Sculpture

La technique pour confectionner des sculptures en bronze a peu évolué depuis l'Antiquité. Le sculpteur modèle d'abord la cire, il la recouvre d'argile, fait couler le bronze, alliage de cuivre et d'étain, puis brise la terre-cuite pour ne laisser que l'objet en bronze. Très appréciée par les sculpteurs, il est robuste et survit parfaitement en extérieur. Sa superposition à la cire laisse transparaître énormément de détails contrairement à la sculpture en acier. Certaines nuances de couleurs peuvent être travaillées grâce aux patines. C'est en Mésopotamie, proche de l'Iran actuel, qu'il a commencé à être utilisé pour représenter des animaux dans l'art sacré. En Egypte, il est employé pour incarner des divinités mais aussi pour les statuettes placées dans les tombes des défunts. La Grèce Antique donnera au bronze son importance dans l'histoire de l'art lorsque ses artisans commenceront à sculpter des figures humaines et des divinités avec une réalisme impressionnant. De nombreuses pièces sont importées à Rome où la production de sculptures en bronze se développe. Très vite, des sculptures de bronze revêtent les théâtres et les maisons cossues. Admiratifs des compétences grecques, les Romains ordonnent des commandes à des marchands qui copient les moules des statues. A la naissance du christianisme, l'évangélisation et la construction d'églises sont les priorités. La création de bronzes est remplacée par celle de sculptures en pierre pour décorer les églises. C'est seulement au XIV siècle que les chefs-d'oeuvre sont redécouverts lors de fouilles de sites archéologiques italiens. Un siècle plus, tard, Brunelleschi et Ghiberti lancent le coup d'envoi de la Renaissance en décorant les portes du Baptistère en bronze. C'est d'abord Donatello, inspiré du style antique, qui excelle dans l'art de transmettre des émotions à travers des sculptures de bronze, puis Verrocchio, son élève (et maître de Léonard de Vinci !) qui le succède. A cette époque, même si la pratique se répand en Europe, elle se concentre principalement en Italie où se joue une compétition entre les sculpteurs pour obtenir le résultat le plus convaincant. Au XVIème siècle, le flamand Jean de Bologne s'impose comme le maître incontesté du bronze de son époque. Il sera l'artiste le plus copié du XVIIème siècle et on lui doit en partie la diffusion des sculptures de bronze en Europe. En Italie, la production de sculpture en bronze sera assez constante quelque soit l'époque contrairement à la France où cette technique dépendra beaucoup des régimes politiques. C'est lorsque Louis XIV invite des sculpteurs à sa cour (notamment pour décorer Versailles) que le bronze réapparaît dans la création, mais plus en tant qu'Art de Cours. La sculpture de bronze ressurgit au XIXème siècle avec Rodin et Camille Claudel, puis avec le Cubisme et le mouvement Art Déco. C'était une matière dispendieuse, lourde et chère à la vente, son utilisation est donc moins courante au XXème et au XXIème siècle, mais certains artistes l'utilisent tout de même : Marc Quinn, Giuseppe Penone, Germaine Richier ou encore Alberto Giacometti et ses étranges silhouettes, le bronze animalier de Brigitte Téman, les compressions de César Baldaccini, les papillons de Philippe Pasqua et les danseurs d'Olivier Messas mais également des sculptures natures morte en bronze. Il existe également des sculptures petits formats en bronze.

La sculpture animalière est un style à part dans l'histoire de l'art, il s'agit d'un genre spécifique au même titre que la sculpture de nu, la sculpture de marbre, la sculpture en bronze, ou encore la sculpture de résine. Cette sculpture met au coeur de sa pratique le modelage de figures bestiales et de corps d'animaux. Elle a pendant très longtemps été considérée comme un genre mineur vaguement décoratif en Europe occidentale. Et ce alors même qu'elle était par exemple d'une importance primordiale dès l'Antiquité en Égypte, comme en témoigne la forte présence d'édifices grandioses sur l'ensemble du territoire à l'effigie de félins, ou à l'image de Sphinx. De manière générale, l'animal ne trouvait sa place dans les arts plastiques qu'à travers des figures mythologiques qu'il accompagnait ou bien qu'il symbolisait. Outre cette dimension fantastique, la sculpture animalière monumentale eut par ailleurs énormément de succès auprès des puissances suzeraines qui voyaient dans les massives sculptures de bronze (de lion ou d'aigle) une éloquente démonstration de leur puissance. C'est toutefois seulement en 1831 que le sculpteur Antoine-Louis Barye donna pleinement et durablement ses lettres de noblesse à la sculpture animalière en présentant son oeuvre d'art Tigre dévorant un gavial au Salon de Paris. Au courant majoritaire de l'animal fantasmagorique d'art décoratif succède le souci naturaliste de représenter la faune telle qu'elle apparaît. Enfin l'animal vaut d'être copié et reconstitué avec soin tel qu'il est, la nature se suffit à elle-même et la dimension mystique est totalement rejetée au privilège de la fidélité minutieuse au pelage, aux muscles, à la gueule. Toute une nouvelle vague d'artistes sculpteurs célèbres émerge alors. Parmi ces novateurs on compte Pierre-Jules Mêne, Antoine Aigon ou encore Jean Germain Demay. Avec un certain goût pour la faune « exotique » (serpent, gazelle, éléphant, girafe, hippopotame...), tous s'attellent à mettre en scène le naturel dans des dimensions variées. Au XXème siècle l'obsession réaliste s'estompe, s'essouffle, et laisse peu à peu place à une nouvelle frange de créateurs qui font de l'art de la sculpture animalière un laboratoire d'expérimentation, et qui annoncent par la même occasion la sculpture moderne. De nombreux artistes s'essaient à la sculpture animalière et y appliquent leur nouveaux critères esthétiques. Critères qui font souvent largement échos aux mouvements artistiques contemporains : art abstrait, impressionnisme, cubisme, expressionnisme. Bien loin des créations du siècle passé, un nouveau bestiaire s'invente notamment sous l'influence surréaliste, ainsi qu'à l'aide de figures de renom telles que Pablo Picasso ou Alberto Giacometti qui marquent une véritable rupture dans la manière de sculpter l'animal. Dans la sculpture contemporaine, le respect des traits et des proportions du modèle cède à la volonté de faire de la sculpture animalière un moyen parmi d'autres de réinventer radicalement les procédés de représentation du vivant. On n'hésite plus à exagérer tel élément du corps, à en supprimer un autre, voire à hybrider totalement la bête. Pour vous faire une idée de l'actualité de la sculpture animalière, vous pouvez parcourir sur Artsper les statues d'animaux sculptées des artistes sculpteurs des plus grandes galeries d'art contemporain tels que Jacques Dufrane, de Raymundo Fabian Melchor ou encore de Roxana y Jesus Hernandez.

Le bois et la pierre sont certainement les premières matières manipulées par l'Homme pour fabriquer des outils. L'utilisation du bois est même mentionnée dans la Genèse de la Bible. Si son maniement est séculaire, sa faible résistance a entraîné la disparition de beaucoup d'objets. De 700 à 900, la plupart des sculpteurs de bois se trouvent dans les monastères. Étant peu nombreux et papillonnant de monastère en monastère, les sculptures qui nous parviennent de cette période sont assez similaires. Cette ère est marquée par les contraintes de l'iconoclasme : de nombreux objets religieux en bois ont été détruits car la représentation de sujets religieux est réprimandée. Beaucoup de sculptures sont également retrouvées en Angleterre et dans les pays scandinaves. Le bois est plus largement utilisé dans les pays d'Afrique pour la confection de masques, de statuettes, d'objets et également en Inde et dans l'art aborigène en Australie. En Europe, c'est au XVème et XVIème siècle, en Allemagne, que les sculpteurs gothiques sont plus prolifiques avec Tilman Riemenschneider, Veit Stoss, Michael Pacher, Gregor Erhart, Jorg Zurn. La sculpture de bois réapparaît au XVIIème siècle en Angleterre avec le maître Grinling Gibbons et ses ornements baroques. Il fait partie des rares sculpteurs sur bois à connaître une réelle reconnaissance en Angleterre. En France, c'est le mouvement Rococo qui réactualise la sculpture de bois avec des sculpteurs comme Lelange, Foliot et Cressent qui produisent principalement du mobilier. Les artistes modernes continuent de travailler le bois. Brancusi par exemple, a été baigné dans des traditions très classiques qui cherchent à révéler la matière et la forme dans le bois, Henry Moore lui taille des formes abstraites et suggestives dans ce matériau noble, Barbara Hepworth lui donne une forme incroyablement moderne, Paul Gauguin l'utilise pour renouer avec les techniques primitives… La sculpture sur bois est très différente d'autres techniques de sculpture comme la sculpture en résine ou enbronze car le bois est un matériau très délicat et qui demande de nombreux outils. Il faut d'abord assembler les planches dégauchies donc aplaties, et rabotées, calibrées. Les techniques à adopter diffère en fonction de la forme souhaitée car la sculpture peut prendre la forme d'un bas-relief ou d'un ronde bosse (d'une sculpture sur socle). Il faut ensuite tracer le dessin sur le support, retirer une première partie du bois, puis donner la forme à l'objet avec une frappe inclinée vers l'extérieur. Cette étape est suivie de l'épannelage, qui consiste à enlever l'excédent de matière à l'aide de gouges méplates et d'un burin. Il faut donner à l'objet sa forme définitive, y ajouter les détails et insérer des jeux d'ombres. Sur Artsper, retrouvez une sélection de sculptures de bois modernes à travers les oeuvres de Nando Stevoli,Gaspard Mitz, César Orrico, Marc Laffolay,Lesley Hilling ou encoreValérie Carmet.

La sculpture abstraite est un pur produit du XXème siècle ! C’est Auguste Rodin qui va marquer le début de la sculpture moderne et qui marquera l’arrêt de l’inspiration antique séculaire qui dominait la création en sculpture. Si les sculptures de Rodin respectent tout de même les règles antiques, elles vont donner l’impulsion à de nombreux sculpteurs du XXème siècle pour déroger aux conventions traditionnelles. Les sculptures de Rodin vont par exemple inspirer Brancusi et ses lignes simples et pures qui va à son tour préparer le terrain pour la sculpture abstraite. Le début du XXème siècle s’accompagne de nombreuses découvertes et notamment des avancées mathématiques qui fascinent les intellectuels. Au même moment, de nombreux artistes européens exilés trouvent refuge à Paris et s’inscrivent chacun dans différents mouvements, tous dans la recherche d’un monde meilleur. Car ce sont aussi les guerres qui incitent les artistes à se détacher de la réalité. De ce désir naît alors un langage tout nouveau, celui de l’abstraction ! Les artistes n’expriment plus une réalité à travers la figuration, mais à travers l’immatériel, la forme, la couleur… Le cubisme va justement initier cet emploi de la forme géométrique dans l’art moderne en abordant les objets de la réalité comme des formes que l’on peut représenter sous différentes facettes pour obtenir une perspective complète. Merci Pablo Picasso ! La sculpture n’est plus vouée à représenter la réalité telle que nous la voyons, mais la sculpture devient l’objet à part entière, elle en extrait l’essentiel. Les cubistes vont aussi adopter une plus grande liberté quant au choix des matériaux moins nobles qu’avant, peut-être par nécessité… Les mouvements qui suivent, comme le Dadaïsme, le néo-dadaïsme, le surréalisme, l’expressionnisme abstrait, le minimalisme vont tous enrichir l’art abstrait. Le futurisme italien se concentre sur la représentation du mouvement et annonce l’apparition de l’art cinétique où le mouvement est l’oeuvre d’art. Un artiste en particulier va profondément marquer la sculpture abstraite, il s’agit d’Alexander Calder. Ses mobiles sont constitués de fines pièces de métal lissées et reliées par du fil de fer. Sa palette de couleur est inspirée par Piet Mondrian, l’artiste avait d’ailleurs déclaré : « Je voulais faire des Mondrian qui bougent ». Jean Tinguely ou encore Nicolas Schöffer vont également s’illustrer dans l’art cinétique et la robotique. Puis Marcel Duchamp, dont les recherches tournent également autour du mouvement va introduire dans l’Histoire de l’Art ses premiers « ready-made » et induire l’idée qu’une oeuvre d’art peut être un objet manufacturé, c’est à l’artiste de lui attribuer le statut d’oeuvre d’art. Plus l’art s’approche ainsi du quotidien, plus les artistes se tournent vers des matériaux pauvres, des objets qu’ils recyclent. Après la seconde guerre mondiale, les artistes sculpteurs peuvent voir les choses en grand. Grâce à l’industrialisation notamment, ils peuvent concevoir des sculptures de plus en plus monumentales qui résistent aux intempéries et peuvent donc être installées en extérieur. Dans la sculpture contemporaine l’environnement est donc plus facilement pris en compte par les artistes. Dans le Land Art par exemple, Christo et Jeanne Claude créent des sculptures qui s’intègrent directement au paysage, les installations de Richard Serra elles, sont si monumentales qu’elle permettent aux visiteurs de déambuler à l’intérieur, dans le minimalisme, la sculpture et la matière est déterminée par son environnement car elle souligne justement le vide et l’espace autour d’elle. Parmi les plus grands sculpteurs contemporains, nous pourrions citer Anish Kapoor, Donald Judd, Louise Nevelson, Henry Moore, Barbara Hepworth, Louise Bourgeois ou encore Sol LeWitt. Sur Artsper, retrouvez les sculptures abstraites d’artistes contemporains comme Man Ray, Victor Vasarely, César ou encore Nando Stevoli...

La sculpture en acier apparaît réellement au cours du XXème siècle. Si auparavant, d’autres métaux précieux étaient couramment employés en sculpture, la révolution industrielle et l’urbanisation vont entraîner une plus large utilisation de l’acier dans les arts. Avant cela, la sculpture en bronze était préférée par les artistes sculpteurs lorsqu’elles étaient destinées à être installées en extérieur, le bronze étant un matériau également très résistant. Contrairement à d’autres métaux, l’acier est facilement modelable à haute température, et lorsqu’il est inoxydable, il devient très résistant aux épreuves du temps et à la rouille. Cela fait de lui l’allié parfait pour les sculptures extérieures. C’est d’ailleurs pour cela qu’il est fréquemment utilisé au cours du XXème siècle. Les sculptures en acier viennent orner les places des villes et les jardins. L'acier est souvent sculpté dans le cadre de réalisations de sculptures dans l'art contemporain, principalement pour des sculptures monumentales. L'un des artistes le plus réputé pour son utilisation de l’acier est Richard Serra. Dans sa production de sculptures rattachées au mouvement artistique minimaliste, l'acier y occupe la première place. Il commence par réaliser des sculptures avec des plaques d’acier et des rouleaux d’acier en équilibre sur le sol. Pour empêcher une évolution non maîtrisée du matériau, il les recouvre d’une solution qui leur donne l’aspect de la rouille. Ses sculptures s’intègrent tout à fait au lieu dans lequel elle sont placées, et l’environnement va d’ailleurs même influencer leur évolution. Le spectateur est alors interpellé par la sculpture imposante dans ses volumes, mais également séduit par la volupté des courbes et de la rouille. Un autre artiste extrêmement célèbre pour ses gigantesques Arcs en acier, et que vous aurez le plaisir de retrouvez sur Artsper, est Bernar Venet, dont les sculptures monumentales ornent les plus grandes villes. Parmis les plus grands artistes sculpteurs d’acier, on compte également Alexander Calder, dont le travail remarquable nous surprend par sa fragilité malgré la dureté du matériau. Ses mobiles colorés sont aujourd’hui mythiques. Comment un matériau aussi dense peut-il devenir si fin, subtile et léger ? Ses sculptures s'inscrivent dans l’art cinétique, et pourtant, elles fascinent par leur silence, leur équilibre, leur symétrie, leur fragilité... Dans un style tout à fait différent, César va utiliser l’acier et autres matériaux pour créer des oeuvres d’art bien moins subtiles, à l’instar de ses compressions, qui usent du plomb, du fer et de l’acier pour dénoncer la société de consommation. Enfin, parmi les artistes contemporains qui se sont illustrés pour leur maîtrise de l’acier, nous pourrions citer Jeff Koons et son fameux « Balloon Dog » en acier chromé. Jeff Koons a totalement rompu les codes de la sculpture traditionnelle avec cette oeuvre d’art qui transforme un ballon éphémère en une oeuvre presque éternelle. Tout comme la sculpture « Cloud Gate » d’Anish Kapoor à Chicago, l’acier donne ici à ces sculpture des propriétés réfléchissantes. Sur Artsper, retrouvez les sculptures modernes et les sculptures contemporaines des plus grandes galeries d’art et notamment de l’artiste japonais Tsuyu qui manie l’acier pour en faire des sculptures élégantes et poétiques, ou bien encore Nicolas Dubreuille et ses sculptures colorées et minimalistes, ou encore Paradox Creations qui s’inspire des mobiles d’Alexander Calder.

Dans la sculpture comme dans les autres arts, on peut dégager au sein de sa pratique plusieurs sous-genres distincts au travers de l’Histoire et des territoires. On peut citer la sculpture en bois, la sculpture de nu , la sculpture en bronze, la sculpture animalière, ou encore la sculpture de résine. Le genre de la sculpture est fondamentalement caractérisé ou bien par les thématiques de ses moulages, ou bien par la matière employée. L’usage de la résine comme médium est relativement récent dans l’histoire des arts. En effet, il faut attendre le XXème siècle pour que les artistes sculpteurs délaissent peu à peu le moulage en plâtre ou en bronze au profit de ce produit synthétique. La résine, comparativement aux autres matériaux de sculpture, présente un certain nombre d’avantages. Sa composition chimique assure un poids raisonnable (ce qui facilite grandement les transports), une grande capacité d’adaptation aux divers besoins de la création, et une résistance de premier ordre, que ce soit en intérieur ou en extérieur. Pareille palette d’innovations rend très vite l’usage de la résine dans la réalisation d’épreuves un véritable incontournable. L’un de ceux qui ont largement participé à la popularisation de la résine de polyester dans le milieu de l’art moderne est Duane Hanson, un sculpteur décisif appartenant au mouvement du pop art et de l'hyperréalisme. Pour réaliser ses moulages directement sur ses modèles, il emploie la résine dont les qualités chimiques lui permettent de reproduire jusque dans des détails infimes les habits, la physiologie, et les traits de ses modèles. Rarement auparavant un tel degré de fidélité au représenté avait été atteint, et le mérite en revient en une certaine mesure à la révolution qu'a représentée la découverte de la résine de polyester. Si il est vrai que la résine accomplit des merveilles dans la recherche d’une représentation fidèle de la nature, il est également vrai que ce matériau fût très utilisé dans l’art sculptural du nouveau réalisme qui s'éloigne résolument de cette volonté d’être loyal aux caractéristiques physiques du modèle. À titre d’exemple la fameuse plasticienne française Niki de Saint Phalle, de son vrai nom Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle, utilisa régulièrement la résine polyester pour créer ses oeuvres d’art, notamment ses sculptures monumentales de femmes : les Nana. Invention scientifique récente, la résine a séduit une large frange d’artistes sculpteurs notamment des sculpteurs français que ce soit pour représenter avec exactitude un modèle, ou pour créer des figures hallucinées et pop. Artsper présente une large collection de sculptures modernes et de sculptures contemporaines en résine d’artistes mondialement connus comme Xavier Veilhan, ou de créateurs émergents tel Bernard Rives, Anne Juliette Deschamps ou encore Maria De Campos. L’hétérogénéité de ces oeuvres d’art contemporain est l’éloquent témoignage du caractère protéiforme de la sculpture de résine.

La sculpture d'argile a l'avantage d'être douce, à la fois au touché mais aussi à la vue grâce à ses courbes et sa texture veloutée. La glaise est composée d'un mélange de terre et d'eau qui permet un modelage plus facile et agréable. Cette matière brute est souvent privilégiée par les sculpteurs inspirés par la nature et la vie car en tant que matière organique, elle révèle leur beauté éphémère. En effet, l'argile à la beauté fragile car c'est un matériau friable et hydrophobe qui renforce sa pureté et rareté. Argile blanche, grise, rouge, terracotta ou cendrée, elle est utilisé aujourd'hui par de nombreux artistes tels que Reno, Kazuhiko Tanaka, Cecilio Sanchez Fierro, Anna M. White ou encore Maxime Piccoli.