieure. La peintre a retenu la leçon de l'art de tout le XXe siècle avec les expressionnistes, comme en témoigne l'harmonie des couleurs de ses œuvres aux couleurs exceptionnellement vives.

Une personne se tenant devant ces peintures peut être choquée ou effrayée, posant à son corps des millions de questions instantanées n'atteignant pas la conscience : « Est-ce vraiment moi ? Les images peintes par l'artiste sont juxtaposées et comparées au réservoir d'individualité que possède l'homme, revêtement musclé d'une conscience unique, c'est là que réside l'astuce et le paradoxe de la vraisemblance. Le corps humain reste une image universelle capable de tout expliquer, surtout s'il est représenté avec une telle minutie intérieure que dans l'art de Gorelova. Le problème bien connu de la philosophie et de la psychologie Le Soi et l'Autre prend une nouvelle forme.

Les événements des six derniers mois sont probablement la révision la plus profonde des images et des concepts humanistes du XXIe siècle. La rhétorique et le plastique ont gagné en pertinence. Des figures à tête de chien comme issues d'un autre univers esthétique rattrapent les personnages d'une des œuvres de l'artiste comme un signe de déshumanisation accompagnant toute guerre. « Est-ce que ça peut être nous aussi ? c'est ce que se demandent des millions d'honnêtes gens en Russie, dont Alisa Gorelova.