Peinture

Le street art est un mouvement artistique contemporain qui regroupe toutes les formes d'art réalisées dans la rue ou et plus largement dans l'espace public. En français, on l'appelle « art de rue » ou « art urbain ». Au sein de ce mouvement, l'espace public est un moyen d'expression et de diffusion à l'adresse du plus grand nombre. Loin d'être une nouveauté dans l'histoire, le graffiti moderne marque les débuts du street art. Il naît dans les années 60 aux Etats-Unis, dans la ville de Philadelphie. Un habitant de la ville commence à écrire son nom sur les murs de la ville pour attirer le regard de celle qu'il aime. Il est par la suite imité par de nombreux autres citadins. A la fin des années 60, la pratique se diffuse et atteint New York, dans un contexte de densification des transports urbains et de bétonisation des villes, d'apparition des banlieues et d'omniprésence de la publicité. En parallèle, la commercialisation des bombes de peinture encourage également la propagation de la pratique. Les premiers pas du street art s'inscrivent ainsi dans un esprit vandale. Parmi les graffeurs les plus célèbres de l'époque, on trouve Quik, Futura 2000 ou encore Phase 2. Le graffiti peut lui même recouvrir plusieurs formes, comme le tag (signature) ou encore la fresque, oeuvre d'envergure où décors et motifs s'ajoutent au lettrage. Peu à peu, le street art se diffuse dans le monde entier, et de nouveaux modes d'expression urbains apparaissent, comme le pochoir ou le sticker. Chaque artiste peintre s'impose avec une marque de fabrique, que l'on reconnaît à travers la signature ou bien au style du graffiti pour les aguerris… le rat de Banksy, les mosaïques d'Invader, les bonhommes blancs de Jérôme Mesnager... En France, le street art fait ses débuts à l'aube des années 70, mais ne s'épanouit que dans les années 80, avec des artistes comme Blek le rat et Jérôme Mesnager. De nouvelles dynamiques apparaissent, et notamment une pérennisation des oeuvres. Celle-ci s'explique par différents facteurs. De plus en plus d'artistes souhaitent conserver leurs oeuvres d'art et peindre plus sereinement, d'autant plus que la répression policière des artistes vandales se fait plus dure dans les années 80 et 90. Le street art suscite également l'intérêt des galeristes la première exposition d'oeuvres d'un graffeur ayant lieu dès 1972 à New York. Cette sortie de la rue pour entrer dans le marché de l'art questionne l'essence même du mouvement et divise les artistes, beaucoup craignant l'institutionnalisation. Aujourd'hui, beaucoup d'artistes allient oeuvres de rue et oeuvres réalisées en atelier exposées dans les plus grandes galeries d'art contemporain. La rue devient ainsi un tremplin pour accéder à la reconnaissance. Les street artistes les plus cotés sur le marché de l'art continuent souvent leur pratique dans la rue de manière légale, sur des espaces autorisés. Les plus grands noms du street art actuel emploient donc ce medium : JonOne, Shepard Fairey, Blek le Rat, Jef Aérosol, Banksy ou encore Miss Tic. Sur Artsper, vous pourrez retrouver une grande sélection de tableaux contemporains de street artistes reconnus comme émergents. Découvrez les oeuvres d'artistes contemporains célèbres comme le mythique M. Chat, mais aussi les oeuvres minimalistes de l'Atlas, les portraits saisissants de Jef Aerosol, ou encore les oeuvres colorées et géométriques d'Okuda.

La peinture abstraite est une forme d'expression qui s'affranchit de références et de repères ancrés dans le réel, où la ressemblance n'est plus une prérogative requise, bien au contraire. Elle est par essence opposée à la figuration, au concret, qui va nous montrer à voir une représentation identifiable. Mais si le sujet ne s'inscrit pas dans une vérité que l'on reconnaît de prime abord, il n'en reste pas moins un vecteur de sensations et d'émotions. On associe la naissance de l'abstraction à la révolution picturale engagée par Vassily Kandinsky au XXème siècle. S'il est effectivement l'un des pionniers du mouvement, il amorce cette rupture en concomitance avec Kazimir Malevitch, Piet Mondrian et Kupka. Kandinsky va établir les fondements de l'abstraction à travers ses écrits autant que ses tableaux. En 1910 il publie son essai « Du spirituel dans l'art et dans la peinture en particulier» dans lequel il va faire l'apologie de la portée symbolique de chacun des éléments d'une toile, permettant d'atteindre la dimension spirituelle présente en art. Cette même année, il dévoile sa première œuvre abstraite intitulée « aquarelle abstraite ». L'art abstrait est né, il transperce la figuration pour atteindre directement le sensible sans passer par l'identification des formes. Plusieurs sous-courants vont alors émaner. C'est ainsi que Kazimir Malevitch va s'illustrer par son désormais mythique « Carré noir sur fond blanc » en 1915, suivi de son « Carré blanc sur fond blanc » en 1918. L'artiste parle ici de Suprématisme. Il voit la peinture comme un ensemble de forces autonomes évoluant les unes par rapport aux autres sur le support en quête d'un équilibre. L'abstraction peut également devenir lyrique quand elle s'accorde en musique. Le « Tableau avec l'Arc noir » de Kandinsky en est le parfait exemple. Peint en 1912 en grand format, on l'identifie comme étant l'œuvre qui a définitivement sonné l'avènement d'une nouvelle ère dans l'Histoire de l'art. Au-delà de ses recherches sur la composition entre les formes et les couleurs, Kandinsky est atteint de synesthésie. Une position qui laisse présumer qu'il s'agit là d'un élément déclencheur pour l'artiste peintre qui va faire de cette particularité un nouveau langage. Ses sens s'entremêlent, métamorphosant le son en formes et en couleurs. Le rapport aux couleurs de Kandinsky dépasse de loin l'esthétisme, il est intrinsèque à sa vision du monde. Dans ce tableau abstrait, chaque couleur entre dans une mise en scène bien précise et dispose d'une abondante charge symbolique. Tel un orchestre transposé sur une surface plane, Kandinsky nous donne à voir un opéra de Wagner dans cette œuvre abstraite. En parallèle et en opposition à l'abstraction lyrique, se positionne l'abstraction géométrique, qui résume cette première à du « paysagisme abstrait ». Comme le sous-entend son nom, cette nouvelle abstraction va être à la recherche d'une épuration totale de la toile aux travers des formes géométriques. Lignes, carrés, triangles, et ronds se répondent en couleurs et en aplats sur un espace bidimensionnel. Kupka va incarner cette tendance, ne souhaitant pourtant pas s'y rattacher en considérant la peinture comme un art tout ce qu'il y a de plus concret. A ses côtés, Mondrian va finir d'établir l'abstraction géométrique. Allongeant les formes et les rectangles, il va vouer un véritable culte à l'angle droit et construire ses tableaux autour d'une trame orthogonale, le tout dans une optique d'économie de moyen. Enfin, on pourra noter l'impact de Robert et Sonia Delaunay dans l'évolution de l'abstraction. Multipliant les cercles et les enchevêtrements de couleurs, ils séduisent le critique et poète Apollinaire qui va définir leur art d'Orphisme. Une appellation qui fait référence au personnage mythologique Orphée, ainsi qu'au titre d'un de ses poèmes, évoquant pour Apollinaire le « langage lumineux » présent dans leurs travaux. En ce sens, l'Orphisme se rapproche davantage d'un pan de l'abstraction lyrique que géométrique. Bien qu'elle soit une réelle rupture avec ce qui la précède, cette révolution artistique qu'est l'art abstrait, n'est que la suite logique du processus déjà engagé par les artistes antérieurs. Le fauvisme a notamment permis au début du siècle d'engager des recherches sur l'utilisation et le pouvoir des couleurs, tandis que le cubisme a amorcé les premières déconstructions des formes tout en jouant sur le terrain de la géométrie. De la même manière, l'expressionnisme allemand débuté en 1905 a propagé une idéologie neuve relative à l'art, valorisant une émotion indépendante, détachée de la réalité du monde. C'est avec l'abstraction que la peinture moderne touche à son apogée et à son épanouissement. En ne prenant plus appui sur un sujet perceptible, limité, une frontière se brise, permettant ainsi à l'art abstrait d'arborer un langage universel. L'abstraction s'est amplement diffusée depuis lors et trouve aujourd'hui toute sa consistance dans la pensée contemporaine.

Au sein de l'histoire de l'art, la peinture de paysage ou de nature en général occupe une place toute particulière à distinguer d'autres genres consacrés tels que la peinture d'histoire, la peinture de genre et le portrait. La volonté de placer au coeur de l'oeuvre des éléments naturels se retrouve dans toutes les parties du monde. Très pratiquée en Occident, elle est également une spécialité nippone et chinoise. En Europe, malgré une indéniable persistance du genre de l'Antiquité à la modernité, la peinture de paysage ne s'affirme que dans le courant du 15ème-16ème siècle et ce notamment grâce aux oeuvres du peintre anversois Joachim Patinier. Pour l'une des premières fois dans l'art pictural occidental le paysage est véritablement le sujet figuratif de la toile. Un autre élément majeur participe à l'émergence de la peinture de paysage comme genre à part entière : l'impact de l'influence protestante aux Pays-Bas. Le protestantisme est une doctrine profondément iconophobe, elle interdit l'image biblique -toujours soupçonnée de provoquer l'adoration idolâtre. Se développe ainsi entre le XVIème et le XVIIème toute une frange de créateurs flamands et hollandais spécialisés dans la représentation de scènes pastorales, de natures mortes et de paysage de tous type : paysage d'automne, paysage enneigé, paysage de provence, paysages de jardins, paysage de campagne etc. Le peintre français Claude Gellée, dit le Lorrain, a été retenu parmi tant d'autres par les historiens de l'art comme le paysagiste qui a donné à l'art de la peinture de paysage ses lettres de noblesse. Mais des artistes tels que Watteau, Vermeer ou encore El Greco pourraient également être cités, chacun dans son style de peinture propre. À partir du XIXème la peinture de paysage n'est plus seulement décorative, et elle n'a plus rien à prouver. La plupart des artistes peintres s'inspirent des techniques propres à ce genre, et sa production égale en terme de quantité la peinture de portrait. L'arrivée de la photographie dans les années 1850 et le développement du romantisme participent également largement à la démocratisation du paysage comme motif principal de l'oeuvre. D'autre part l'industrialisation de masse conduit beaucoup d'artistes à ériger la nature au rang d'expression sublime d'une “vérité" qui se perd et se corrompt dans les villes. William Turner et Caspar David Friedrich font alors de la figuration de la nature des moyens de communiquer des états d'âme mélancoliques et torturés, de représenter des émotions à l'état pur. Enfin, le voyage est largement glorifié et la quête d'exotisme motive le mouvement orientaliste qui illustre un certain imaginaire des contrées étrangères. L'impressionnisme d'un Claude Monet à la fin du XIXème siècle accomplit une véritable révolution dans la pratique de la peinture de paysage, et marque un tournant décisif de l'histoire de la peinture en mettant l'accent non pas sur l'exactitude naturaliste du trait et la fidélité au modèle, mais sur les effets de lumière. Le tableau de paysage ne doit plus être similaire au représenté, mais exprimer une impression subjective, une perception singulière. Dans le courant du XXème siècle, une multiplicité de mouvements artistiques réinterprètent tour à tour l'art de la peinture de paysage. Aux moulins symbolistes de Piet Mondrian on peut opposer, à la même époque, les maisons sobres et solitaires du realiste Edward Hopper. Le cubisme, le surréalisme, et même le mouvement abstrait firent eux aussi l'épreuve de la peinture de paysage. En somme, ce genre est presque devenu un incontournable à partir du XIXème siècle, même si la volonté de représenter la nature, ses structures, et ses formes n'a pas toujours répondu au même motif. Nous pouvons également penser aux peintures deVan Gogh dont Nuit étoilée Pour découvrir toute la variété actuelle de la peinture de paysage que ce soit en peinture acrylique ou en peinture à l'huile chez les artistes contemporains, il suffit de parcourir nos tableaux modernes et contemporains. Plongez à travers les paysages ruraux, les peintures de plages ou les tableaux de Montagne, ainsi que les forêts et des peintures d'arbres. Vous y retrouverez les oeuvres d'art d'Hervé Di Rosa à Nicolas Fropo de Habart, et de Olle Svanlund à René-François Grégogna.

Le portrait est l’une des pratiques les plus importantes de la peinture. La discipline a beaucoup évolué à travers les époques et son histoire est passionnante. A l’antiquité, les portraits étaient exclusivement réservés aux dieux et aux personnes les plus influentes de la société. Des peintures de portraits et des statues représentant les corps des défunts étaient érigées pour orner les tombeaux en Egypte. Peu ressemblants, ils étaient très standardisés et s'appliquaient à représenter chaque partie du corps, donnant finalement un rendu peu naturel. A l’inverse des Egyptiens, en Grèce, les peintres et les sculpteurs, dotés d’une meilleure connaissance de l’anatomie, se souciaient davantage de la ressemblance des corps. On retrouve ainsi beaucoup de peintures de dieux et d’épisodes mythologiques sur des vases. Au Moyen-âge, beaucoup de portraits sont des oeuvres de commande où les plus hauts placés de la société de l’époque se mettaient en scène dans des épisodes religieux afin de souligner leur piété, leur foi mais aussi leur statut social. Une fois la commande réalisée, ces oeuvres font souvent l’objet de donations à l’Eglise et aux monastères. La Renaissance marque une époque de renouvellement pour les arts et la pratique du portrait n’y fait pas exception. Au début de cette période, la ressemblance et le souci du réalisme n’est pas pris en compte par l’artiste. Les sujets représentés sont identifiables par des objets symboliques qui les définissent, et leur nom figure invariablement sur le tableau. C’est Giotto di Bondone qui révolutionne le portrait, en se calquant sur la sculpture. Il commence à peindre les ombres, les raccourcis, les effets de profondeur, les expressions des sujets, et très rapidement, son savoir alimente les techniques des plus grands peintres de l’époque. Brunelleschi va ensuite introduire la notion de perspective en architecture, puis Masaccio l’adapte à la peinture. L’italie devient le foyer du portrait, et les plus grandes familles italiennes (notamment la famille Médicis) s’arrachent les oeuvres d’art des plus grands artistes peintres. La concurrence entre ces derniers les pousse à innover et à créer de nouvelles techniques de peinture. Un exemple d’innovation est l’art de l’autoportrait qui naît à cette époque : les peintres apparaîtront dans leur toile d’abord de manière discrète tel une signature (par exemple Van Eyck dans le tableau “Les Epoux d’Arnolfini” ou dans le tableau de Boticelli, “L’adoration des mages”) puis comme sujet à part entière de l’oeuvre à partir du XVème siècle. Cette concurrence les pousseront à produire les plus grands chef d’oeuvre de l’histoire. Le plus fameux est sans doute « La Joconde », de Léonard de Vinci... En peu plus au Nord de l’Europe, au XVIème siècle, l’art flamand est restreint par l’iconoclasme, c’est « La Réforme », période pendant laquelle il n’est plus autorisé de représenter des figures religieuses. Les portraitistes se réfugient dans l’art de cour qui abonde dans les siècles suivants. Pourtant, un siècle plus tôt, l’art flamand avait marqué un tournant avec Jan Van Eyck, inventeur de la peinture à l’huile, maître du détail, influençant toute une génération de peintres européens à manier l’art de la peinture à l’huile sur toile. Les siècles suivants, l’art du portrait est toujours réservé aux plus hautes castes de la société, mais de plus en plus de peintres se soucient de l’expression et du réalisme. D’ailleurs, au XXème siècle, on embellit de moins en moins les sujets (parfois à leur grand désarroi). A la fin du XIXème les peintres du mouvement impressionniste se détachent de plus en plus des modèles sculptés et de l’influence de la sculpture pour sortir de l’atelier et capturer la lumière telle qu’ils la voient et représenter un ensemble de sujets et non plus objet par objet. Enfin, l’art moderne et l’art contemporain du XXème siècle autorisent au portrait tous les écarts. Des artistes peintres comme Gustave Klimt, Pablo Picasso, Modigliani et beaucoup d’autres artistes s’accaparent cette science maintenant codifiée qu’est celle du portrait pour l’entraîner dans des dérives stylistiques détonnantes ! Sur Artpser, retrouvez les tableaux contemporains de portraits de Philippe Pasqua,Robert Combas, Guangyu Dai, ou encore Erró mais également des tableaux modernes de portait.

La géométrie a toujours constitué l'un des fondements des inventions des artistes à commencer par les pyramides dans l'art égyptien, ou le recours au nombre d'or de l'Antiquité grecque et romaine à la Renaissance. Au 20e siècle, elle est au cœur de l'art abstrait et est au cœur du mouvement minimaliste. Parmi les artistes dont les œuvres ont une dominante géométrique on peut citer: Piet Mondrian, Malevitch, Vassily Kandinsky, Fernand Léger, Theo Van Doesburg, Victor Vasarely 

Le terme pop art est l'abréviation de “popular art" et désigne un mouvement artistique qui trouve ses origines dans le Royaume-Uni des années 1950, avant de se répandre rapidement à travers le monde. Le pop art touche autant la musique que la mode et les arts plastiques (collage, sculpture...). Au niveau pictural, les œuvres de pop art américaines répondent à une logique de sérialité, et se basent sur un certain nombre de procédés, directement issus de l'innovation industrielle. Au nombre de ces petites révolutions techniques dans l'histoire de la peinture, on compte notamment la peinture acrylique, une peinture synthétique composée de pigments, de résine et d'essence de térébenthine. Contrairement à la peinture à l'huile, la peinture acrylique présente l'avantage de sécher extrêmement vite, ne nécessite pas de vernis, et se conserve très bien.Autre élément déterminant : la popularisation de la sérigraphie, une technique d'imprimerie basée sur l'usage du pochoir. Dans un cas comme dans l'autre, ces innovations firent tout d'abord l'objet d'un certain mépris, mais deux figures fondamentales du pop art ont permis de largement populariser ces techniques.En effet, Andy Warhol et Roy Lichtenstein sont parmi les pionniers à avoir ouvertement affiché leur préférence pour ces nouvelles méthodes. En mobilisant des techniques autrefois exclusivement réservées au domaine industriel, ces deux figures majeures du Pop Art réalisèrent une petite révolution dans l'histoire de l'art. La peinture contemporaine n'était plus cet objet sacralisé dont la valeur s'estimait à la rareté et au choix élaboré du sujet.Le pop art américain tourne le dos à une longue tradition artistique et annonce, déjà, les prémices de l'art contemporain postmoderne en choisissant pour modèle des objets du quotidien, de la culture de masse (canette Campbell, Coca-Cola). Plus encore, des objets intentionnellement banals, populaires, voire vulgaires.Pour marquer encore un peu plus la rupture avec les modèles passés des Beaux-Arts, le pop art emploie une palette chromatique aux teintes très vives, souvent basée sur les trois couleurs primaires : rouge, jaune, bleu. Ces couleurs toniques se retrouvent appliquées similairement sur des dizaines, voire des centaines de supports avec une composition plus ou moins kitsch.Cette critique importante et souvent ironique de la société consommatrice passe également par la représentation de figures de pop culture, adorés à cette époque (Marilyn Monroe, Mick Jagger, Mickey Mouse, Audrey Hepburn). Ces illustrations qui rappellent l'esthétique des illustrations publicitaires ou les planches de BD sont caractérisées par des tracés très simples, avec un minimum de détails. La volonté de désacraliser l'art n'est pas sans rappeler la démarche dada ou celle de l'avant-garde de Marcel Duchamp. Mais ici il s'agit surtout, pour le pop art américain et britannique, d'assurer l'accessibilité de la culture au plus grand nombre. Le style pop s'impose très rapidement en même temps qu'il crée une nouvelle manière de peindre. La démarche du pop art souligne la foi dans la puissance des images, nouveaux fétiches des sociétés de consommation industrielles. À partir des années 70 toutefois, un grand nombre des artistes peintres du mouvement décident d'abandonner le pop part au profit d'un art plus directement contestataire, qui se méfie des icônes.Retrouvez sur Artsper des peintures pop art des plus grands artistes contemporains Pop Art comme Andy Warhol, Roy Lichenstein,Tom Wesselmann, Jasper Johns ou David Hockney, mais également des tableaux pop art d'artistes émergents ou en vogue.

Forme de beauté épurée par excellence, le minimalisme englobe la simplicité, la géométrie, et adopte généralement une palette monochrome. Rejet de la figuration et extension de l'abstraction, le minimalisme n'est pas soumis aux limites de l'art. Au contraire, il repousse ces barrières et cherche de nouvelles façons de le définir. En refusant intentionnellement la reproduction de la réalité, il se concentre sur la réaction du spectateur face à l'œuvre. Vous aimez le minimalisme ? La peinture est votre médium préféré ? Combinez ces deux aspects pour découvrir votre œuvre d'art idéale parmi les peintures minimalistes sur Artsper !

Le nu est un genre artistique qui remonte à l'Antiquité et traverse tous les arts. Il fait partie de l'apanage de la formation artistique classique avec la tradition de l'esquisse d'après modèle vivant en atelier. Du réalisme à l'abstraction, le nu en peinture continue de peupler la création contemporaine et cela, d'autant plus que nous vivons dans monde où l'image et l'apparence sont au centre de l'attention. La représentation de corps nus est présente dans l'art dès l'Antiquité, avec des corps nus en bas-reliefs en Egypte, même si le dessin en raccourcis n'est pas encore inventé, les corps sont bien présents. De la Grèce Antique, nous retenons tous les représentations de corps parfaits. Les héros et les dieux aux torses dessinés et aux corps athlétiques sont alors représentés en sculpture ou sur des vases. L'art romain va fortement s'inspirer des nus grecs, puis la Renaissance va être une période très prolifique pour le nu. Les recherches sur l'anatomie se ressentent dans l'art. Des artistes comme Michel-Ange ou Albrecht Dürer s'illustrent particulièrement dans la peinture sur toile de nu. Ce n'est qu'à partir de 1568, avec la Contre-Réforme que la peinture de nu est prohibée dans les lieux de culte. Les artistes emploient alors des subterfuges pour masquer les sexes à l'aide de caches-sexe, de la chevelure du sujet ou bien encore de drapés. Bien sûr, les plus grandes familles de l'époque comme les Médicis continuent tout de même de commander des tableaux de scènes mythologiques où figurent des nus... Par la suite, le tableau de nu sera régulé par l'époque, la mentalité ou encore la politique. Des corps meurtris, dramatiques et exagérée à la manière de Rembrandt ou Caravage dans l'art Baroque, un retour à l'antique dans le Néo-Classicisme, des nus dans des scènes de guerre ou de révolution avec le Romantisme... Le nu devient alors un réel défi pour les artistes peintres tant sa maîtrise est difficile. D'autant qu'au cours du XIXème siècle, les toiles de nu sont très codifiées pour être acceptées. Un nu doit représenter la pureté, la virginité, il doit être d'inspiration antique et rappeler la figure religieuse. A l'apparition du Romantisme donc, le nu assume sa sensualité sans pour autant choquer. Ce n'est qu'avec la montée du Réalisme que certains nus vont faire scandale. On retient particulièrement « Olympia » ou encore « L'origine du monde », qui rompent totalement avec les conventions picturales de l'époque, autant dans l'attitude du modèle que dans son statut social ou sa mise en scène. Au travers des âges, la représentation des corps nus s'est fait le reflet des standards de beauté des sociétés mais aussi de ses angoisses : les corps décharnés d'Egon Schiele ou la palette de couleurs blafardes de Lucien Freud reflètent l'état d'esprit torturé d'une époque au-delà d'une simple esthétique personnelle. Parmi les grands noms de l'art moderne et contemporain qui se sont essayé à ce genre multiséculaire, on peut citer les artistes modernes Gustav Klimt, Lucien Freud, Francis Bacon, Egon Schiele, Jenny Saville, Eric Fischl ou encore Philippe Pearlstein. Dans les incontournables d'Artsper, ne ratez pas les tableaux contemporains des artistes contemporains Philippe Pasqua, Robert Combas ou Guy Denning et les tableaux des artistes les plus prometteurs des plus grandes galeries d'art internationales.