Flags and Swirls, 1970
Alexander Calder

Es gibt Künstler, deren Werk unausweichlich erscheint – als ob es nur aus einem einzigen Leben, einem einzigen Lebensweg stammen könnte. Alexander Calder ist einer von ihnen. Geboren 1898 in Philadelphia in eine Familie, in der Bildhauerei beinahe in den Genen lag, revolutionierte er das Verhältnis von Kunst zu Raum, Zeit und Bewegung und erfand eine völlig neue Formensprache, die heute weltweit auf den ersten Blick erkennbar ist.

Was der Prolog des Buches „Calder: Die Eroberung der Zeit“ mit dem eindringlichen Satz „Ich wurde nicht erzogen, ich wurde hineingezwungen“ zusammenfasst, sagt alles über das Umfeld aus, in dem Sandy, wie er genannt wurde, aufwuchs. Sein Vater, A. Stirling Calder, war ein renommierter Bildhauer, Schöpfer großer öffentlicher Kunstwerke und ein Bewunderer Rodins. Seine Mutter, Nanette Lederer Calder, war Porträtmalerin mit einem fließenden und dramatischen Stil. Sein Großvater väterlicherseits, Alexander Milne Calder, hatte die Familientradition der Bildhauerei bereits in den 1870er-Jahren begründet. Drei Generationen von Bildhauern. Eine stille, aber unumstößliche Weitergabe. Stirling selbst schrieb, sein Sohn sei „der unvermeidlichen erblichen Anziehungskraft erlegen“ – eine Formulierung, die wie ein Familiengesetz nachklingt. Doch Calder entwickelte ein ambivalentes Verhältnis zu diesem Erbe, genährt und belastet zugleich, und suchte sein Leben lang danach, sich davon zu lösen, ohne es jemals vollständig zu verleugnen.

Nach seinem Ingenieurstudium – einem bedeutenden Umweg, der ihm das mechanische und strukturelle Verständnis einflößte, das sein gesamtes Werk durchdringt – kam Calder Ende der 1920er Jahre nach Paris. Die Stadt war damals das Zentrum der globalen Avantgarde. Er verkehrte mit Künstlern wie Miró, Léger und Duchamp. Doch der Besuch in Piet Mondrians Atelier im Jahr 1930 erwies sich als wahrer Wendepunkt. Angesichts der akribisch angeordneten Rechtecke in Primärfarben an den weißen Wänden hatte Calder plötzlich eine Eingebung: Was wäre, wenn sich diese Formen bewegten? Mondrian wies die Idee zurück – er bevorzugte die statische Strenge seiner Kompositionen. Doch für Calder war die Frage bereits gestellt und ließ ihn nicht mehr los. Aus dieser Begegnung entstand das grundlegende Projekt seines gesamten Schaffens: Zeit und Bewegung in die Skulptur einzuführen.

Es war Marcel Duchamp, der Calders ikonischster Kreation, dem Mobile, als Erster seinen Namen lieh. Lichtgestalten – Scheiben, Blätter, Fische, Sterne – hängen an filigran ausbalancierten Metallstäben und werden vom bloßen Luftzug in Bewegung gesetzt. Nichts Mechanisches, nichts Vorhersehbares. Jedes Werk lebt im Rhythmus seiner Umgebung, in einer sich stetig erneuernden Choreografie. Jean-Paul Sartre, der ihm einen berühmten Text widmete, erfasste das Wesen dieser Kunst vollkommen: Calders Mobiles stellen keine Bewegung dar, sie sind Bewegung. Sie imitieren nicht die Natur – sie übernehmen ihre Gesetze. Die Luft wird zum Bildhauer, die Zeit zur Materie.

Im Gegensatz dazu entwickelte Calder Stabiles – feste, massive Stahlskulpturen, die eine monumentale Präsenz auf dem Boden ausüben. Der Flamingo (1973), eine leuchtend rote Skulptur im Herzen Chicagos, gegenüber der minimalistischen Architektur von Mies van der Rohe, zählt zu den eindrucksvollsten Beispielen für den Dialog zwischen Kunst und Stadtarchitektur des 20. Jahrhunderts. Zwei scheinbar gegensätzliche Ausdrucksformen – die luftige Leichtigkeit des Mobiles, die erdige Masse des Stabiles – offenbaren in Wirklichkeit dieselbe Obsession: die Möglichkeiten der Form im Raum neu zu denken.

Calder verkörpert perfekt jene seltene Gestalt des amerikanischen Künstlers, dem Paris seine wahre Natur offenbarte, ohne ihn jemals zu entwurzeln. Von Geburt an frankophil – seine Eltern hatten 1895 ihre Flitterwochen in Paris verbracht – blieb er zeitlebens mit einem Bein in Frankreich und mit dem anderen in Roxbury, Connecticut, verwurzelt, wo er in einem ebenso freudvollen wie produktiven Atelier arbeitete. Denn Calder war vor allem ein Mensch voller Lebensfreude. Sein „Calder Circus“ – eine handanimierte Miniatur, die er in seinem Pariser Atelier vor Freunden und Künstlern präsentierte – drückt besser als alles andere aus, was ihn ausmachte: ein Schöpfer von Wundern, ein brillantes Kind, das die Welt ernst nahm und sie gleichzeitig wie ein Spiel behandelte. Miró, Léger, Mondrian, Cocteau – sie alle besuchten diese Aufführungen und waren tief beeindruckt.

Calders Werk ist heute allgegenwärtig: in Museen, Privatsammlungen und auf den öffentlichen Plätzen großer Städte. Doch was es wirklich einzigartig macht, ist seine zeitlose Schönheit. Ein Mobile, das in einem modernen Raum schwebt, behält seine Kraft zu überraschen, Leichtigkeit zu vermitteln und stillschweigend die Natur der Form im Raum zu hinterfragen. Drei Generationen von Bildhauern brauchten diese Kunstform, die Traditionen auf den Kopf stellt, die Leere an die Stelle von Fülle, Bewegung an die Stelle von Stille, Luft an die Stelle von Stein setzt. Und die ein für alle Mal beweist, dass Skulptur atmen kann.