von Jean-Baptiste Bernadet

In seinen Philosophischen Untersuchungen sprach Wittgenstein von der Struktur unseres Denkens, wie sie vor einer leuchtenden Entdeckung gegeben ist, wenn noch Widersprüche zu hinterlegen sind, die gelöst werden müssen. Die Aufgabe aller kreativen Forschung sei es nicht, diese Widersprüche aufzulösen und zu klären, sondern eine "genaue" Vorstellung von der rätselhaften, verwirrten Situation zu geben, die der Auflösung des Widerspruchs vorausgeht. Somit würde die "klare und verwirrte" atmosphärische Qualität der Gemälde von Jean-Baptiste Bernadet einen Grenzzustand begrenzen, diese schwebende Zone, in der der Widerspruch noch nicht vollständig behandelt und verteilt ist, sondern im Zustand der Reserve verbleibt. Die Unschärfe zeigt weder einen subjektiven Zustand (Expressionist) noch einen objektiven Zustand (Impressionist), sondern existiert an sich. Als "Subjekt" bewirkt es seine eigene Wirkung.

Hier dienen die optischen Effekte der Unschärfe, der Unbestimmtheit dazu, eine Art von Positionierung zu definieren, die gleichzeitig mehrdeutig und präzise ist und die die Malerei mit einem Rahmen historischer Referenzen beibehält, wie dies bei unserem zeitgenössischen Bildregime der Fall ist. Jean-Baptiste Bernadet untersucht die Nähe von historisch bestimmten, sogar überbestimmten Formen und Bildregistern - Kolorismus, Landschaftsgestaltung, Expressionismus, Biomorphismus, Impressionismus -, die mit einer „leeren“ Herangehensweise an sein Medium verbunden sind. Die Geste erwirbt ihr Wissen nur durch Erfahrung. Das Werk zeichnet sich durch seine Vielfalt und Quantität aus und pendelt zwischen isolierten Werken, die oft schnell und locker sind, und Gemälden, die nach dem Prinzip der "Gruppe" oder Serie entwickelt wurden und aus einer Investition im Laufe der Zeit stammen. Das Prinzip der Serie und die Erstellung technischer Protokolle strukturieren somit die Ausübung des Zufalls, die die Praxis des Künstlers organisiert, indem sie sie auf ein Regelwerk beziehen, innerhalb dessen die richtungsweisende Ausdruckskraft der Geste, der Überschuss an Körperlichkeit der gestischen Malerei ausgeübt wird. " unter Kontrolle". Seine proliferierende Natur ist ein Symbol für eine Generation von Malern, die die liberalen Werte des Überflusses integriert haben, um den idealen Wert von Leistung, Vollendung und psychologischer Geschichte, der ihrem Medium innewohnt, neu zu verhandeln. Sie definieren die Malerei somit neu in Bezug auf Versuch, Stadium, Schwelle, Versorgung, Verlust.

Das Gemälde im Übermaß zu setzen bedeutet auch, es in Verzug zu setzen, die Beziehung, die das Gemälde a priori mit seinem Autor verbindet, als "Projekt" falsch einzustellen. Diese Art der Produktionswirtschaft zielt auch darauf ab, eine "Reserve" zu bilden, in der jedes Gemälde wahrscheinlich nach einem Prinzip der Verstärkung und Erschöpfung neu interpretiert und neu bewertet wird. In seiner Beziehung zum Format interessiert sich Bernadet für die Art und Weise, wie der Blick auf die Leinwand gerichtet ist, die Chronologie des Erscheinungsbilds stört, den Blick durch De-Multiplikation der Fluchtpunkte dezentralisiert und dabei auf den wirkungsvollen Aspekt spielt Farbe, der "Cinemascope" -Effekt großer Formate und ihre räumliche Artikulation. Das Thema Landschaft wird gleichzeitig als generisches Symbol mobilisiert, erschöpft, vage, weil es reproduziert werden soll, aber es wird auch in das Erbe, Romantik und Visionär des Genres der Landschaftsmalerei eingefügt.

Die Fugues-Serie, die durch mehrschichtige Ansammlung von Pinselstrichen erzeugt wird, kombiniert somit die expansive und luftige Bewegung farbiger Felder und die intensive, synkopierte Bewegung des Pinselstrichs, wobei die Spannung zwischen der emotionalen Wirkung von Farbe und der mechanischen Natur der Geste berücksichtigt wird. Die Arbeit erfolgt nicht durch Komposition, sondern durch Akkumulation und Überlappung, wobei jede Berührung die Gesamtdynamik durch ein Spiel von Auslöschung und Markierungen neu definiert. Die mühsame Dimension der Geste, die ihre Größe einführt, positioniert die ursprünglich wahrgenommene Intentionalität, ihre Lyrik und ihre Virtuosität neu. Ohne es zu neutralisieren, führt es jedoch zu einem Motivmangel beim Malen, wobei die Handlung gleichzeitig übermäßig und ratlos ist.

Retour, eine Reihe von Medienformaten, die durch Kontakt zwischen zwei Oberflächen hergestellt werden, von denen eine mit Farbe und die andere mit Schwarz beschichtet ist, macht den Verschiebungs- und Überdruckvorgang, bei dem jedes Stück der Effekt ist, lesbar. Die Bilder können somit nach einem doppelten Raster gelesen werden. Das erste ist das - metaphysische und introspektive - der Landschaft, in die sie explizit eingefügt werden. Das zweite, wörtliche Wort, das das erste nicht aufhebt, sondern überlagert, hebt die "Last" der Malerei hervor, die Mechanik des Plattierens und Extrahierens, die das Gemälde in einer einzigen Geste hervorgebracht hat und an der Grenze zwischen dem Eingreifen des Künstlers und der Unfall.

In der Screen-Serie, atmosphärische Landschaften in sauren Farben, wird Ölfarbe in sehr geringen Mengen direkt aus der Tube auf die Leinwand aufgetragen. Der gesättigte und feste Charakter der Paste wird durch die wiederholte Geste des Streckens und Bindens von Farben auf der Oberfläche moduliert. Das Gemälde ruft eine Ebene von Empfindungen hervor, die sich im Kontakt miteinander aufladen. Hier rufen die Kraft der Lichtstärke und das Fehlen einer Skalenmarke die einhüllenden Effekte des Werbebildes ebenso hervor wie eine Form des bildlichen Klassizismus.

Vetiver, eine Serie großformatiger Gemälde, die 2013 initiiert und heute in einer neuen Variante präsentiert wurde, verwendet das gleiche technische Prinzip, um Farbe direkt auf der Leinwand zu dehnen und zu synthetisieren. Das mit Terpentin extrem verdünnte Gemälde vereint den Effekt der Erschöpfung und des Verderbens mit der Vitalität, die durch die Metamorphose und Kontamination der Farben zwischen ihnen suggeriert wird. Die Serie hat ihren Namen von einer exotischen Wurzel, die in der Parfümerie verwendet wird, in Form einer sehr dicken harzigen Essenz, die zur Entwicklung von holzigen und knolligen Düften verwendet wird. Vorschläge für polymorphe Gemälde, die gesättigte und abnehmende Sensorik der Bilder erzeugen eine Art chromatische Narkose, bei der das Gemälde erschöpft wird, schrumpft und in einem Schleierzustand bleibt. In den abstrakten Gemälden von Jean-Baptiste Bernadet dreht die enge Wahrnehmung häufig die Ausstrahlung des Gemäldes, seinen Glanz, auf die materielle Tiefe. Strömungsmechanik, Schimmer, Szintillationen, verführerische und protzige Kolorimetrie sind Teil einer Form der Geschicklichkeit, die dem Bildfluss entnommen wird, der unser visuelles Regime sättigt und auswäscht und unsere Wahrnehmungsschärfe erschöpft. Die Unschärfe, die gleichzeitig als zeitgemäße Neubewertung der abstrakten Malerei und unserer Wahrnehmungsstruktur eingesetzt wird, wird zur ultimativen Möglichkeit, einen Bewusstseinszustand an dem Punkt seiner Entstehung wiederzuerlangen.

Text von Clara Guislain