Farben

Die Arbeit mit Farbe ist in jedem künstlerischen Werk von zentraler Bedeutung. Sie ist sogar eines der ersten Werkzeuge des Künstlers. Es ist schwer, sich ein Werk vorzustellen, das ohne die Arbeit mit Farbe existieren würde - selbst wenn es die Abwesenheit von Farbe ist, die der Künstler zu präsentieren wählt.

Im Laufe der Epochen und Kunstbewegungen haben sich die Verwendung und die Bedeutung, die der Farbe zugeschrieben wird, verändert, doch das Wesen der Farbe bleibt gleich. Jeder Künstler muss ihre Eigenschaften beherrschen, um seine Komposition steuern zu können. Bei der Restaurierung von Gemälden wird die Farbe sogar zu einer Wissenschaft, da man die verschiedenen Moleküle kennen muss, um die Farben und Mischungen wiederzufinden, die der Künstler ursprünglich verwendet hat.

In der Kunstgeschichte schwankt die Bedeutung der Farbe je nach Epoche und geografischem Gebiet. Während der italienischen Renaissance gab es zum Beispiel eine Debatte (Paragone genannt) über die Autorität der Farbe gegenüber der Zeichnung: Je nach Schule war es die Farbe und nicht die Zeichnung, die die Emotionen und die visuelle Kraft eines Kunstwerks erzeugte. Die Farben erhalten somit eine immense Bedeutung und nehmen bestimmte Bedeutungen an: Weiß symbolisiert zum Beispiel Reinheit, und Blau (das systematisch als Kleid der Jungfrau Maria verwendet wird) wird mit der Göttlichkeit in Verbindung gebracht. Diese Symbolik ist nicht zufällig: Purpur zum Beispiel wird seit der byzantinischen Zeit verwendet, um den höchsten Grad der Königswürde zu bezeichnen. Im Gegensatz zu Ocker stammte das Purpurpigment aus einer bestimmten Muschel und war äußerst schwierig - und damit selten und teuer - zu beschaffen.

Ganz allgemein lassen sich Farben in drei Kategorien einteilen: warme Farben, kalte Farben und neutrale Farben. Wie der Name schon sagt, strahlen diese Farbklassen eine Atmosphäre aus, die der Maler nutzen kann, um die Emotionen in seinem Werk zu beeinflussen. Die Barockkunst zum Beispiel manipuliert die Kontraste zwischen warmen und kalten Farben, um die Kraft der Körper einzufangen. Das Spiel des Lichts wird durch Farbeffekte hervorgehoben. Lange Zeit verlangte die traditionelle westliche Schule der Malerei, dass die Maler die Farben der sie umgebenden Umwelt wiedergeben. Im 19. Jahrhundert erforschten die Impressionisten andere Möglichkeiten, ihre Farbumgebung zu sehen und auf die Leinwand zu übertragen. Indem sie komplexe Mischungen vermieden und spontan unter freiem Himmel malten, erfanden die Impressionisten die Verwendung von Farbe zur Abbildung der Realität neu.

Erst die abstrakte und subjektive Malerei sollte erreicht werden, bevor sich die Kunst der Farbe als Thema widmete. Mark Rothko, der Vorreiter der Colorfield-Painting-Bewegung und des Abstrakten Expressionismus, sieht in seinen Bildern einen lebenden Organismus, dessen Farbe menschlich und dessen Format transzendent ist. Piet Mondrian hingegen wird in seinen Gemälden versuchen, sich durch die Reinheit der Primärfarben dem Wesen der Natur anzunähern und so die Abstraktion zu erreichen. Der Gründer der russischen Avantgardebewegung des Suprematismus, Kasimir Malewitsch, verwirrte die Sinne eines jeden mit seinem Werk "Weißes Quadrat auf weißem Grund", in dem die Farbe nur um ihrer selbst willen gemalt wird. Auch die zeitgenössische Kunst, die Fotografie, die Collage und die Pop-Art nutzen die Möglichkeiten der Farbe auf ihre eigene Art und Weise und erforschen auf unbestimmte Zeit alle ihre Vielfältigkeiten. Wie Pablo Picasso schon sagte: "Wenn ich kein Blau habe, nehme ich Rot".

Artsper schreibt die Kunst in Farbe: Entdecken Sie unten eine große Auswahl an Werken, die die Farbe und ihre Eigenschaften in den Mittelpunkt stellen. Was gibt es Besseres, um eine Einrichtung aufzupeppen?

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