Bronzeskulpturen
Vereinigtes Königreich
• 1966
Biografie
Marcus Hodge (* 1966) ist ein zeitgenössischer britischer Künstler, dessen Werk für seine Vitalität und skulpturalen Verwendung von Farbe bekannt ist. Er versucht, beim Betrachter mit minimaler Sprache eine instinktive Reaktion hervorzurufen. Im Zentrum seiner Arbeit steht das Nebeneinander von Energie und Stille, in dem viszerale Farbschichten interagieren, um einen Blick auf das zu werfen, was darunter liegt.
Bei begrenzten Mitteln gehen es bei Gemälden weniger um die Fertigstellung als vielmehr um den Prozess - einen Prozess des Nichtwissens, der etwas enthüllen kann, nach dem Sie nicht gesucht haben. Das Bild befindet sich im mysteriösen und unwiderstehlichen Prozess der Malerei. Zu Beginn seiner Karriere machte sich Hodge als Porträtmaler einen Namen. Nach einer fünfjährigen Ausbildung in klassischer Ölmalerei in Spanien im reinsten spanischen "Alla Prima" -Stil kehrte er 1996 nach Großbritannien zurück. Innerhalb von zwei Jahren stellte er bei der Royal Society of Portrait Painters aus und wurde von Harpers und Queen unter den britischen A-List-Porträtmalern ausgewählt.
Hodge besuchte Indien zum ersten Mal im Jahr 2000. Diese Reise war der Beginn einer intensiven Faszination für Indien und wurde zur treibenden Inspiration für seine erste Einzelausstellung. Mit jeder weiteren Einzelausstellung entwickelte sich sein Stil immer gewagter und einfacher, da die figurative Malerei der Abstraktion Platz machte. Die Bilder wurden von impressionistischen Bronzeskulpturen begleitet, als sein Interesse an diesem dreidimensionalen Aspekt zunahm.
Nach seinen Reisen nach Indien im Jahr 2016 begann Marcus Hodge, seinen Bildfortschritt kühn neu zu erfinden, wobei er einen radikalen Wechsel in Stil und Thema vorantrieb. Aus dieser neuen künstlerischen Umgangssprache wurden seine Serien Getaway und Tantric geboren. Hodge gab die traditionellen Methoden seines Handwerks auf und erkannte die Notwendigkeit einer Änderung, um seine Eindrücke von Indien zu vermitteln. Seine abstrakten Arbeiten zeichnen sich durch gestische und energetische Striche dichter Farbe aus, mit dicken Schichten überlagerten Pigments, die direkt auf das Medium aufgetragen werden und manchmal verschmelzen und manchmal gewagte Kontraste erzeugen. Verschiedene Werkzeuge wie große Spatel, Messer und Holzlängen werden verwendet, um die Elemente Risiko, Zufall und Chance einzuführen. Jedes Gemälde wird einzigartig auf der Suche nach dem Unerwarteten von Hodge.
Die visuelle Sprache ist druckvoll und minimal, das Layout ist einfacher und intuitiver. Die quadratische Form, die die gebundene Erde darstellt, taucht aus der Oberfläche auf, wie eine erste Spur von Existenz, die sich plötzlich in einer Leere des Nichts materialisiert. Das Bild des roten Quadrats erscheint in jedem Werk, seine starken Ränder sind fast in die Oberfläche eingraviert. Rot als Farbe für Kraft, Vereinigung und Fruchtbarkeit und Quadrat als Form für die gebundene Erde, eine Form, die in der Architektur von Tempeln und heiligen Stätten verwendet wird. Für jedes Quadrat wird ein kontrastfarbener Bindi-Tropfen zum Mittelpunkt und Energiezentrum der Komposition und gleicht mit seiner Stille die umgebende Landschaft der Striche aus.
Vorstellungskraft und Prozess sind in Hodges künstlerischer Praxis von wesentlicher Bedeutung, kombiniert mit dem lebendigen Einsatz von Farben, kontrollierter Technik und der Vielfalt der von ihm verwendeten Werkzeuge.