Ford Crull

Ford Crull a grandi à Seattle, où il est diplômé de l'Université de Washington. Son travail fait partie des collections du Metropolitan Museum of Art, de la National Gallery, de Dayton Art Institute et du Brooklyn Museum. Ses peintures ont été incluses dans l'importante exposition de Moscou de 1989, "La peinture après la mort de la peinture", organisée par Donald Kuspit. Des expositions récentes ont inclus des spectacles à Shanghai, Londres, Milan et Seattle.

Crull continue d'explorer le pouvoir expressif des symboles personnels et culturels dans une série de compositions densément peintes et aux couleurs vives. Crull utilise des images identifiables telles que les cœurs, les ailes, les croix et la figure humaine, ainsi que des emblèmes géométriques et des formes abstraites dont les significations sont moins explicites. Les mots, sous forme de phrases cryptiques et fugaces, animent également le monde pictural de Crull.

Il y a un fort élément de diaristique dans l'œuvre de Crull, chaque tableau servant de sorte de journal pictural de réflexions et de rêveries, détachés de leurs origines dans des événements spécifiques. Dans un sens plus large, ces peintures constituent une sorte de recherche intensive pour arracher du sens à une anarchie des sentiments. En tant que méditations sur le chaos émotionnel, ils entrent dans un monde d'impulsions concurrentes et de transmissions simultanées, à la recherche d'une résolution à la fois cathartique et mystérieuse.

Crull utilise une myriade de symboles qui impliquent diversement un déroulement sexuel, une souffrance romantique, une sagesse occulte et une libération transcendantale. Ces symboles coexistent dans une atmosphère psychique dans laquelle ils se chevauchent, se dissolvent et réapparaissent avec une sorte d'insistance furieuse. Le cœur est parmi les plus fréquents de ces symboles, combinant l'amour sur les plans physique et spirituel. Les mots écrits de Crull agissent comme une sorte de voix qui émerge et disparaît dans la surface hautement travaillée. Les phrases griffonnées et fragmentaires servent en quelque sorte de contrepoint conscient à la libre circulation de l'abstraction gestuelle et des formes symboliques. La couleur est le partenaire silencieux de la langue, insufflant à la foule d'images une atmosphère émotionnelle enveloppante, allant des rouges et dorés chauds aux bleus et blancs clairs et chatoyants froids.

"L’ambiguïté de l’image est au cœur de mon expression de la vie dans l’art. La dérivation de mes symboles, tirés du flux océanique d’un état de rêve inconscient et dévolu, reflète une nécessité de métamorphose et de recombinaison qui prive l’image de tout coffre-fort. Au contraire, mes images sont impliquées dans une danse perpétuelle, un flux narratif qui détruit toutes notions préconçues ou significations verbales. Le spectateur est libre de s'associer autour du texte visuel que je présente, en fournissant ses propres interprétations à partir de ses propres expériences. Ambiguïté de l'image oblige le spectateur à une étude plus approfondie de l'œuvre, afin que les couches profondes de la réalité soient dévoilées, révélant les multiples facettes d'une idée, les multiples niveaux de sa nature. C'est le vrai plaisir de ma peinture: présenter un tableau d'associations, un déploiement incessant de significations, pour offrir un aperçu d'un état de conscience plus universel, non lié par les limitations du temps et des conventions. "